Sopran Claudia Goebl
Dirigent Ola Rudner

Vom Dreivierteltakt-Elan des Walzers zum ausgelassenen Galopp, von der abwechslungsreichen Quadrille über den schneidigen Marsch bis zur noblen Polka mazur: Mit diesem ganz eigenen Reichtum an Formen und Gestalten beglückt und betört die Musik der Strauss-Dynastie bis heute, ganz zu schweigen von ihren unvergesslichen Melodien, die der Schwerkraft zu spotten scheinen. Dazu noch zündende Orchesterwerke, große Ouvertüren sowie gesungene Überraschungen aus Operette und Oper – fertig ist das traditionelle Silvester- und Neujahrskonzert der Tonkünstler, das dennoch stets frisch und prickelnd bleibt: der ideale Start für 2024!

Beim St. Pöltner Hauptstadtball dürfen sich die Gäste auf ein Fest für alle Sinne freuen – kulinarisch begleitet von neun erstklassigen Gastronomen, die mit raffinierten Köstlichkeiten verwöhnen.

Wenn schließlich die magischen Worte „Alles Walzer!“ erklingen, füllt sich die Tanzfläche, und die Besucher/innen gleiten beschwingt bis in die frühen Morgenstunden über die Tanzfläche.

Ein Abend voller Eleganz, Musik und Lebensfreude, der den Auftakt für ein glänzendes Jahr 2026 verspricht.

Ein Mann, K. genannt, kommt spätabends in einem verschneiten böhmischen Dorf an. Im nahegelegenen Schloss soll er eine Stelle als Landvermesser antreten. Doch weder wird er von den Dorfbewohner*innen besonders freundlich empfangen, noch wollen die Verwalter des Schlosses etwas mit ihm zu tun haben. Niemand will von seiner Anstellung wissen. Keiner scheint für ihn zuständig zu sein oder kann etwas entscheiden. K. wird hingehalten, vertröstet, verwirrt oder zu einer anderen Instanz weitergeleitet. Das Schloss ist für K. nicht erreichbar. Der bürokratische Apparat ist zugleich bedrohlich und diffus, wer zu ihm gehört und wer welche Position einnimmt, bleibt unklar. Und so muss K. zunächst als Schuldiener arbeiten, lernt die Menschen des Dorfes kennen und arbeitet auf sein Ziel hin, dem er doch nie näherkommt.

„Das Schloss“, das zu einem Welterfolg wurde, ist eines von mehreren unvollendeten Werken Kafkas. Mitten im Satz bricht die Erzählung einfach ab. Kafkas Freund und Verleger Max Brod, der das Werk gegen den Willen des Autors veröffentlichte, hat Kafkas Gedanken zum fehlenden Ende preisgegeben, weshalb wir trotz des abrupten Endes des Romans grob wissen, wie er hätte ausgehen können. In der mündlichen Überlieferung heißt es, dass es zumindest zu einer teilweisen Klärung von K.s Situation kommen sollte. Wie in vielen anderen Werken des Autors manifestiert sich auch in „Das Schloss“ der Gedanke des Kafkaesken. Der Einzelne, der sich einer unklaren, ungreifbaren und unerreichbaren Macht gegenübersteht, ist ein wiederkehrendes Motiv im Werk des Autors und bietet auch für den Menschen des 21. Jahrhunderts hohes Identifikationspotential. Regisseur Gernot Grünewald arbeitet zum ersten Mal am Landestheater Niederösterreich. Er wird Kafkas Roman mit all seiner Rätselhaftigkeit zu einem sinnlich-poetischen Erlebnis machen.

DAUER:
1 Stunde 35 Minuten, keine Pause

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 15 Jahren

Die Nobelpreisträgerin und Schriftstellerin Elfriede Jelinek soll Steuern hinterzogen haben? Ausgangspunkt von „Angabe der Person“ ist eine wahre Begebenheit rund um ein – mittlerweile eingestelltes – Ermittlungsverfahren der deutschen Steuerbehörden gegen Elfriede Jelinek. Es geht um die strittige Frage der Doppelbesteuerung, da sie abwechselnd in Wien und bei ihrem Ehemann in München lebt. In dem autobiografisch inspirierten Stück beschreibt Jelinek, wie die „Diener des Staates“ ihre Wohnung durchsuchen, um nachzuweisen, ob sie als Schriftstellerin in Deutschland steuerpflichtig sei. Die Beamten durchkämmen die Wohnung, dringen in ihre Intimsphäre ein. Persönliche Dokumente werden besichtigt, private E-Mails gelesen, Festplatten geprüft und Rechnungsbelege kritisch beäugt. Diese unfreiwillige Inventur ihrer persönlichen „Lebenslaufbahn“ nimmt Jelinek zum Anlass, um politische Ungerechtigkeiten auf mehreren Ebenen anzuklagen. In ihrem bisher persönlichsten Text ruft Elfriede Jelinek ihre jüdischen Vorfahren väterlicherseits in den Zeugenstand, die durch das menschenfeindliche Verwaltungssystem des nationalsozialistischen Regimes verfolgt wurden. Zugleich spannt sie, entlang von Assoziationen und Wortspielen, einen großen Bogen zum entfesselten Finanzkapitalismus der Gegenwart. Mit den Mitteln ihrer gewaltigen Sprachkunst holt Elfriede Jelinek ihrerseits zu einem literarischen Ermittlungsverfahren gegen legale Steueroasen, globale Geldströme und die Gier des großen Kapitals aus.

Die Regisseurin Sara Ostertag zählt zu den erfolgreichsten Theaterkünstlerinnen Österreichs und ist bekannt für ihre bildstarke, genrefluide Ästhetik. Mit dem Landestheater Niederösterreich ist sie durch mehrere gemeinsame Produktionen, zuletzt die bejubelten Uraufführungen von „Die größere Hoffnung“ und „Dunkelblum“, verbunden. Erstmals bringt Sara Ostertag mit dem Ensemble des Landestheaters und eigens komponierter Musik einen Theatertext von Elfriede Jelinek auf die Bühne.

Simon Schwarz und Manuel Rubey machen eigentlich schon seit Jahren einen Podcast, nur aufgenommen hat die beiden bislang leider niemand. Ab sofort ändert sich das. Denn die beiden österreichischen Schauspieler - bekannt aus Produktionen, wie die "Eberhoferkrimis" oder "Braunschlag" - haben einen Deal gemacht: Trotz chronischem Lampenfieber wagt Filmschauspieler Simon Schwarz den Schritt auf die Bühne, spielt und schreibt mit Manuel Rubey ein Kabarett-Programm. Dafür bricht Manuel mit dem Vorsatz, dass er niemals Teil eines Zwei-Männer-labern-über-Gott-und-die-Welt-Podcasts sein wollte.

Tja, jetzt haben beide den Salat.

Ein herrlicher Wiener Schmäh und ein erfrischend unkorrekter Österreichischer Humor machen Schwarz und Rubey zu einer Podcast-Perle für alle Fans von Theater, Film, Kabarett und Wiener Lebensart. Ab und an kommen sogar Gäste vorbei.

Argan hat eigentlich alles, was man für ein zufriedenes Leben braucht: eine treue Ehefrau, Kinder im heiratsfähigen Alter, einen großen Besitz und Toinette, seine schlaue Haushälterin. Doch glücklich ist Argan nicht, denn er ist ein Hypochonder, wie er im Buche steht. Tagtäglich quält er sein Umfeld mit eingebildeten Krankheiten und konsultiert sämtliche Ärzte, die viel Geld kosten und ihn trotzdem nicht heilen können. Er beschließt, seine Tochter Angélique gegen ihren Willen mit einem Arzt zu verheiraten, der sich tagtäglich um ihn kümmern soll. Um Argans hypochondrischem Wahn und seiner Selbstbespiegelung ein Ende zu setzen, fädelt seine Haushälterin Toinette ein absurd-komödiantisches Spiel von Intrigen und Verwicklungen ein …

In seiner berühmten und letzten Komödie aus dem Jahre 1673 beschreibt Molière die grotesken Auswüchse des Körperwahns in der französischen Adelsschicht. Auf der einen Seite wollte man den eigenen Körper vervollkommnen und verschönern, auf der anderen Seite hatte man Angst vor dem körperlichen Verfall und dem Sterben. Molière widmete das Stück Ludwig XIV., der sich zeitlebens mit selbsternannten Heilern umgeben hat. Der übertriebene Körperkult inspirierte Molière zu einer seiner tiefsinnigsten Gesellschaftssatiren.

In der Inszenierung des renommierten Film- und Theaterregisseurs Leander Haußmann wird das Kreisen um die eigene Befindlichkeit zum allgemein-menschlichen Thema und die Geschlechter-Zuordnung aufgelöst. In seiner Interpretation spielt Ursula Strauss, eine der berühmtesten österreichischen Kino- und Fernsehschauspielerinnen, die Titelrolle der eingebildeten Kranken.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 13 Jahren

Mitwirkende:

Tobias Artner
Christian Dolezal
Robin Krakowski
Laura Laufenberg
Ursula Strauss
Julian Tzschentke

Inszenierung, Leander Haußmann
Bühne, Maximilian Lindner
Kostüme, Cedric Mpaka
Dramaturgie, Sabrina Hofer

Melancholisch, sinnlich, pulsierend: LINA_ verwandelte sich in den letzten Jahren vom Nachwuchstalent zur Wegbereiterin des modernen Fado. Für ihr neues Album nahm sie sich einen der großen Poeten Portugals vor.

Vokal/Fado Mit Fado Camões gelang LINA_ eine intime Auseinandersetzung mit den Werken des Renaissancedichters Luís Vaz de Camões. Gemeinsam mit dem britischen Produzenten Justin Adams schuf sie ein hypnotisches Werk zwischen klassischem Fado, Blues und afrikanisch anmutendem Swing. Gitarrenvirtuose Pedro Viana und Ianina Khmelik an Klavier und Synths komplettieren das Klangbild – auch im Konzert. Quando Vos Veria verführt dabei mit angezerrter E-Gitarre und charmant schimmernder Orgel. In O que temo e o que desejo trifft Latin- Rhythmus auf verspielten Bass und Elektro-Drums – zeitgenössischer Fado vom Feinsten. Desamor und Se De Saudade Morrerei Ou Não hingegen verkörpern eine klassischere Form des Genres. Ein neuer Meilenstein des Fado ist geschaffen!

Lina Rodrigues wurde 1984 in Hamburg geboren und studierte Gesang am Konservatorium in Porto. Unter dem Namen Carolina veröffentlichte sie die Fado-Alben Carolina und EnCantado. Für ihr gefeiertes Projekt mit dem katalanischen Produzenten Raül Refree erhielt sie zahlreiche Auszeichnungen.

BESETZUNG

LINA_ Gesang & Synthesizer, Pedro Viana Portugiesische Gitarre, Ianina Khmelik Klavier & Synthesizer

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Dass das Wochenende nicht immer mit innerlichem oder äußerlichem Hoch einhergeht, obwohl es der Sehnsuchtsort der Woche ist, davon erzählen heitere bis wolkige Geschichten von Peter Altenberg, Alfred Polgar, Joseph Roth, Felix Salten, Christoph Ransmayer, Thomas Bernhard u. a. Texte, die uns über die Menschen und das Leben einen Spiegel vorhalten.

Ein neues Programm, das Karl Markovics, Österreichs preisgekrönter Ausnahme-Künstler, wandelbarer Charakterschauspieler, Regisseur und Multitalent gemeinsam mit dem Duo BartolomeyBittmann präsentiert: Es sind Autoren und Feuilletonisten aus einer Zeit und einem Umfeld, mit denen er ganz offensichtlich viel anfangen kann und grüblerisch, detail- und sprachverliebt tief in die Abgründe der österreichischen Seele zu blicken vermag.

Es ist eine musikalische Reise durch die verschiedensten klanglichen Umgebungen, die BartolomeyBittmann unternehmen: Als innovative Brückenbauer zwischen den Stilen gelingt es Matthias Bartolomey (Cello) und Klemens Bittmann (Violine & Mandola) klangliche Verbindungen herzustellen, die in ihrer Art weit abseits des Herkömmlichen anzusiedeln sind. Mit ihren Eigenkompositionen öffnen sie die Klassik und kreuzen diese mit Elementen des Rock, Jazz, Folk und der Kammermusik – die unverwechselbar energiegeladene Musik von BartolomeyBittmann.

Ein Gesamtkunstwerk für alle Sinne: Damien Jalet kreiert mit dem Künstler Kohei Nawa und für das Ballet du Grand Théâtre de Genève eine tänzerisch-visuelle Reise an die Grenzen unserer Wahrnehmung.

Tanz Zwischen Realität und Trugbild: Inspiriert vom Naturphänomen der Fata Morgana – einer optischen Illusion, die durch Lichtverzerrungen entsteht – erschaffen der Choreograf Damien Jalet und der bildende Künstler Kohei Nawa eine Bühnenwelt, in der Wirklichkeit und Täuschung untrennbar ineinanderfließen. Im Zentrum steht die Menschheit, die auf der Suche nach dem Menschsein hinter dem Schleier der Illusion eine metaphorische Wüstenlandschaft durchquert. Die 16 Performer:innen durchlaufen auf ihrer Reise eine Reihe körperlicher und emotionaler Metamorphosen: Wandern sie zuerst als einzelne Suchende durch eine karge Landschaft, greifen zunehmend botanische und animalische Elemente ineinander, das Individuum wird Teil eines größeren, lebendigen Organismus. Als sinnliche Reise durch wechselnde Naturzustände, wächst aus der Leere der Wüste eine üppige, tropisch anmutende Bühnenwelt. Mirage ist ein Stück über das Menschsein im Wandel – flüchtig, verletzlich, und immer im Prozess des Werdens.

Damien Jalet, seit 2022 assoziierter Künstler des Ballet du Grand Théâtre de Genève, präsentiert mit Mirage seine erste Uraufführung mit der Compagnie. Bekannt für seine bildgewaltige, zeitgenössische Handschrift, zog er zuletzt auch als Choreograf des preisgekrönten Musical-Films Emilia Pérez (2024) von Jaques Audiard internationale Aufmerksamkeit auf sich. Mirage ist nach VESSEL (2016), Mist (2021) und Planet[wanderer] (2021) die vierte gemeinsame Arbeit mit dem bildenden Künstler Kohei Nawa, dessen künstlerische Praxis eine dynamische Interpretation des Skulptur-Begriffs verfolgt. Seine Werke sind sinnliche Erfahrungen, die auf die physikalischen Eigenschaften von Materialien verweisen und sich mit Themen des Lebens und des Kosmos, sowie mit künstlerischer Sensibilität und Technologie befassen. Im Jahr 2009 gründete er die multidisziplinäre Kunstplattform Sandwich in Kyoto mit dem Ziel, Projekte und Installationen einem breiten Publikum zugänglich zu machen.

Eine Koproduktion von Kampnagel Hamburg, Charleroi Danse, Centro de Danza Matadero-Madrid, Maison de la Danse, Lyon-Pôle européen de création und Festspielhaus St. Pölten.

BESETZUNG

Damien Jalet Konzept, Choreografie, Kohei Nawa Konzept, Bühnenbild, Kunihiko Morinaga (Anrealage) Kostüme, Anna Sato Assistenz Kostüme, Yukiko Yoshimoto Lichtdesign, Thomas Bangalter Musik, Ballet du Grand Théâtre de Genève Tanz, Aimilios Arapoglou Choreografische Beratung, Kehua Li Choreografische Assistenz, Nikolai Korypaev Szenografische Assistenz, Jamila Hessaïne Creative Producer für Damien Jalet, Ryo Shikari Programmation

BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Aviel Cahn Generaldirektor, Sidi Larbi Cherkaoui Direktor des Balletts, Indosuez Wealth Management Partner des Balletts des Grand Théâtre

Mirage ist eine Produktion, die auf dem Projekt Mirage [transitory] basiert, produziert und organisiert von Sandwich Inc, Zero-Ten Inc, Super Massive Global Co. Ltd, gesponsert von Yoshimura Holdings und präsentiert in Fukuoka (Japan) im September 2024

In Gedenken an Ryo Shiraki (1990-2025)

Drei Werke, die auf ganz unterschiedliche Weise zu Herzen gehen, weil sie Unsagbares ausdrücken: Mit einem besonders packenden Programm kehrt Tabita Berglund zu den Tonkünstlern zurück. 2022 war sie als Einspringerin erstmals an deren Pult zu erleben, seither ist die norwegische Dirigentin bei Orchester wie Publikum längst zu einem gern gesehenen Gast geworden. Mit Pjotr Iljitsch Tschaikowskis sechster, seiner «Pathétique», präsentiert sie nun eine Symphonie, die exorbitante Gefühlseruptionen und jähe Stimmungsumschwünge prägen. Vom 53-jährigen Komponisten als Schlussstein seines Schaffens geplant, ist sie eine Art Requiem, ein nach Kämpfen akzeptierter Abschied vom Leben: Neun Tage nach der Uraufführung war er tot. Erstmals haben die Tonkünstler ein Werk von Harald Sæverud im Programm. Der Landsmann von Edvard Grieg – und von Tabita Berglund – gilt als eine der wichtigsten Instanzen norwegischer Musik im 20. Jahrhundert. Der nur schwerlich übersetzbare Titel «Kjempeviseslåtten» bedeutet wörtlich etwa «Kampfliedtanz», zu gut Deutsch also «Ballade des Aufruhrs». Das Stück ist ein musikalischer Aufschrei gegen die deutsche Besatzung im Zweiten Weltkrieg und den «kleinen und großen Widerstandskämpfern» gewidmet. Als gleichsam auskomponiertes Schweigen folgt darauf Arvo Pärts «Tabula Rasa»: Die transzendentale Ruhe und in sich gekehrte, karge Schönheit verlangt den Musizierenden gleichfalls enorme, wenn auch ganz andere Konzentration ab. Die beiden Solopartien können die Tonkünstler aus ihren eigenen Reihen besetzen – mit Natalia Sagmeister und Vahid Khadem-Missagh.

Mitwirkende

Violine: Vahid Khadem-Missagh
Violine: Natalia Sagmeister
Dirigentin: Tabita Berglund

Programm

Harald Saeverud
«Kjempeviseslåtten» | «Die Ballade des Aufruhrs» op. 22a Nr. 5

Arvo Pärt
«Tabula Rasa» für 2 Violinen, Streichorchester und präpariertes Klavier

- Pause -

Pjotr Iljitsch Tschaikowski
Symphonie Nr. 6 h-Moll op. 74 «Pathétique»

von René Pollesch

Beschreibung

Was hat Shakespeares „Sommernachtstraum“ mit dem „Knacks“ zu tun? Am Anfang des Stückes tritt eine Schauspielerin, K(athrin) Angerer, auf. Sie verwechselt die Vorbühne mit der Couch eines Psychiaters und will unbedingt einen „ganz schlimmen Sommernachtstraum“ erzählen. Es geht an diesem Abend tatsächlich wie bei Shakespeare um die Liebe – und um den Knacks. Es wäre kein Stück von René Pollesch, wenn es nicht gleichzeitig um die ersten und letzten Dinge und alle Möglichkeiten dazwischen ginge. Ums Theater also. René Polleschs Texte sind leicht und komplex, sinnlich und voller tiefsinniger Gedankenspielerei. Der 2024 verstorbene Autor und Regisseur gehört zu den wichtigsten Theaterkünstler*innen der deutschsprachigen Welt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 16 Jahren

Der Lack ist ab! Die Fassade bröckelt das Fundament morscht. Was für die Welt gilt gilt auch für Verena Scheitz und Thomas Schreiweis: Alles gerät aus den Fugen!Aber was jetzt?Einfach nur die Oberfläche polieren und innerlich weiter vor sich hin faulen wie eine holländische Glashaustomate? Reicht es denn nicht wenn man sich über Botox Silikon und Haare färben Gedanken macht? Muss man jetzt auch noch ein besserer Mensch werden? Soll man der Friedensbewegung beitreten oder wäre die Welt schon ein schönerer Ort wenn einfach nur alle duschen bevor sie aus dem Haus gehen? Kann man den Handwerkerbonus auch für eine Maniküre ausgeben und gelten die neuen Fettpölsterchen als thermische Sanierung?Baustellen wohin man schaut - doch nur weil der Lack ab ist streichen wir noch lange nicht den Urlaub!Der Lack ist ab! Ein kabarettistischer Bastlerhit mit Liedern. Von und mit Verena Scheitz und Thomas Schreiweis.

von René Pollesch

Beschreibung

Was hat Shakespeares „Sommernachtstraum“ mit dem „Knacks“ zu tun? Am Anfang des Stückes tritt eine Schauspielerin, K(athrin) Angerer, auf. Sie verwechselt die Vorbühne mit der Couch eines Psychiaters und will unbedingt einen „ganz schlimmen Sommernachtstraum“ erzählen. Es geht an diesem Abend tatsächlich wie bei Shakespeare um die Liebe – und um den Knacks. Es wäre kein Stück von René Pollesch, wenn es nicht gleichzeitig um die ersten und letzten Dinge und alle Möglichkeiten dazwischen ginge. Ums Theater also. René Polleschs Texte sind leicht und komplex, sinnlich und voller tiefsinniger Gedankenspielerei. Der 2024 verstorbene Autor und Regisseur gehört zu den wichtigsten Theaterkünstler*innen der deutschsprachigen Welt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 16 Jahren