Eine seltene Kostbarkeit aus Böhmen: Josef Suks spätromantische Klangwelt trifft auf die zeitlose Eleganz von Antonín Dvořáks Cellokonzert. Mit Tomáš Netopil am Pult und Julian Steckel als Solist entfaltet sich ein Abend voll schillernder Musizierfreude und tief empfundener Melancholie.

Die Musik von Josef Suk ist hierzulande noch eine Rarität. Tomáš Netopil widmet sich mit Leidenschaft Suks spätromantischen Werken, hier der E-Dur-Symphonie von 1898, die böhmische Musizierfreude und Fin de Siècle vereint. Dazu passt die elegische, stellenweise fast nostalgische Grundhaltung von Dvořáks berühmtem Cellokonzert, das 1895 in den USA entstand. Dessen virtuosen und doch ausdrucksvoll singenden Solopart übernimmt der gefeierte deutsche Cellist Julian Steckel.

Julian Steckel ist Gewinner zahlreicher Wettbewerbe und konzertiert als Cellist mit renommierten Orchestern. Neben seiner Solokarriere ist er ein gefragter Kammermusiker und unterrichtet als Professor an der Hochschule für Musik und Theater München. Der tschechische Dirigent Tomáš Netopil ist seit neun Jahren Generalmusikdirektor des Aalto Musiktheaters Essen und der Essener Philharmoniker. Neben Engagements bei führenden Orchestern weltweit gründete er 2018 die Internationale Musikakademie Kroměříž, um junge Musiker:innen zu fördern.

PROGRAMM

- Antonín Dvořák: Konzert für Violoncello und Orchester h-Moll op. 104
- Josef Suk: Symphonie E-Dur op. 14

BESETZUNG

Julian Steckel Violoncello, Tomáš Netopil Dirigent, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Mit seiner zeitgenössischen Interpretation von Romeo + Julia zeichnet Marcos Morau das albtraumhafte Bild einer Welt, in der Gewalt allgegenwärtig ist, und entfaltet eine poetische Parabel über Liebe und Hass.

Zeitgenössisches Ballett/Klassik In seiner Kreation für das Opera Ballet Vlaanderen erfindet der spanische Choreograf die legendäre Tragödie von Romeo + Julia neu. Inspiriert von Sergej Prokofjews lyrischem und zugleich düsterem Orchesterwerk verleiht Morau dem klassischen Drama eine zeitgenössische Dimension. Anstatt die Geschichte nachzuerzählen, konzentriert er sich auf das emotionale Drama – die zerstörerische Kraft des Hasses und die unerfüllbare Sehnsucht nach Liebe. Mit Romeo + Julia schafft Marcos Morau ein atemberaubendes visuelles Universum mit poetischer Musikalität und einer akribisch choreografierten Bewegungssprache, durchzogen von einem unheilvollen Unterton.

Marcos Morau gehört zu den bedeutendsten Choreograf:innen der Gegenwart, leitet seine eigene Tanzcompagnie und ist Artist in Residence beim Staatsballett Berlin. Er strebt eine tänzerische Zukunft mit neuen Formaten an, in der Oper, Tanz und Körpertheater enger denn je miteinander in Dialog treten.

BESETZUNG

Marcos Morau in Zusammenarbeit mit den Tänzer:innen des Opera Ballet Vlaanderen Choreografie, Sergej Prokofjew Musik, Max Glaenzel Bühne, Silvia Delagneau Kostüme, Bernat Jansà Licht, Opera Ballet Vlaanderen Tanz, Gavin Sutherland Musikalische Leitung, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich

* Sergej Prokofjew: Romeo und Julia op. 64, Ballett
Libretto: Sergei Radlov, Adrian Piotrovsky, Leonid Lavrovsky und Sergej Prokofjew. Veröffentlichung: Première Music Group (Katalog Le Chant du Monde)

Ein explosives Tanzerlebnis für alle, die Tanz mit Haut und Herz spüren wollen. Unter der Choreografie von Artur Kolmakov entführt „Born to Dance“ das Publikum auf eine rasante Reise durch die populärsten Tanzstile – von Tango, Swing und Rock’n’Roll bis Contemporary, Broadway Jazz und Afro Jazz.Auch gefühlvolle Balladen finden ihren Platz: Mit Ausdruck und Sinnlichkeit schaffen die Tänzer:innen emotionale Höhepunkte. Sie sprechen nicht – doch ihre Körper erzählen Geschichten. Der Rhythmus steigt, die Energie überträgt sich. Sie sind geboren, um zu tanzen. ‍

Gegenwartsdramatik ist ein wesentlicher Teil des Programms am Landestheater Niederösterreich. Deshalb wird seit 2012 in Zusammenarbeit mit dem Land Niederösterreich alle zwei Jahre ein Arbeitsstipendium zur Förderung der zeitgenössischen Dramatik vergeben. Schirmherr und Namensgeber des Preises ist Peter Turrini, der zu den wichtigsten österreichischen Theaterautoren der Gegenwart zählt. Gefördert wird der*die Gewinner*in des Stückefests 2025. Das Stückefest findet in Zusammenarbeit mit unseren Kooperationspartner*innen – dem DRAMA FORUM der uniT Graz und dem Institut für Sprachkunst der Universität für angewandte Kunst Wien – statt.

Im Wettbewerb 2025 um das Stipendium befanden sich die Stücke „rummelfantasie (mayday mayday)“ von Stephan Langer, „Intendantenwechsel“ von Armela Madreiter, „NO MERCY SISTERS“ von Marcus Peter Tesch sowie „der mund wenn er kippt ist ein teich“ von Paula van Well.

Ausgezeichnet wurde am 22. Mai paula van well für den Text der „mund wenn er kippt ist ein teich“. Die Fachjury, bestehend aus der Regisseurin Anne Bader dem Autor, Übersetzer, Sprecher und Lektor Martin Thomas Peslund Marie Rötzer der künstlerischen Leiterin des Landestheaters Niederösterreich, begründete ihre Entscheidung wie folgt:

„der mund wenn er kippt ist ein teich“ von paula van well ist ein melancholischer, komplexer Text, der uns wie in einen alten Polaroid-Fotopparat hineinschauen und in Kindheitserinnerungen kippen lässt. Klimawandel und Persönliches verwebend, bringt uns der Text wieder mit der eigenen Jugend zusammen, in der wir uns als Einzige falsch fühlten und ständig ins Schwimmen gerieten, während der Rest der Welt mühelos zu funktionieren schien. Das alles in einer Sprache, die Bilder im Kopf entstehen lässt, der eine Poesie, aber auch eine Leichtigkeit hat – und stets ein Anliegen, was mit dem Publikum verhandelt werden soll. Aber der Text gibt auch, ähnlich einem undurchsichtigen Tümpel, Rätsel auf – Rätsel, die es wert sind, gelöst zu werden.

„der mund wenn er kippt ist ein teich“ von paula van well wird in der Spielzeit 2025/26 von der Regisseurin Anne Bader in der Theaterwerkstatt des Landestheaters Niederösterreich am 07. März 2026 zur Uraufführung gebracht.

Mitwirkende

Katharina Rose
Marthe Lola Deutschmann
Julia Kreusch

Inszenierung
Anne Bader

Bühne und Kostüme
Andrea Simeon

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Musik
Volker Schmidt

Mit seiner zeitgenössischen Interpretation von Romeo + Julia zeichnet Marcos Morau das albtraumhafte Bild einer Welt, in der Gewalt allgegenwärtig ist, und entfaltet eine poetische Parabel über Liebe und Hass.

Zeitgenössisches Ballett/Klassik In seiner Kreation für das Opera Ballet Vlaanderen erfindet der spanische Choreograf die legendäre Tragödie von Romeo + Julia neu. Inspiriert von Sergej Prokofjews lyrischem und zugleich düsterem Orchesterwerk verleiht Morau dem klassischen Drama eine zeitgenössische Dimension. Anstatt die Geschichte nachzuerzählen, konzentriert er sich auf das emotionale Drama – die zerstörerische Kraft des Hasses und die unerfüllbare Sehnsucht nach Liebe. Mit Romeo + Julia schafft Marcos Morau ein atemberaubendes visuelles Universum mit poetischer Musikalität und einer akribisch choreografierten Bewegungssprache, durchzogen von einem unheilvollen Unterton.

Marcos Morau gehört zu den bedeutendsten Choreograf:innen der Gegenwart, leitet seine eigene Tanzcompagnie und ist Artist in Residence beim Staatsballett Berlin. Er strebt eine tänzerische Zukunft mit neuen Formaten an, in der Oper, Tanz und Körpertheater enger denn je miteinander in Dialog treten.

BESETZUNG

Marcos Morau in Zusammenarbeit mit den Tänzer:innen des Opera Ballet Vlaanderen Choreografie, Sergej Prokofjew Musik, Max Glaenzel Bühne, Silvia Delagneau Kostüme, Bernat Jansà Licht, Opera Ballet Vlaanderen Tanz, Gavin Sutherland Musikalische Leitung, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich

* Sergej Prokofjew: Romeo und Julia op. 64, Ballett
Libretto: Sergei Radlov, Adrian Piotrovsky, Leonid Lavrovsky und Sergej Prokofjew. Veröffentlichung: Première Music Group (Katalog Le Chant du Monde)

Ein explosives Tanzerlebnis für alle, die Tanz mit Haut und Herz spüren wollen. Unter der Choreografie von Artur Kolmakov entführt „Born to Dance“ das Publikum auf eine rasante Reise durch die populärsten Tanzstile – von Tango, Swing und Rock’n’Roll bis Contemporary, Broadway Jazz und Afro Jazz.Auch gefühlvolle Balladen finden ihren Platz: Mit Ausdruck und Sinnlichkeit schaffen die Tänzer:innen emotionale Höhepunkte. Sie sprechen nicht – doch ihre Körper erzählen Geschichten. Der Rhythmus steigt, die Energie überträgt sich. Sie sind geboren, um zu tanzen. ‍

„Der blinde Passagier“ beginnt wie ein Kriminalfilm. Zeit: Winter 1938. Ort: ein dänisches Paketboot an einem deutschen Hafen. Es herrscht noch dichter Nebel am Morgen, als das Boot seine Anker lichten möchte. Plötzlich entdeckt Carl, der Sohn des Kapitäns, einen Mann im eiskalten Wasser. Er fischt den Mann aus dem Hafenbecken und versteckt ihn im Frachtraum. Auf dem kleinen Schiff wird der heimliche Gast bald vom Rest der Besatzung entdeckt. Als sich herausstellt, dass der blinde Passagier ein jüdischer Arzt ist, der vor den Nationalsozialisten geflohen ist, eskaliert die Stimmung. Die Rettung des Fremden kann sie bei den deutschen Behörden in größte Gefahr bringen. So wird aus dem Krimi plötzlich ein gesellschaftspolitisches Drama, in dem es um individuelle genauso wie um kollektive Verantwortung geht. Wie weit würden wir gehen, um ein anderes Leben zu retten? Wie stark ist der Zusammenhalt unserer Gesellschaft vor dem Hintergrund einer nahenden Katastrophe?

Es war eine Sensation, als vor wenigen Jahren das verschollene literarische Werk der Wiener Autorin Maria Lazar in England wiederentdeckt wurde. Lazar, die zu den bedeutendsten Autor* innen der Wiener Moderne gehört, emigrierte als Jüdin schon in den 1930er Jahren ins dänische Exil. 1948 starb sie in Schweden. Die Regisseurin Mira Stadler bringt die packende Parabel über Zivilcourage und Menschlichkeit als österreichische Erstaufführung auf die Bühne.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Wie klingt die Natur in der Musik, wie klingen die Gefühle, die sie in uns weckt? Chefdirigent Fabien Gabel geht dieser Frage mit den Tonkünstlern nach – und hat sich dazu drei der schönsten Beispiele ausgesucht.

Als „Erinnerung an das Landleben“ mit einem murmelnden Bach, Vogelstimmen und tanzenden Landleuten ist Ludwig van Beethovens Sechste von Aufenthalten in Nussdorf und Grinzing inspiriert. Da ist Im Sommerwind nicht weit – ein spätromantisch-betörendes Naturzauberstück von Anton Webern. Feine Verbindungen führen zu Threadsuns, zu Deutsch „Fadensonnen“, einem Werk für Viola und Orchester aus der Feder des Südkoreaners Donghoon Shin. Der Bratschist Amihai Grosz gestaltet diesen feinsinnigen Klagegesang, dessen Titel sich auf ein bekanntes Gedicht von Paul Celan bezieht.

Amihai Grosz begann seine Karriere als Gründungsmitglied des Jerusalem Quartet und ist heute Erster Solobratschist der Berliner Philharmoniker sowie ein international gefragter Gast verschiedener Orchester. Ab Sommer 2025 steht Fabien Gabel als Chefdirigent des Tonkünstler-Orchesters Niederösterreich am Pult. Der französische Dirigent arbeitete mit Orchestern auf der ganzen Welt und ist für seinen präzisen und energetischen Stil sowie für seine vielseitige Programmgestaltung bekannt.

PROGRAMM

- Anton Webern: Im Sommerwind Idyll für großes Orchester
- Donghoon Shin: Threadsuns Konzert für Viola und Orchester
- Ludwig van Beethoven: Symphonie Nr. 6 F-Dur op. 68 Pastorale

BESETZUNG

Amihai Grosz Viola, Fabien Gabel Dirigent, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich

LORDS OF THE SOUND präsentieren das spektakuläre Konzertprogramm "The Music of Hans Zimmer"

Die Show von LORDS OF THE SOUND ist mehr als nur ein Konzert - sie ist ein unvergessliches musikalisches Erlebnis, voller Emotionen, Energie und der Magie der Filmmusik!

"The Amazing Spider-Man 2", "The Dark Knight", "Interstellar", "Dune", "Sherlock Holmes", "Man of Steel", "Pearl Harbor", "Gladiator", "Inception", "Spirit", "Wonder Woman", "Madagascar", "007: No Time To Die", "Pirates of the Caribbean", "The Lion King" - diese und viele weitere legendäre Kompositionen von Hans Zimmer werden live auf der Bühne zum Leben erweckt!

Hans Zimmer - der Mann, der die Welt der Filmmusik revolutioniert hat.

Ein brillanter Komponist, dessen Soundtracks Gänsehaut garantieren, begann seine legendäre Karriere mit dem Film "Rain Man". Dort schuf er eine Musik, die die Wahrnehmung der Hauptfigur - einer Person mit Autismus - widerspiegelt. "Dränge dich nicht in den Vordergrund, übertöne nicht die Charaktere … erschaffe Musik des Lichts", erinnerte sich Hans Zimmer. Dieser Ansatz brachte ihm seine erste Oscar-Nominierung ein und machte ihn sofort zu einem der gefragtesten Komponisten Hollywoods.

Seitdem ist sein Name untrennbar mit den größten Filmerfolgen der Geschichte verbunden. Disney war so begeistert von seinem Stil, dass das Studio ihm die Komposition der Musik für "Der König der Löwen" anvertraute. Dieser Soundtrack brachte Zimmer gleich drei der renommiertesten Musikpreise ein - einen Oscar, einen Golden Globe und einen Grammy. Seine Meisterwerke sind seither regelmäßig bei den größten Filmpreisverleihungen der Welt zu hören und machen jeden Film zu einem unvergesslichen Erlebnis.

LORDS OF THE SOUND und die großartigsten Werke von Hans Zimmer bieten Ihnen ein einzigartiges, emotionales Musikerlebnis! Tauchen Sie ein in eine magische Klangwelt, in der sich die Schönheit der sinfonischen Musik, die Energie einer Rockband, atemberaubende visuelle Effekte, ausdrucksstarke Gesangsauftritte von Solisten und Chor sowie die mitreißende Dynamik des gesamten Ensembles vereinen!

Die Gesamtdauer des Konzertprogramms beträgt ca. 2,5 Stunden inklusive Pause.

Verpassen Sie dieses außergewöhnliche Event nicht! Erleben Sie Musik, die Ihr Herz höher schlagen lässt und Ihre Seele berührt!

Erleben Sie eine bezaubernde Mischung aus klassischem Glanz und moderner Ausdruckskraft. Das Europaballett präsentiert Ihnen erlesene Variationen, die den Zauber der Jahreszeit auf die Bühne bringen – von poetischen Klassikern bis hin zu frischen, zeitgenössischen Choreografien. Lassen Sie sich von Eleganz, Leidenschaft und Leichtigkeit in den Frühling entführen.

Während im Tanz häufig die Jugend verklärt wird, zelebriert das Berliner Dance On Ensemble das Älterwerden. Die exzellenten Tänzer:innen dieser Compagnie sind alle über vierzig Jahre alt und beziehen ihr Körperwissen und ihre Erfahrungen in ihre Kreationen mit ein. Für MELLOWING erkunden sie in Zusammenarbeit mit dem griechischen Choreografen Christos Papadopoulos die Intensität des Augenblicks. Wie ein Schwarm bewegen sich die Tänzer:innen synchron über die Bühne, bis durch minimale Variationen ein Sog von immer stärkerer Kraft entsteht.

„Der blinde Passagier“ beginnt wie ein Kriminalfilm. Zeit: Winter 1938. Ort: ein dänisches Paketboot an einem deutschen Hafen. Es herrscht noch dichter Nebel am Morgen, als das Boot seine Anker lichten möchte. Plötzlich entdeckt Carl, der Sohn des Kapitäns, einen Mann im eiskalten Wasser. Er fischt den Mann aus dem Hafenbecken und versteckt ihn im Frachtraum. Auf dem kleinen Schiff wird der heimliche Gast bald vom Rest der Besatzung entdeckt. Als sich herausstellt, dass der blinde Passagier ein jüdischer Arzt ist, der vor den Nationalsozialisten geflohen ist, eskaliert die Stimmung. Die Rettung des Fremden kann sie bei den deutschen Behörden in größte Gefahr bringen. So wird aus dem Krimi plötzlich ein gesellschaftspolitisches Drama, in dem es um individuelle genauso wie um kollektive Verantwortung geht. Wie weit würden wir gehen, um ein anderes Leben zu retten? Wie stark ist der Zusammenhalt unserer Gesellschaft vor dem Hintergrund einer nahenden Katastrophe?

Es war eine Sensation, als vor wenigen Jahren das verschollene literarische Werk der Wiener Autorin Maria Lazar in England wiederentdeckt wurde. Lazar, die zu den bedeutendsten Autor* innen der Wiener Moderne gehört, emigrierte als Jüdin schon in den 1930er Jahren ins dänische Exil. 1948 starb sie in Schweden. Die Regisseurin Mira Stadler bringt die packende Parabel über Zivilcourage und Menschlichkeit als österreichische Erstaufführung auf die Bühne.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Erleben Sie eine bezaubernde Mischung aus klassischem Glanz und moderner Ausdruckskraft. Das Europaballett präsentiert Ihnen erlesene Variationen, die den Zauber der Jahreszeit auf die Bühne bringen – von poetischen Klassikern bis hin zu frischen, zeitgenössischen Choreografien. Lassen Sie sich von Eleganz, Leidenschaft und Leichtigkeit in den Frühling entführen.

Die ekstatische Freude am gemeinsamen Tanz auf Raves und in Nachtclubs bildet den Ausgangspunkt für den Double Bill-Abend von Ayelen Parolin und Marco da Silva Ferreira. Malón verweist auf einen Zustand der Unordnung, wenn Bewegung bei einem Rave bis zum Exzess gesteigert wird. Der Titel von da Silva Ferreiras Performance ist eine Anspielung auf die Folia, einen festlichen portugiesischen Hirtentanz aus dem 16. Jahrhundert. Indem er die mitreißende Wirkung dieses Volkstanzes aufgreift, überträgt der Choreograf ihn auf das Tanzen in Nachtclubs.

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Passionsmusik mal anders: Zur Eröffnung der Karwoche weitet die Domkantorei St. Pölten den musikalisch-spirituellen Blick und regt über das Passionsgeschehen hinaus auch zum Nachdenken über Naturkatastrophen an.

Vokal Das verheerende Erdbeben von Lissabon 1755 fand seinen unmittelbaren musikalischen Widerhall in Georg Philipp Telemanns Oratorium Die Donnerode, das vor dem Hintergrund des Klimawandels ganz aktuelle Fragen aufwirft. Weiters spürt die Domkantorei St. Pölten gemeinsam mit dem Kammerchor Sindelfingen, Mitgliedern des Bruckner Orchesters Linz und handverlesenen Vokalsolist:innen in Johann Sebastian Bachs Kantate Ich hatte viel Bekümmernis nach, wie der Thomaskantor auf faszinierende Weise zwischen Schmerz, Klage, Hoffnung und Trost zu vermitteln wusste. Joseph Haydns Symphonie d-Moll La Lamentatione gesellt sich als Instrumentalwerk hinzu und verarbeitet dabei liturgische Melodien eines spätmittelalterlichen Passionsspiels.

Unter der Leitung von Valentin Kunert hat sich die Domkantorei St. Pölten ein vielfältiges Repertoire erarbeitet, das von der A-capella-Literatur des 16. Jahrhunderts über Werke des Barock bis hin zu zeitgenössischer Chorliteratur reicht. In Kooperation mit anderen Kammerchören und Orchestern wie dem L’Orfeo Barockorchester und den Brünner Philharmonikern werden große chorsymphonische Werke aufgeführt, so zuletzt Joseph Haydns Schöpfung, Johann Sebastian Bachs Johannes-Passion und Arthur Honeggers Le Roi David.

PROGRAMM
- Georg Philipp Telemann: Die Donnerode TWV 6:3
- Joseph Haydn: Symphonie d-Moll La Lamentatione Hob. I:26
- Johann Sebastian Bach: Ich hatte viel Bekümmernis BWV 21

BESETZUNG
Domkantorei St. Pölten, Kammerchor Stuttgart/Sindelfingen, Mitglieder des Bruckner Orchesters Linz
Annemarie Pfahler Sopran, Maria Hegele Alt, Bernhard Berchtold Tenor, Alexander York Bass, Günter Haumer Bass, Domkapellmeister Valentin Kunert Leitung

Der Zauberer Beelzebub Irrwitzer hat einen Pakt mit dem Teufel geschlossen, der ihn dazu verpflichtet, jährlich eine bestimmte Anzahl an bösen Taten zu vollführen. Irrwitzer ist dabei auf Naturkatastrophen, Überschwemmungen und vergiftete Flüsse spezialisiert. Der Hohe Rat der Tiere schickt geheime Beobachter*innen aus, um die Ursache des Übels aufzuklären. So schleicht sich der Kater Maurizio di Mauro als Spion bei Irrwitzer ein. Am Tag vor Silvester kommt die gierige Geldhexe Tyrannia Vamperl mit ihrem Raben Jakob Krakel auf Besuch. Irrwitzer und Vamperl versuchen die Verpflichtung an bösen Taten zu erfüllen. Dabei soll ihnen ein satanischer, genialischer Wunschpunsch helfen, der alle guten Wünsche in ihr grimmiges Gegenteil verkehrt. Aber auch Jakob ist ein Spion und plant gemeinsam mit Maurizio, den bösen Hexern das Handwerk zu legen ...

Das Zaubermärchen von Michael Ende erschien erstmals 1989 und thematisierte bereits damals den Klimawandel als Folge von Machtstreben und Gewinnsucht. Mit dem ungleichen Paar des vornehmen Katers und des raubeinigen Raben steht im Zentrum die Utopie, dass wir durch Überwindung von Gegensätzen neue Freunde finden und gemeinsam die Welt retten können. Felix Metzner, der für das Landestheater Niederösterreich bereits sehr erfolgreich „Emil und die Detektive“ und „Ronja Räubertochter“ inszeniert hat, bringt „Der satanarchäolügenialkohöllische Wunschpunsch“ mit viel Theaterzauber auf die Bühne.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 6 Jahren

Mitwirkende

Prof. Dr. Beelzebub Irrwitzer
Sven Kaschte

Tyrannja Vamperl
Michaela Kaspar

Maurizio di Mauro
Florian Haslinger

Jakob Krakel
Boris Popovic

Inszenierung
Felix Metzner

Bühne
Johannes Weckl

Kostüme
Elena Kreuzberger

Musik
Gregor Sandler

Dramaturgie
Thorben Meißner