Welche Beziehung knüpfen wir zu Technologien? Sind wir neugierig oder eingeschüchtert? Nostalgisch oder aufbruchsbereit? Das Eröffnungskonzert von Klangspuren 2025 spürt dem Festivalthema aus vier ganz unterschiedlichen Blickwinkeln nach. Bevor das Tiroler Symphonieorchester Innsbruck die Bühne betritt, steht ein Astgeflecht aus Blechblasinstrumenten auf der Bühne. Gespielt wird das Gestell aus Trompeten, Flügelhorn und Posaunen von einer digital gesteuerten Pressluftmaschine. Bernhard Gander, vertraut mit Jakob Scheids „Trompetenbaum“, widmet diesem eine eigene Kurz-Komposition. Auch der Südtiroler Manuel Zwerger tüftelt klingendes Blech und moderne Technologie zusammen: Er präpariert den Zug einer Bassposaune mit einer Kamera und erschafft eine Augmented-Reality-Welt, durch die sich der Posaunist Jakob Grimm spielend navigiert und in die das Publikum mittels Zweikanalvideo buchstäblich eintauchen kann: Tiefenrausch heißt die Uraufführung.

Oxana Omelchuk interessiert sich wiederum für eines der frühesten mit Strom betriebenen Instrumente, das Theremin, und vor allem für dessen Erfinder: Lev Termen. Sie greift Audiofragmente seines letzten Interviews auf. Darin spricht Termen über seine Forschungen zur Unsterblichkeit, die ihn hinein in die Mikrostruktur der Zeit führten.

Termens Stimme und die Theremin-Klänge der Solistin Khadijah Pamelia Stickney schweben in den Klangraum des Orchesters und spielen musikalisch mit Präsenz und Erinnerung, mit Wirklichkeit und Illusion. An seine Kindheit erinnert sich Francisco Alvarado: Seine Komposition REW • PLAY • FFWD speist sich aus den Sounds magnetischer Bänder, von Audio- und VHS-Kassetten. Die Beschleunigungen beim Spulen, die Schmiergeräusche beim Betätigen des Play-Buttons, die Abnutzungs-Artefakte einer vielbespielten Kassette, dazu Rauschen, Loops und unvorhersehbare Defekte, schlittern durch das Orchester, das sich organisch mit ihnen verknotet wie ein entgleistes Tape.

Hand aufs Herz, Münder auf: Wie viele Lieder fallen uns ein, die wir aus dem Stegreif gemeinsam mit anderen singen können? Das ein oder andere Weihnachtslied vielleicht, Happy Birthday, und dann wird es auch schon dünn. Dabei helfen Lieder seit vielen Jahrhunderten, die Emotionen an Schwellenpunkten des Lebens – von der Hochzeit bis zur Beerdigung – zu verarbeiten, zu kanalisieren, womöglich erst richtig zu spüren. Juliet Fraser beklagt diesen kulturellen Verlust des ritualhaften Singens, und schließt sich selbst mit ein. Die britische Sopranistin hat das Singen zu ihrer Profession erhoben und während der Pandemie eine Sinnkrise durchlebt: Ihr Verhältnis zum Gesang war ernst, perfektionistisch und irgendwie entfremdet von den eigenen Emotionen, vom Gemeinschaftlichen geworden. So hatte sie eigentlich geplant, ihre Karriere zum Ende der Spielzeit 2024/25 mit einem dramatischen Abgesang zu beenden. Allerdings markiert unser diesjähriges Festival bereits den Beginn der neuen Spielzeit, und Fraser ist immer noch da. Sie hat in der Krise neue Orientierung gefunden – zurück zum Lied. Ihr neues Programm Lament: A Ritual of Letting go vereint Lieder aus unterschiedlichen Zeiten und Kulturen: Korsische Polyphonie und byzantinische Hymnen von Kassia, der ersten namentlich bekannten Komponistin des Abendlandes, sehnsüchtige Lieder von Josquin und Couperin, aber auch zeitgenössische Lamenti von Soosan Lolavar und James Weeks. Frei von Nostalgie will Juliet Fraser die Ausdrucksvielfalt der Stimme zelebrieren – intimer, verspielter und mutiger, gemeinschaftlicher und mit dem Wunsch, die Lücke zwischen der Musik und sich, aber auch dem Publikum ein kleines Stück zu schließen.

Die im Rahmen des Composers Lab eigens für Studio Dan entstandenen Werke der acht ausgewählten Komponist:innen erleben an diesem Abend ihre Uraufführung. Eine Woche lang setzten sich die Teilnehmer:innen gemeinsam mit der litauischen Komponistin Justė Janulytė, dem österreichischen Komponisten Johannes Maria Staud sowie dem Ensemble Studio Dan unter der Leitung von Lin Liao intensiv mit ihren musikalischen Ideen und deren Ausarbeitung auseinander. In einem inspirierenden Umfeld wurden die Kompositionen während des Meisterkurses einem "Reality Check" unterzogen und weiterentwickelt - stets begleitet von der Expertise der internationalen Dozent:innen.

Für das Publikum eröffnet sich eine außergewöhnliche Hörsituation: Ohne bekannte Namen im Programm und ohne ausführliche Werkbeschreibungen im Programm sind die Zuhörer:innen eingeladen, sich unvoreingenommen auf jedes einzelne Stück einzulassen. Das Abschlusskonzert des Composers Lab 2025 lädt dazu ein, die Vielfalt und Innovationskraft junger Komponist:innen hautnah zu erleben.

Block- und Paetzoldflöten, Querflöten, Harfe und Cembalo - das klingt nicht unbedingt nach zeitgenössischer Musik. Genau dafür aber steht Airborne Extended. Mit luftiger Leichtigkeit verbinden Elena Gabbrielli, Sonja Leipold, Caroline Mayrhofer und Tina Žerdin ihre Instrumente mit Elektronik, visuellen Medien, Objekten und Performance. Gestartet in Tirol haben sie mittlerweile eine erfolgreiche Konzertreihe in Wien ("Prism") und in einem guten Jahrzehnt fast 100 Stücke uraufgeführt. Bei Klangspuren Schwaz kommen vier weitere hinzu: Anda Kryeziu schichtet komplexe Klangtexturen auf ein rhythmisches Gerüst und performt selbst am Analog-Synthesizer mit. Live-Bilder reagieren direkt auf die Klänge. Anna Korsun hat neben den Instrumenten auch die Stimmen der vier Musikerinnen mitkomponiert. Andrzey Kwieciński fügt ein weiteres Kapitel zu seiner Reihe von Stücken hinzu, die von Videogames inspiriert sind, und auch Bernhard Gander setzt auf Action: Die barock verorteten Instrumente schickt er auf einen ungewohnt groovigen Trip. Hinzu kommen zwei Stücke aus dem reichen Repertoire von Airborne Extended: Manuel Zwergers "Rave Party for kidz: level 2" und "Prism" von Alisa Kobzar.

Der argentinische Autor Jorge Luis Borges sagte einst, er wolle seine Leser:innen nicht überzeugen, sondern unterhalten und berühren. Das würden Sophia Goidinger-Koch und Barbara Riccabona umgehend unterschreiben – und wahrscheinlich „überraschen“ als weiteres Ziel hinzufügen. Ein Duo aus Geige und Cello wird schnell mit weichem Wohlklang assoziiert, insbesondere von denjenigen, für die Begriffe wie „erweiterte Spieltechniken“ noch eher fremd sind. Auch an jenes richten sich Strings & Noise gezielt und gerne. Als Brücken helfen ihnen dabei Storys, Bilder, Humor und Persönlichkeit. Der experimentellen Forschung an Spielmöglichkeiten, Klangdimensionen und Performance-Aspekten des Instrumentalspiels tut das keinen Abbruch, im Gegenteil. Eine Faustregel für das österreichische Duo ist, dass jedes Stück ihres Repertoires ein extramusikalisches Element und/oder einen performativen Anteil haben soll. Bei Klangspuren suchen die zwei Streicherinnen nach einer audiovisuellen und performativen Antwort auf die Fragen, wie gefangen wir in den digitalen Maschinen unserer Zeit schon sind – und wie wir sie selbstbestimmt steuern können. Vier Komponist:innen haben dafür Stücke geschrieben: Anto Sophia Manhartsberger, Sonja Mutić, Jakob Böttcher und Emri Sihan Kaleli (auf dessen Webseite sich nicht ganz zufällig das Eingangszitat von Borges findet).