Das Märchen der Blumenkönigin nimmt uns mit auf eine farbenprächtige Reise durch die Musik. Die Klarinettistin Felicia Bulenda und die Cellistin Maike Clemens haben sich als Duo Rabonde das Ziel gesetzt, »Musik zu vermitteln, Emotionen auszulösen, einen Weg zu finden, sich auszudrücken und mit dem Publikum in Dialog zu treten«. Auf ihrem künstlerischen Weg werden die beiden von der ausgezeichneten Tänzerin Maartje Pasman unterstützt, die in einer Inszenierung des kreativen Multitalents Rosa Braber beeindruckt.

Besetzung

Duo Rabonde
Felicia Bulenda | Klarinette
Maike Clemens | Violoncello
Maartje Pasman | Tanz
Rosa Braber | Regie
Hanna Naske | Bühnenbild & Kostüme

«Auch in diesem schönen Garten ist ein junger Mann gestorben … als er mit dem Presslufthammer, den er sich vom Schwager lieh, auf die Starkstromleitung stieß.»

Selbst in seinen Prosatexten arbeitet Händl Klaus mit so viel Rhythmus, Reim, mit Melodie möchte man sagen, dass die Grenzen zur Lyrik zu verschwimmen scheinen. Er ist ein genauer Beobachter, der Alltägliches in absurde Bilder zu kippen weiß, und dabei so spar­sam beschreibt, dass keine Silbe zu viel stehen bleibt. Er ist mehrfach ausgezeichneter Dramatiker, Lyriker, Schauspieler, Filmemacher und Librettist. Und dem Tiroler Landestheater, das er vertraut «unser Theater» nennt, seit Kindertagen verbunden.

Diese Texte, die in ihrer Länge teilweise stark variieren, laden uns in ganz unterschiedliche Welten ein, Welten, die Händl Klaus mit wenigen Worten zu entwerfen weiß und uns in ihrer Knappheit doch seltsam vertraut sind. Dieser Einladung möchte der Regisseur Jonas Knecht, der in der letzten Spielzeit das Live­-Hörspiel Die Bergbahn in Szene setzte, auch konzeptuell folgen. Er wird den gewohnten Theaterrahmen verlassen und für die Texte Spielorte abseits der Bühne finden.

Kooperation Theater Erlangen und Theater St. Gallen

Eine ältere Patientin kollabiert, mitten im Krankenhaus, mitten in einem System, das bestens ausgestattet sein sollte, ihr zu helfen. Doch dieses System versagt – weil es längst ganz anderen Regeln folgt: der Logik eines durchökonomisierten Apparates, in dem das Heil- und Pflegepersonal in erster Linie ein Kostenfaktor ist, in dem sich teure Hightech-Gerätschaften bezahlt machen müssen, in dem nicht immer nur medizinisch ausgebildete Fachleute entscheiden, wer wie zu behandeln ist, sondern auch Management und Controlling ein Wörtchen mitzureden haben.

Die Oberärztin Judit will den Fall ihrer Patientin nicht zu den Akten legen, fordert ein Ethik-Konsil ein – und löst bei ihren überforderten und von Selbstzweifeln zerfressenen Kolleginnen und Kollegen Reaktionen aus, die die beunruhigenden Schwächen des modernen Gesundheitswesens schonungslos offenlegen.

Die Kärntner Slowenin Elena Messner, deren Roman wir in einer dramatisierten Fassung auf die Bühne bringen, zeigt kenntnisreich, empathisch und mit chirurgischer Präzision, was dieses System mit den Menschen macht: mit jenen, die in ihm und mit ihm arbeiten ebenso wie mit jenen, die sich von ihm Rettung und Heilung versprechen.

AUF DEM GIPFEL

Fazil Say Yürüyen Köşk (Das verschobene Haus) für Klavier und Streichorchester
Wolfgang Amadeus Mozart Konzert für Klavier und Orchester C-Dur KV 467
Richard Strauss Eine Alpensinfonie op. 64


Im letzten Symphoniekonzert der Saison werden die Musiker*innen des TSOI zu Gipfelstürmer*innen: Mit Richard Strauss’ berühmter Alpensinfonie begibt sich Chefdirigent Kerem Hasan gemeinsam mit dem TSOI auf eine einzigartige, realistisch-illustrative Bergtour. Strauss, der selbst ein begeisterter Bergsteiger war, brachte die sinnlichen Eindrücke der alpinen Bergwelt mithilfe einer opulenten Orchesterbesetzung meisterhaft zum Klingen und erklomm mit dem Werk nicht zuletzt den Gipfel raffinierter Instrumentationskunst.

Als „Gipfel seines instrumentalen Schaffens“ charakterisierte der Musikwissenschaftler Alfred Einstein Mozarts Klavierkonzerte. Wenige Tage nach Mozarts populärem, in düsterem Tonfall gehaltenen d-Moll-Konzert entstand im Frühjahr 1785 das dazu in starkem Kontrast stehende, heiter-optimistische Konzert in C-Dur (KV 467). Als Solist wird sich Fazil Say, einer der erfolgreichsten Pianisten und Komponisten unserer Zeit, Mozarts feinsinnigem Werk hingeben.

Außerdem interpretiert der aus Ankara stammende Say, der sich als Brückenbauer zwischen den Kulturen versteht, eine eigene Komposition, die an die Naturverbundenheit der Alpensinfonie anknüpft. Says Werk Yürüyen Köşk (Das verschobene Haus) führt von der Erleuchtung über den Kampf gegen die Dunkelheit zum Glauben an das Leben. Am Ende steht eine gute Tat, die im Fall des Widmungsträgers und Gründers der modernen türkischen Republik, Mustafa Kemal Atatürk, darin bestand, dass dieser sein Haus einst um mehrere Meter versetzen ließ, um eine sich auf dem Grundstück befindende Platane zu retten.

„Ich hab mich gefragt, was wäre, wenn alle Frauen sich verweigern würden, wenn sie nichts mehr tun würden, gar nichts, nicht zur Arbeit gehen, nicht kochen, nicht putzen, sie würden keinen Bus lenken und kein Hemd bügeln, nicht an der Supermarktkassa sitzen und keine Klasse unterrichten, sie würden einen umfassenden Stillstand erzwingen.“

Als Mareike Fallwickl 2021 diese Sätze für ihren Roman „Die Wut, die bleibt“ schrieb, wusste sie bereits, dass darin eine weitere Geschichte, ein neues Buch steckt: An einem Sonntag im Juni gerät die Welt aus dem Takt. Frauen liegen auf der Straße. Reglos, in stillem Protest. Hier kreuzen sich die Wege von Elin, Nuri und Ruth. Elin, Anfang zwanzig, eine erfolgreiche Influencerin, der etwas zugestoßen ist, von dem sie nicht weiß, ob es Gewalt war. Nuri, neunzehn Jahre, der die Schule abgebrochen hat und versucht, sich als Fahrradkurier, Bettenschubser und Essenslieferant über Wasser zu halten. Ruth, Mitte fünfzig, die als Pflegekraft im Krankenhaus arbeitet und deren Pflichtgefühl unerschöpflich scheint. Es ist der Beginn einer Revolte, bei der Frauen nicht mehr das tun, was sie immer getan haben. Plötzlich steht alles in Frage, worauf unser System fußt.

„Die Wut, die bleibt“ wurde als erster Roman Fallwickls dramatisiert und kam bei den Salzburger Festspielen 2023 zur Uraufführung im Salzburger Landestheater. Hier kommt nun auch der Folgeroman „Und alle so still“ zur Österreichischen Erstaufführung.

„‚Die Wut, die bleibt‘ zeichnet die Realität ab, während ‚Und alle so still’ zeigt, wie die Welt sich ändern könnte. Deshalb ist der eine Roman meiner Tochter gewidmet, damit sie weiß, in welcher Situation wir Frauen uns befinden, und der andere meinem Sohn, damit er versteht, dass die Männer sich neu orientieren müssen, dass wir nur vorankommen werden, wenn wir in dieselbe Richtung gehen – gemeinsam.“, so Mareike Fallwickl.

Mareike Fallwickl, 1983 in Hallein bei Salzburg geboren, lebt mit ihrer Familie im Salzburger Land. 2018 erschien „Dunkelgrün fast schwarz“. 2019 folgte „Das Licht ist hier viel heller“. Mareike Fallwickl setzt sich für Literaturvermittlung ein, mit Fokus auf weiblichen Erzählstimmen.

Die mit dem Theaterpreis NESTROY ausgezeichnete Regisseurin Susanne Schmelcher sammelte erste Theatererfahrungen am Nationaltheater Mannheim und realisierte Projekte in der freien Szene. Erste eigene Inszenierungen erarbeitete sie am Pfalztheater Kaiserslautern. Sie inszenierte u. a. am Theater Heidelberg, am Theater Konstanz sowie am Tiroler Landestheater Innsbruck.

Mit „Bossa Nova“ ist ein Ballettabend mit Musik voll brasilianischer Nonchalance und Leichtigkeit auf der Bühne des Probenzentrums Aigen zu erleben. Ballettdirektor Reginaldo Oliveira hat dazu zwei Gäste eingeladen: Kristian Lever, dem Publikum des Salzburger Landestheaters schon durch den Ballettabend „3 x Chopin“ oder der Choreographie für die Oper „Oberon“ vertraut, und Jonathan dos Santos, ein junger, aufstrebender Choreograph aus Brasilien. Sie werden sich in ihren zwei sehr unterschiedlichen Tanzsprachen dieses Musikstils annehmen, ihre ganz eigenen Bilder und Geschichten dazu auf die Bühne bringen und sich dem Thema nähern, sei es mit zeitgenössischer Tanzsprache als bewusstem Kontrast zum Sujet oder Übertragung in neoklassisches Schrittmaterial des Balletts.

In den 1950er Jahren aus dem eleganten Stil der wohlhabenden Mittelschicht Brasiliens im Beco das Garrafas entstanden, einer kleinen Straße an der Copacabana in Rio de Janeiro, mischt die Bossa Nova Elemente der schnellen und rhythmischen Samba bzw. Samba Cançao mit den Harmonien des europäischen Impressionismus sowie dem amerikanischen Jazz und der Black Music. Ein Abend voller musikalischer und choreographischer Überraschungen mit der ganz besonderen Intimität und Nähe, die der Raum der Probebühne im Probenzentrum Aigen bietet. Große, weiche Wellen der Bossa Nova entführen Sie direkt an die Copacabana!

Der finnisch-britische Choreograph Kristian Lever entwickelte u. a. Arbeiten für das Ballett Vorpommern, das Königlich Dänische Ballett, das Finnische Nationalballett sowie das Jeune Ballet Genève. Im Jahr 2019 gründete er die Produktionsfirma Klever Creatives, die internationale Theater- und Tanzproduktionen kreiert. Am Salzburger Landestheater hat Lever die Oper „Oberon“ (2019/2020) sowie „Grüneres Gras“ als Teil des Ballettabends „3 x Chopin“ (2021/2022) choreographiert.

Jonathan dos Santos erhielt seine Ausbildung in seinem Heimatland Brasilien sowie in Kanada. Seine Tanzkarriere führte von der Compagnie von Sao José dos Campos zum Ballett Nordhausen, dem Ballet Rossa an der Oper Halle und zu Gauthier Dance nach Stuttgart. Als Choreograph hat er u. a. für das Ballett des Mecklenburgischen Staatstheaters, das Staatsballett Karlsruhe, die São Paulo Dance Company und Gauthier Dance gearbeitet. Seit 2021 ist dos Santos Ballettmeister beim Ballett X Schwerin.

Zwei Trickpianeure bulldozern durch die Tonarten, während sich Falsett und Brummbaß im Erdgeschoß begegnen. Als reichte das nicht hin, den Abend zum Erlebnis zu machen, stapelt Sebastian Krämer seine Textbausteine zu babylonischen Türmen, während Marco Tschirpke aus ein paar Silben Verheißungen jener Sehnsucht aufschäumt, die sonst nur geborstenen Wasserrohrleitungen eignet.

„Ich ’n Lied – du ’n Lied (Level 3)“ ist das Zeug, nach dem Literaturpäpste lechzen; das Provinzkritikern schlaflose Tage beschert und Buchhaltern den Limbo. Wer die vorigen Levels meisterte – und erst recht, wer sie ausließ – sieht sich nun mit der Anforderung beschenkt, das Erhebliche endgültig aus dem Blick zu verlieren.

"Zwei herrliche Spinner beim Kreativspiel, viel Vergnügen!" Trottoir III , „Ein so witziger wie listiger Chanson-Kabarettabend“ Tagblatt (CH)

Auszeichnungen (Auswahl)

Sebastian Krämer

u.a.
Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik 2021
Bayerischer Kabarettpreis (Kategorie Musik) 2020
Deutscher Musikautorenpreis 2017
Deutsch-Französischer Chansonpreis 2017
Deutscher Kabarettpreis (Sonderpreis) 2012
Deutscher Kleinkunstpreis Chanson 2009

Marco Tschirpke

u.a.
Hessischer Kabarettpreis (Jurypreis) 2022
Berliner Kabarettpreis 'DER EDDI' 2020
Deutscher Kleinkunstpreis 2018
Jurypreis Tegtmeiers Erben 2009
Deutscher Kabarettpreis (Sonderpreis) 2007

Vitae

Marco Tschirpke

Marco Tschirpke, geboren 1975 in Rathenow/Havel, studierte nach einer Berufsausbildung in Rheine/Ems die Fächer Tonsatz und Klavier an der Folkwang- Hochschule in Essen. Seine Diplomarbeit beschäftigte sich mit Werk und Werkästhetik bei Heiner Goebbels.

Seit 2003 tritt er mit seinen Lapsusliedern auf. Live begleitet er sich am Klavier. Auf den bislang erschienenen CDs bevorzugt er kammermusikalische Arrangements. In den letzten Jahren verschob sich sein Akzent zunehmend auf Gedichte. Sie erschienen in fünf Einzelbänden beim Verlag André Thiele (VAT Mainz).

Der Schwerpunkt seiner Aktivitäten jenseits der Kabarettbühne liegt in der Vertonung der Gedichte von Peter Hacks und in der Nichtvertonung der Gedichte von Günter Grass. 2008 veröffentlichte er die dazugehörige CD "Der Himmel ist voll Dampf".

Im Oktober 2015 erschien die Ullstein-Taschenbuch-Ausgabe seiner Gedichte, verkaufte sich innerhalb von 3 Monaten 10.000 Mal und wurde zum Spiegel-Bestseller. Im Februar 2016 hatte sein gleichnamiges Soloprogramm "Frühling, Sommer, Herbst und Günther" Premiere in Berlin.

Im Februar 2018 erhielt Marco Tschirpke den Deutschen Kleinkunstpreis in der Sparte Chanson/Lied/Musik und ging mit dem Solo "Empirisch belegte Brötchen" auf Tournee durch die Republik. Im Oktober 2019 folgte das Programm „Kalender, deine Tage sind gezählt!“, im Herbst 2020 die One-Man-Show „Dirty Kadenzing“, im Winter 2022 der neue Soloabend „Dichten, bis ich Dresche kriege“.

Sebastian Krämer

Sebastian Krämer wurde am 23.12.1975 in Ostwestfalen geboren und ist seitdem (von wenigen Jahren des Erwerbs grundlegender Lebensfunktionen abgesehen) Sänger und Dichter. Im lippischen Kalletal beheimatet, hatte er schon zu Schulzeiten Auftritte als Kabarettist und gewann Kleinkunst- und Kulturwettbewerbe.

Bis heute gastiert er kontinuierlich auf zahlreichen Kleinkunstbühnen in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Von 1993 bis 2000 war er Mitglied der von Christof Stählin geleiteten Friedberger Akademie für Poesie und Musik SAGO.

Seit 1996 lebt Sebastian Krämer in Berlin, im Zebrano-Theater ist er Künstlerischer Leiter und hat die eigene, monatliche Veranstaltungsreihe „Club Genie und Wahnsinn“. Außerdem ist er Mitglied der Lesebühne „Dienstagspropheten“.

Im Jahr 2001 gewann er die Deutschen Poetry-Slam-Meisterschaften in der Hamburger Markthalle und gastiert seitdem mit großem Erfolg auch auf den Bühnen der deutschen Perfomance-Poetry-Szene (München, Darmstadt, etc.).

Der Chansonnier ist laut stilbruch, dem Kulturmagazin des RBB Fernsehens, "der größte Kleinkünstler Deutschlands". 2017 erhielt Krämer den Deutschen Musikautorenpreis der GEMA. In der Laudatio outete sich Kurt Krömer als Fan: "keiner spickt seine Chansons so mit Morbidität, Charme und vor allem mit hinterfotzigem Humor Güteklasse A." Außerdem verlieh man Krämer 2017 den Deutsch-Französischen Chansonpreis, 2012 den Deutschen Kabarettpreis und 2009 den Deutschen Kleinkunstpreis für Chanson. 2018 feierte der Chansonnier sein 25jähriges Bühnenjubiläum.

Zahlreiche CD-Veröffentlichungen und Bühnenprogramme dokumentieren Krämers künstlerische Entwicklung. Neben dem jeweils aktuellen Soloprogramm gab es immer wieder Co-Produktionen mit Kollegen, u.a. Uta Köbernik, Timo Brunke und Hagen Damwerth; seit mehreren Jahren erfolgreich ist die Kombination mit Marco Tschirpke unter dem Titel „Ich ’n Lied – du ’n Lied“.

Der junge Aladdin lebt mit seiner Mutter unter ärmlichen Verhältnissen im märchenhaften Agrabah, einer prächtigen Stadt des Orients. Eines Tages trifft er den finsteren Zauberer Dschafar, der ihn beauftragt, eine besondere Öllampe aus einer Höhle zu holen. Weil ihn der Zauberer in der Höhle zurücklassen will, behält Aladdin die Lampe für sich und entdeckt bald ihr Geheimnis: Einen Lampengeist namens Dschinn, der seinem Besitzer drei Wünsche erfüllen muss. Auf dem Heimweg trifft Aladdin ein Mädchen, in das er sich sofort verliebt, ohne zu wissen, dass sie Jasmin, die Tochter des Sultans, ist. Sie lädt ihn in den Palast ein. Um sie zu beeindrucken, kleidet sich Aladdin mit Dschinns Hilfe in feinste Stoffe und bringt teure Geschenke mit. Alles läuft vielversprechend – und schon bald gesteht Jasmin ihm ihre Liebe. Doch dann begeht Aladdin einen folgenschweren Fehler: Er verschweigt seine wahre Herkunft – und als durch einen Trick die Wunderlampe auch noch in die falschen Hände gerät, steht Aladdin plötzlich als Betrüger da. Er muss einsehen, dass Macht auch große Verantwortung bedeutet und dass zur wahren Liebe mehr gehört als Pracht und teure Gewänder ...

Das Theater mit Horizont inszeniert „Aladdin“ als Abenteuer voller Zauber und mit der Weisheit der Märchen aus 1001 Nacht.

So kennt und liebt man sie auf der ganzen Welt: 24 Jungs im Matrosenanzug und ihr Kapellmeister zeigen, dass Musik die internationale Sprache der Gefühle ist. Im MuTh stellen die weltberühmten Wiener Sängerknaben ihr Können unter Beweis: Mit Schwung und Charme, mit Haydn und Mozart, Schubert und Strauss, mit Weltmusik und Popmusik nehmen sie ihr Publikum mit auf eine Reise durch die Musikgeschichte. Dazu servieren sie Anekdoten aus ihrer mehr als 525-jährigen Geschichte.

Chormusik aus sechs Jahrhunderten

Museum für Geschichte: "Tischlein Deck dich" 2023
Der schön gedeckte Tisch, der festliche Pokal, das zauberhafte Glas. Im beeindruckenden Raum "Essen und Trinken" beginnt diese Führung, die für Sie in einem kurzen Rundgang schon einmal symbolisch den Tisch deckt und fragt: Wie viel Geschichte steckt in einem gelungenen Mahl? Zwischen Gläsern, Besteck und Tellern fragen wir nach der Geschichte der Esskultur, die sich zu guten Teilen anhand dieser schönen und beeindruckenden Gegenstände erzählen lässt. Wir erkunden weitere Räume des Museums und streifen dabei mittelalterliche Ernährungsgewohnheiten ebenso wie den Weinbau in der Steiermark. Am Ende landen wir vielleicht sogar bei der Geschichte von Kaffee und Kakao?
Weiter geht es für sie in das Restaurant Landhauskeller. Dort wird der Tisch dann nicht nur symbolisch, sondern wirklich für Sie gedeckt!

Treffpunkt: 16:00 Uhr im Museum für Geschichte, Sackstraße 16
Führung ca. 45 Minuten.
Führungen zum Thema die Geschichte der Esskultur. Wie wurde gegessen – Präsentation von Geschirr und Besteck
Um 17:00 Uhr deckt sich für sie das Tischlein im Restaurant Landhauskeller zu einem 3 Gang Menü. (exklusive Getränke)
Ende: 18:15 Uhr

Termine: Jeweils am Samstag
- 08. April
- 13. Mai
- 10. Juni
- 15. Juli
- 12. August
- 09. September
- 14. Oktober
- 04. November

Formed in Chicago, French Police is a darkwave ensemble led by vocalist and guitarist Brian Flores, lead guitarist Manny Herrera, and bassist Rolando Donjuan. Since 2019, their music has encapsulated indie and post-punk audiences with rhythmic guitar & synths, proving to be melancholic dance music for the passionate and ro

Hören Sie im Stephansdom sanfte Böen und gewaltige Gewitter, Vogelstimmen und das Bellen eines Hundes, die Jagd und einen Bauerntanz, die Vivaldi in seine Vier Jahreszeiten komponierte. Vivaldi verstand es wie kein zweiter, musikalische Bilder zu erzeugen, welche die Vorstellungskraft anregen und das Publikum fesseln.

Wo wäre es passender Vivaldis „Die Vier Jahreszeiten“ - eine Parabel auf Leben und Sterben – aufzuführen, als im Wiener Stephansdom, wo nach dem Tod des Komponisten 1741 auch die Begräbnisfeierlichkeiten zelebriert wurden? Vivaldi kam 1740 verarmt nach Wien, in der Hoffnung, sich in den Dienst des Kaisers begeben zu können. Bereits zehn Monate danach verstarb er und wurde daher in Wien begraben.

J. S. Bachs Violinkonzert in E-Dur ergänzt das Programm, wofür sich der Komponist Vivaldis Konzerte zum Vorbild nahm. Es enthält daher einerseits Anklänge an Vivaldi, andererseits auch Bachs unverkennbaren musikalischen Geist mit virtuosen Soli. Im Dialog zwischen den Streichern und dem Solisten entsteht ein unterhaltsames und luftiges Konzerterlebnis, das Vivaldis Vier Jahreszeiten wunderbar abrundet.

Interpreten

Harmonia Ensemble Wien

Und jetzt ist Zeit für BANANZ

Der Hackler, auch Seher. Er hat schon überall gearbeitet. Und auch was gesehen. Kennt das Leben in den Fabriken. In kleinen Werkstätten und grossen Manufakturen. Unter Dach und über Wasser. Und das in jeder kleinen Ecke dieser Welt.

Warum das so war? Wer weiss. Aber es hat etwas mit ihm gemacht. Er hat beobachtet, in die Milieus gespürt. Hat viel zugehört. Er schreibt darüber, Hacklerlieder, Verbrecherlieder, Liebeslieder. Verklärte Lyrik trifft auf banale Grobschlächtigkeit eines singenden Arbeiters.

Er singt eindringlich, die Stimme vergisst man nicht. Übers Verändern, sich selber Fremdsein. Über Leidiges. Und Schönes, auch dort, wo’s dunkel ist. Kennt die traurigen Stüberl und die schicken Lederschuhgeschäfte. Er heisst einen willkommen. Wertet nicht, erkennt so viel, es wird sich nichts ändern, muss es auch nicht. Lieder, wie ihm die Gosch’n gewachsen ist und obendrein die schönsten Melodien.

Auf der Bühne singt er. Und begleitet sich auf der Gitarre. Exakt wie eine Nähmaschine. Verspielt wie eine Libelle die über dem Wasser tanzt. Manchmal weinerlich, manchmal sudernd, dann auch wieder himmelhoch jauchzend. Darüber, was ist. Woran er sich erinnert, ob’s wichtig war oder nicht. Es werden Einsichten erlangt, die im Wechselbad des Brachialem und der Lyrik enden. Samma ned olle Patienten in der Praxis des Lebens? fragt Bananz. Man weiss, was er meint.

Auf dem Album spielen auch Musiker. Bläser und ein Trommler. Klingt wie eine Mischung aus New Orleans Jazz und Balkan Style. Es unterstreicht den subtilen Witz von Bananz. Trashig krachend. Feinfühlig umarmend. Manchmal einfach wild und falsch. BANANZ ist zwingend - BANANZ ist gut!

BANANZ live!

Das kann er alleine, das kann er mit Band. Alleine ist es intimer. Mit Band ist es grösser. Doch es ist niemals fad. Diese Show zieht Dich so oder so voll mit. Eine Mischung aus Tom Waits und Element of Crime, aber eben unverkennbar österreichisch, wie ein wildgewordener Qualtinger der Gegenwart. Es zwingt Dich zuzuhören. Bananz wird von Stil und Alter unabhängig ein sehr breites Publikum ansprechen. Ein Projekt das auch live überzeugt und begeistert.

Die Person

BANANZ erblickt Niederösterreichisches Sommerlicht im Jahr 1979. Kindheit zwischen Violine üben müssen und erste Begeisterungsmomente für den alten Ami Sound auf den Röhren - Gitarren.

Die Schule bringt’s nicht, - also Lehre als Funkenschuster.

Prägende Jahre auf Baustellen und in diversen Arschbuden folgen, die schließlich den Nährboden für seine Charakterstudien bilden auf seinem Trip zum heiligen Gral.

Er beginnt Lieder zu schreiben, boshafte Lieder, diese drängen sich förmlich auf. Er wünscht sich den maximalen Lokalkolorit, nicht den billigen Schwindel. Erforscht die österreichische DNA des Angefressenseins.

Er frisst Leberkas und liebt ungesunde Ernährung, Erfrischungsgetränke und Kauvergnügen. Früher auch betörendes. Er ist süchtiger Nichtraucher.

Schnell entwickelt er sich zum Spieler der animalischen Ureinwohner-Beats und schießt seine Lyrik am liebsten aus der Hüfte.

Heute hackelt er sich immer noch den Arsch ab um seine Musik finanzieren zu können.

Irgendwie sind wir Menschen ziemlich eng im Würgegriff der Hilfszeitwörter. Also, nicht der Wörter selbst, aber das, was damit beschrieben wird, das bestimmt sehr stark das Terrain, in dem unser Handeln abläuft; Können, Müssen und Wollen.

Wer alles weiß und kann, aber nichts will, wird nix tun. Gut, außer, er muss. Aber dann macht er nur so lange, bis er nicht mehr muss. Und wenn er alles weiß und kann, wird er sich das so einrichten, dass er immer weniger muss, und dann wird er mit der Zeit auch nix mehr machen. Und so zu leben, also das muss man schon echt wollen.

Auf Basis einer wahren, historischen Begebenheit berichtet die junge Südtiroler Autorin Miriam Unterthiner vom Leben einer jungen Frau und ihrer Emanzipation. Kunstvoll verwebt sie Sprech­ und Sprach­ ebenen und macht auf diese Weise die Enge der dörflichen Gesellschaft ebenso wie die Deformation der Frau und ihr Aufbegehren spürbar. Die Hauptfigur Maria ist auf der Suche nach einer eigenen Identität, dem eigenen Ich, der eigenen Stimme. Unterthiner schreibt Maria ein neues Ende, das sie selbst nicht erleben durfte.

Maria bringt sich selbst zur Sprache.
In kurzgetakteter, musikalischer Prosa wird hier exemplarisch ein Frauenschicksal verhandelt: geboren, emotional vernachlässigt, verformt, als Tochter nicht anerkannt. Das wirkt auf den Körper: ein Buckel als eine Art Schutzhaltung bildet sich.

So mit. Kopf nach unten. So mit. Rücken nach vorn. So mit. Gesicht nach unten. So mit. Blick zum Boden
Sie wird von außen korrigiert. Ein hölzernes Korsett schiebt sich in den Sprach­Strom und über ihren Körper. Doch Maria hat einen Verbündeten: eben diesen Boden.

Ich spreche hier. Ja. Ich spreche hier. Als Boden. Wird hier gesprochen.
Wie der Chor in der griechischen Tragödie wiegt und umsorgt der Boden das «Måidel» oder, noch verkleinernder, das «Is Måidele» und sorgt für festen Halt – unten quer über die Textseite gesetzt, als sicherer Untergrund, in dem Maria gut aufgehoben ist.

Und wirklich, wie in einer philosophischen Fabel, im Ringen um Sprache, gelingt ihr, allem trotzend, der Schritt nach vorne, zu sich selbst! AAAAAAAAAAA holt sie ihren Geburtsschrei nach und eignet sich ihren Namen an: MARIA ICH.