In einem seltenen Solo-Auftritt entführt Joel Gibb, das Herz der kanadischen Kultband The Hidden Cameras, das Publikum in die Tiefen seines Œuvres – von folkloristischen Balladen bis hin zu neuem, pulsierendem Dance-Elektronik-Material aus dem aktuellen Album Bronto.

The Hidden Cameras, dieses fluid geformte Kollektiv aus Toronto, das Joel Gibb 2001 als sein geistiges Kind ins Leben rief - ein Orchester aus klassisch geschulten Streichern und autodidaktischen Rebellen - das Folk mit Rock, Balladen mit hymnischer Ekstase vermengt und die Grenzen des Indiepops neu zeichnet. Nun, in einem intimen Solo-Setting, das an die rohen Ursprünge von Ecce Homo (2001) erinnert, entblößt Gibb nicht nur seine Stimme, sondern die Seele eines Werks, das Millionen Streams auf Plattformen wie Spotify und SoundCloud umfasst. Hier, fernab der opulenten Bühnenbilder mit Go-Go-Tänzern in Balaklavas und Chören, die Kirchen in Tanzhallen verwandelten, wird die Essenz pur: Gibb, der Berliner Nomade, der einst in Pornokinos und Parks auftrat, webt ein Geflecht aus unterschiedlichen Fäden – zarte Folk-Melodien, die von The Smell of Our Own (2003) stammen und als Meilenstein des Chamber Pops gelten, rockige Ausbrüche aus Mississauga Goddam (2004), balladeske Introspektionen und poppige Anthems, die das gesamte Spektrum der Cameras durchmessen.

Doch diese Rückschau ist kein bloßer Nostalgie-Trip; sie mündet in die Zukunft. Erstmals präsentiert Gibb neu produzierte Dance- und Elektro-Songs aus dem aktuellen Album BRONTO. Titel wie „How Do You Love?“ oder die an Ennio Morricone und Vangelis angelehnten Instrumentale aus BRONTO klingen wie eine Reinkarnation: euphorisch-melancholisch, mit Basslinien, die den Körper zum Zittern bringen, und Streichern, die von langjährigem Weggefährten Owen Pallett arrangiert wurden. Es ist, als ob Gibb, der einst die erste kanadische Band bei Rough Trade war und damit Türen für Indie-Künstler wie Arcade Fire öffnete, nun die Schatten seiner baptistischen Kindheit in neonbeleuchtete Ekstase taucht – ein Soundtrack für die „Indie boy gone bad“, wie der Guardian kürzlich titelte.

Die Bedeutung der Hidden Cameras reicht tiefer als bloße Alben: Kollaborationen mit Ikonen wie Feist, Rufus Wainwright, Chilly Gonzales, Pet Shop Boys, R.E.M. und Mocky zeugen von Gibbs Netzwerk als Talent-Inkubator – frühe Mitglieder wie Owen Pallett oder Arcade-Fire-Zellistin Mike Olsen starteten hier ihre Karrieren. Kritische Akkoladen häuften sich: Pitchfork und The Guardian priesen die „reckless enthusiasm“ ihrer Live-Shows, die von The Smell of Our Own bis Age (2014) die Szene elektrisierten; das 20-jährige Jubiläums-Remaster von 2023 katapultierte den Debüt-Hit „Golden Streams“ zurück in die Charts. Und jenseits der Bühne? Gibb, der Bildhauer und Filmemacher, dessen Banner und Zeichnungen Tate Modern zierten, hat mit Filmen wie Music Is My Boyfriend (2023) die Toronto-Queer-Szene verewigt.

John von Düffel / William Shakespeare
Schauspiel mit Sport und Ballett


Theater spielen, tanzen und Sport treiben – all das war möglich im Ballhaus. Seit 400 Jahren wird am Mirabellgarten Theater gespielt. Das erste Theatergebäude wurde 1625 gebaut und hieß Ballhaus. Tatsächlich hatte das eindrucksvolle Gebäude mit offenem Dachstuhl, drei Galerien und fast 50 Metern Länge mehrere Funktionen, nämlich als Theater, Tanzpalast und Sporthalle.

Anlässlich des 400-jährigen Jubiläums des heutigen Landestheaters schreibt John von Düffel ein Theaterstück, das die Vorgeschichte so aufleben lässt, wie sie gewesen sein könnte. Ein ambitionierter Architekt plant den Neubau als Ort der bürgerlichen Gemeinschaft, doch natürlich entsteht schon früh Streit über die Nutzung. Sport, Tanz und Schauspiel treten tagsüber in Widerstreit, doch nachts wird das Ballhaus ein Ort der Sehnsüchte und Träume. Plötzlich entsteht dort die Handlung von Shakespeares „Sommernachtstraum“ im Wechselspiel der Disziplinen. Liebende suchen und finden einen Ort, an dem Irrungen und Wirrungen passieren, begegnen Elfen, einem Theaterensemble und erleben mit fabelhaft tanzenden Schattenwesen eine verrückte Nacht. Am nächsten Morgen weiß niemand so recht, was real war und was nicht.

William Shakespeares Stücke erlebten ihre Blüte in London, als in Salzburg das Ballhaus gebaut wurde, und so kommen theatrale Gründerzeiten in diesem Stück, das den „Sommernachtstraum“ durch die hinzugedichtete Rahmenhandlung ergänzt, kreativ zusammen. Das Schauspielensemble wird um Tänzer*innen der Sparte Ballett erweitert, und Salzburger Sportvereine sind eingeladen, das Ballhaus als Showcase zu nutzen.

William Shakespeare (1564–1616) und John von Düffel (*1966) sind die Autoren des Brückenschlags von damals nach heute. Im Landestheater, an der Stelle des ehemaligen Ballhauses, das Fürsterzbischof Paris Lodron 1625 zum „Zwecke des Ballspiels“, zur Belustigung der Hofgesellschaft und um Theater zu erleben, errichten ließ, verbinden sich ihre Texte zu einem Spiel.

Carl Philip von Maldeghem und Reginaldo Oliveira feiern mit der Uraufführung des Auftragswerkes von John von Düffel das Spiel – das sportliche wie das theatrale – als spartenübergreifendes Fest von Schauspiel, Ballett und Sport. Dazu erschafft Bühnenbildner Thomas Mika eine bildliche Reminiszenz des Ballhauses von damals.

Mozart Dinner Concert

Konzert & historisches Dinner im Barocksaal des Stiftskulinarium St. Peter Salzburg



Erleben Sie einen Abend, wie er anno 1790 hätte gewesen sein können: mit dem in Kerzenlicht getauchten Barocksaal, einem auf historischen Rezepten basierenden Menü, Künstlern in der Kleidung der Mozartzeit und mit den Kompositionen von Wolfgang Amadeus Mozart, dargeboten in höchster musikalischer Qualität. Dinner und Konzert finden in der hervorragenden Akustik des historischen Barocksaals von St. Peter statt. Dieser liegt gut erreichbar im Herzen von Salzburg im Stiftskulinarium St. Peter welches auf 1200 Jahre Tradition zurückblickt und erstmals im Jahr 803 urkundlich erwähnt wurde. Auch die Familie Mozart kehrte hier ein, was ein Eintrag von Nannerl Mozart in ihr Tagebuch im Jahr 1783 belegt.

Heute musizieren hier für Sie die zwei Opernsänger und fünf Instrumentalisten des seit 1996 bestehenden AMADEUS CONSORT Arien und Duette aus den großen Mozart Opern "Die Zauberflöte", "Don Giovanni" und "Figaros Hochzeit". Der berühmte erste Satz aus der Serenade "Eine kleine Nachtmusik" rundet das Programm ab. Das Dinner wird auf Basis von historischen Rezepten der Mozart-Zeit modern interpretiert und besteht aus drei Gängen. Konzertiert wird in drei Teilen jeweils nach den Gängen des Dinners, die Musik soll ja nicht durchs Schlemmen gestört werden...

Jeder Kunstform ihre Zeit.

"BEAT IT! – Die Erfolgsshow über den King of Pop!" ist ein spektakuläres Live-Show-Erlebnis über den erfolgreichsten Entertainer aller Zeiten, dessen Musik für immer unvergessen bleiben wird. Die etwa zweistündige Hommage zeichnet in spektakulären Bildern Michael Jacksons unvergleichliche Solokarriere nach und präsentiert dabei live 20 seiner größten Hits wie "Billie Jean", "Smooth Criminal", "Thriller", "Man In The Mirror", "Black Or White" und natürlich "Beat It".

"Das ist eine der besten Michael-Jackson-Shows, die ich jemals gesehen habe", schwärmte Michaels Bruder Jermaine Jackson direkt nach der Welturaufführung am 29. August 2018 im Theater am Potsdamer Platz in Berlin. Die Berliner Morgenpost titelte nach der Weltpremiere: "Es scheint fast so, als sei der King of Pop wieder auferstanden". Die Folge waren Rekordtourneen in den Jahren 2018 bis 2020 in Deutschland, Österreich und der Schweiz mit mehr als 250 Vorstellungen, die meisten davon restlos ausverkauft, und eine Welle der grenzenlosen Begeisterung bei Publikum und Presse, bevor die Tournee dann leider coronabedingt im März 2020 vorzeitig beendet werden musste. Und nun, sechs Jahre später, im Frühjahr 2026 kehrt der Mythos in einer Neufassung mit neuem Cast noch einmal zurück auf die Bühne.

Mehr als 500 Millionen verkaufte Tonträger und über 200 restlos ausverkaufte Stadien auf seinen drei Solo-Welttourneen machten Michael Jackson zum größten und erfolgreichsten Pop-Star in der Musikgeschichte. Schon im Kindesalter, als Mitglied der legendären "Jackson 5", erlangte er Weltruhm – der endgültige Durchbruch gelang ihm spätestens mit der Veröffentlichung des bestverkauften Albums aller Zeiten: "Thriller". Auch 16 Jahre nach seinem Tod lebt Michael Jackson, der "King of Pop", in den Herzen seiner Millionen von Fans bis in alle Ewigkeiten weiter. Und "BEAT IT! – Die Erfolgsshow über den King of Pop!" lässt den Ausnahmekünstler in einer einzigartigen Bühnenshow wieder auferstehen. Mehr als 250.000 begeisterte Zuschauer, reihenweise restlos ausverkaufte Konzerthallen und ein Ritterschlag des Bruders können nicht lügen: Die Erfolgsshow von Musical-Produzent Oliver Forster sorgte Abend für Abend für Gänsehaut, nicht nur bei eingefleischten Michael Jackson-Fans. "BEAT IT!" ist ein perfekt durchchoreographiertes Bühnen-spektakel mit hervorragenden Tänzern, virtuosen Musikern und einem Hauptdarsteller, der so nahe am Original ist, dass den Besuchern regelmäßig der Atem stockt. Vom ersten Ton an springt der Funke über. Bei "BEAT IT!" hält es niemanden mehr auf den Sitzen. Zu groß ist der Bewegungsdrang, sobald sich Hauptdarsteller Garth Field seinen silbernen Glitzerhandschuh überstreift, den Hut zurechtrückt und in typischer Michael Jackson-Manier den Moonwalk zum Besten gibt. Es scheint fast so, als sei der 2009 verstorbene "King of Pop" auferstanden und nochmals für einen Abend auf die Bühne zurückgekehrt.

Hauptdarsteller Garth Field: Ein Leben für die Kunst

Der Südafrikaner wurde 1993 in Kapstadt geboren. Seine künstlerische Laufbahn begann bescheiden als Mitglied des Grundschulchors. Doch in seinen Teenagerjahren steigerte sich sein Engagement und lernte in seiner Ausbildung viele Facetten der darstellenden Kunst kennen. Er besuchte die Stage Performing Arts School and Theatre, wo er im zweiten Jahr ein Zertifikat in Darstellender Kunst erhielt und Jazz-, Step- und modernen Tanz studierte. Weitere Zertifikate in allen drei Disziplinen erhielt er von der renommierten Imperial Society of Teachers of Dancing in London. 2008 erweiterte er sein Repertoire und studierte Hip-Hop-Stile bei Kumari Singh am Temple of Hip Hop. 2012 erlangte er am New Africa Theatre ein NQF Level 5 in Darstellender Kunst.

Garths Karriere nahm 2015 eine entscheidende Wende, als er seinen ersten internationalen Vertrag als Choreograf und Tänzer in der spanischen Produktion "This Is It – A Tribute to Michael Jackson" erhielt. In dieser Rolle blühte er auf – dies führte dazu, dass ihm im folgenden Jahr die Hauptrolle des "Michael Jackson" angeboten wurde. Schließlich wurde er Produktionsleiter und verbrachte seitdem jedes Jahr sechs Monate mit der Show in Spanien.

Im Jahr 2023 wurde der renommierte Tribute-Produzent Johnny Van Grinsven auf seine Arbeit im Tribute-Bereich aufmerksam. Er besetzte seine langjährige Produktion "The Michael Jackson HIStory Show" neu und fand in Garth die perfekte Mischung aus Talent, jugendlicher Energie und Tatkraft. Er gab ihm die größte Rolle seines Lebens, erneut als Michael Jackson, diesmal jedoch in einer der größten internationalen Tribute-Shows der Branche.

"Garth besitzt die seltene Kombination aus Gesangsgabe, Tanztalent, dem perfekten Aussehen und vor allem dem Antrieb und Ehrgeiz, dieser Rolle gerecht zu werden und stets daran zu arbeiten, der Beste im Geschäft zu sein, wie einst sein Idol. Ich bin daher sehr stolz, dass wir ihn für die Neuauflage von ‚BEAT IT!‘ als Erstbesetzung in der Hauptrolle als Michael gewinnen konnten", so Oliver Forster, der Produzent der Show. Er teilt sich die Rolle mit keinem geringeren als Dantanio Goodmann, der von 2018 bis 2020 bereits mit "BEAT IT!" auf Tour war und der zu diesem Zeitpunkt weltweit als "der beste Michael Jackson-Darsteller seit Michael Jackson" gehandelt wurde.

"BEAT IT!" – Die Erfolgsshow mit Auszeichnung und Weltrekord

Den "Ritterschlag" erhielten die Verantwortlichen von "BEAT IT!" im Jahr 2018 von Michael Jacksons Bruder. "Das ist eine der besten Michael Jackson-Shows, die ich jemals gesehen habe", schwärmte Jermaine Jackson direkt nach der Weltpremiere in Berlin am 29. August 2018, an dem Michael Jackson seinen 60. Geburtstag gefeiert hätte, auf der Bühne und war dabei sichtlich zu Tränen gerührt. Er gratulierte den Machern und dem gesamten Ensemble zu dieser Glanzleistung.

Bereits am Vortag der gefeierten Premiere gelang dem Ensemble ein denkwürdiger Triumph: Zusammen mit dem bekannten Tänzer und Choreographen Detlef Soost stellte es einen Weltrekord auf – die mit 261 Tänzerinnen und Tänzern besetzte und bis zu diesem Zeitpunkt größte Michael Jackson-Choreographie-Tanzstunde! Für Soost, der seit über 30 Jahren als Juror, Choreograph, Moderator und Fitnessexperte im TV präsent ist, war die Mitwirkung im Kreativ-Team der Show eine Herzensangelegenheit: "Mit zwölf Jahren bin ich Michael Jackson-Fan geworden und durch ihn zum Tanzen und meiner Karriere gekommen. Nun abschließend Teil des künstlerischen Teams zu sein, das sein Vermächtnis auf die Bühne bringt, ist für mich mehr als eine Ehre!"

Der italienische Komponist und Pianist Ludovico Einaudi zählt zu den bedeutendsten Vertretern moderner, minimalistischer Musik. Mit seiner unverwechselbaren Klangsprache, die klassische Eleganz mit zeitgenössischer Leichtigkeit verbindet, berührt er seit Jahrzehnten ein weltweites Publikum. Werke wie Le Onde, Divenire oder Seven Days Walking machten ihn zu einem der populärsten Pianisten unserer Zeit und führten ihn auf die großen Bühnen von der Mailänder Scala bis zur Royal Albert Hall.

Mit seinem neuen Album „The Summer Portraits“ (2025), das sofort nach Erscheinen die Spitze der britischen Klassikcharts eroberte, kehrt Einaudi zu einer noch persönlicheren und unmittelbaren Form des musikalischen Ausdrucks zurück. Seine Musik entfaltet sich wie ein warmes Sommerlicht – sanft, meditativ und von tiefer Emotionalität getragen.

Das Publikum darf sich auf einen Konzertabend voller Atmosphäre, Klangpoesie und stiller Intensität freuen – ein Erlebnis, das weit über die Grenzen klassischer Musik hinausreicht.

Elisabeth Naske
Ab 5 Jahren

Wie klingt eigentlich ein frischer Pferdeapfel oder ein herabplatschender Kuhfladen? Noch viel wichtiger für den kleinen kurzsichtigen Maulwurf ist es, herauszufinden, wie der Kot der einzelnen Tiere eigentlich aussieht – schließlich hat ihm jemand einfach so auf den Kopf gemacht, als er eines Morgens nichtsahnend aus seinem Hügel schaute. „Es war rund und braun, sah ein bisschen aus wie eine Wurst – und das Schlimmste: Es landete direkt auf meinem Kopf.“ Um das Rätsel des Häufchens zu lösen, begibt er sich auf Spurensuche und befragt jedes Tier in seiner Nachbarschaft. Können ihn die Fliegen bei seiner Detektivarbeit unterstützen und den Übeltäter entlarven?

Die renommierte Komponistin Elisabeth Naske vertonte den 1989 veröffentlichten Kinderbuchklassiker von Werner Holzwarth mit Illustrationen von Wolf Erlbruch. Sie stellt dem kleinen Maulwurf einen Gärtner und Viola zur Seite. Viola ist die Spielgefährtin des Maulwurfs, die nur durch ihr Instrument, die Bratsche, spricht. Sie steht dem kleinen Maulwurf an diesem aufregenden Tag bei und gibt den Emotionen musikalischen Ausdruck.

Diese Kinderoper für eine Sängerin, einen Schauspieler und eine Bratsche bringt fallende Exkremente zum Klingen und zeigt die Vielfalt tierischen Kotes auf musikalische und spielerische Weise.

ACHTUNG DIE TICKETS WERDEN KNAPP!

NEVERLAND DIE CHILDHOOD / DISNEY PARTY DEUTSCHLAND TOUR – EINE MAGISCHE NACHT IM CLUB!

Disney-Fans aufgepasst: Die Songs, die uns verzaubern, live und laut – so wie ihr sie liebt!

Erlebe einen Abend, der dich in die zauberhafte Welt von Disney entführt! Unsere Party bringt die größten Disney-Hits auf die Bühne und verwandelt den Club in ein singendes, tanzendes Märchenland. Tauche ein in die magische Atmosphäre, begleitet von funkelnden Kostümen, nostalgischen Momenten und einer Portion Disney-Zauber.

Das erwartet dich:
- Magische Show-Elemente und Überraschungen
- Ein Finale, das dich garantiert verzaubern wird – Gänsehaut garantiert!
- Deine liebsten Disney-Momente auf der Tanzfläche

Egal, ob du ein Fan der alten Klassiker bist oder die neuesten Hits liebst – diese Nacht ist für alle Disney-Herzen gemacht.

Lass uns zusammen singen, tanzen und die Magie erleben – denn „A Dream Is A Wish Your Heart Makes“!

Be our guest and let’s celebrate Disney!

Pjotr Iljitsch Tschaikowski

In russischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln

Ein skeptischer, gelangweilter und unentschlossener junger Mann und eine idealistische, empfindsame und leidenschaftliche junge Frau, die immer zur falschen Zeit am falschen Ort aufeinandertreffen – davon erzählt Pjotr Iljitsch Tschaikowskis Oper „Eugen Onegin“. Die junge Tatjana ist in Eugen verliebt, der jedoch die Liebe als unerheblich empfindet und Tatjana abweist. Auf einem Ball beleidigt er auch noch ihren Bruder Lenski, der ihn daraufhin zu einem Duell herausfordert, welches für Lenski tödlich endet. Jahre später kehrt Onegin, inzwischen vom Leben enttäuscht, in die ländliche Gegend zurück, wo er auf die mittlerweile verheiratete Tatjana trifft, die in ihrer Rolle als Dame der Gesellschaft erblüht ist. Onegin erkennt nun seine Liebe zu ihr, doch es ist zu spät. Tatjana weist Onegin entschieden zurück und bleibt ihrem Mann treu.

Tief emotional und reich an melodischer Schönheit verbindet Tschaikowski in dieser Oper russische Volksmelodien mit klassischen europäischen Traditionen und bringt so eine einzigartige musikalische Sprache hervor. Die Kontraste zwischen den inneren Konflikten der Figuren und den äußeren gesellschaftlichen Erwartungen machen „Eugen Onegin“ zu einem tiefgründigen Werk, das sowohl persönliche als auch universelle Themen wie Liebe, Reue und menschliche Fehlbarkeit behandelt.

Pjotr Iljitsch Tschaikowski (1840–1893) begann mit der Arbeit an „Eugen Onegin“ (basierend auf dem gleichnamigen Versroman von Alexander Puschkin) im Jahr 1877. Nach den Erfolgen seiner Ballette „Der Nussknacker“ und „Schwanensee“ wollte er sich nun auch als Opernkomponist profilieren und stand unter dem Druck, den Erwartungen gerecht zu werden. Die erste Aufführung vor großem Publikum fand am 23. Jänner 1881 im Bolschoi-Theater statt und wurde zu einem großen Erfolg.

Regisseurin Alexandra Liedtke widmet sich mit ihrem eingespielten Team, dem Bühnenbildner Philip Rubner und der Kostümbildnerin Su Bühler, diesem großen Werk der russischen Opernwelt. Ihre Erfahrungen aus dem In- und Ausland bündeln sie bereits zum wiederholten Mal am Salzburger Landestheater. Die Inszenierung erforscht die komplexen psychologischen Vorgänge in Tschaikowskis Werk.

Der italienische Komponist und Pianist Ludovico Einaudi zählt zu den bedeutendsten Vertretern moderner, minimalistischer Musik. Mit seiner unverwechselbaren Klangsprache, die klassische Eleganz mit zeitgenössischer Leichtigkeit verbindet, berührt er seit Jahrzehnten ein weltweites Publikum. Werke wie Le Onde, Divenire oder Seven Days Walking machten ihn zu einem der populärsten Pianisten unserer Zeit und führten ihn auf die großen Bühnen von der Mailänder Scala bis zur Royal Albert Hall.

Mit seinem neuen Album „The Summer Portraits“ (2025), das sofort nach Erscheinen die Spitze der britischen Klassikcharts eroberte, kehrt Einaudi zu einer noch persönlicheren und unmittelbaren Form des musikalischen Ausdrucks zurück. Seine Musik entfaltet sich wie ein warmes Sommerlicht – sanft, meditativ und von tiefer Emotionalität getragen.

Das Publikum darf sich auf einen Konzertabend voller Atmosphäre, Klangpoesie und stiller Intensität freuen – ein Erlebnis, das weit über die Grenzen klassischer Musik hinausreicht.

Über fünf Jahrzehnte hat der Detroiter Mitch Ryder eine Diskographie von mehr als 30 Alben geschaffen, die von der wilden Urkraft seiner frühen Hits wie "Devil with a Blue Dress On" bis zu jüngsten Werken wie dem 2024 erschienenen Live-Album The Roof Is On Fire und dem von Don Was produzierten Studioalbum With Love reicht. Letzteres, in Detroit aufgenommen, zählt Ryder selbst zu seinen besten Werken – ein Zeugnis seiner Fähigkeit, sich neu zu erfinden, ohne seine Wurzeln zu verraten. Don Was, bekannt für seine Arbeit mit Bob Dylan, The Rolling Stones und Iggy Pop, brachte eine Produktion hervor, die Ryders unverkennbare Intensität mit zeitloser Eleganz verbindet.




Ryders Einfluss auf die Musiklandschaft ist kaum zu überschätzen. Inspiriert von James Brown und dem Motown-Sound, schuf er mit seiner Band Mitch Ryder & The Detroit Wheels einen Stil, der die rohe Kraft der Motor City mit der Seele des Blues verband. Seine Kollaborationen lesen sich wie ein Pantheon der Rockgeschichte: Neben Don Was arbeitete er mit John Mellencamp, der sein Album Never Kick a Sleeping Dog (1983) produzierte, und beeinflusste Künstler wie The Clash, deren roher Punk-Ethos Ryders Energie widerspiegelt. Keith Richards nannte ihn einen der "spannendsten Sänger", die die Musikszene je gesehen hat – ein Urteil, das Ryders Auftritt beim Rockpalast 1979 untermauert. Dieser legendäre Moment, 2017 in einer WDR-Dokumentation als einer der besten in der Geschichte des Formats gefeiert, machte Deutschland für Ryder zur zweiten Heimat. "Diese Nacht war eine Chance, wie man sie vielleicht nur einmal im Leben hat", sagte er rückblickend.




Europa wurde für Ryder zum Raum künstlerischer Freiheit. Während seine amerikanischen Fans oft die Nostalgie seiner Sechziger-Hits suchen, erlaubt ihm das europäische Publikum, Grenzen zu überschreiten. Alben wie The Detroit-Memphis Experiment (1969) oder Never Kick a Sleeping Dog zeigen seine Vielseitigkeit, während seine Aufnahme in die Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame seinen Status als Pionier zementiert. Ryders Vermächtnis liegt nicht nur in seinen Hits, sondern in seiner Fähigkeit, die rohe Emotion des Rock ’n’ Roll mit einer zeitlosen Dringlichkeit zu verbinden.




Die "Songs from the Road"-Tour 2026 wird diese Essenz einfangen: ein Künstler, der die Bühne mit der gleichen Intensität betritt wie vor 50 Jahren, begleitet von einer Band, die seine Vision trägt. Von Klassikern bis zu neuen Werken – Ryder bleibt ein Rebell, der die Sprache des Rock ’n’ Roll spricht wie kaum ein anderer.

Das Wort „Triage“ ist noch nicht so lange in unserem aktiven Wortschatz verankert. Doch wir haben es kennengelernt als Beschreibung des komplexen Themas der medizinischen Prioritätensetzung unter den Bedingungen knapper Ressourcen in einem Katastrophenfall.

Prof. Blankenburg, die Leiterin einer Intensivstation, steht vor der schwierigen Aufgabe, die Verteilung lebenswichtiger Ressourcen, insbesondere von Beatmungsgeräten, zu koordinieren. Dabei werden ihre professionellen Entscheidungen durch persönliche Krisen beeinträchtigt. Vor allem der Kampf ihres Mannes mit Parkinson fordert ihre ganze Aufmerksamkeit und emotionale Kraft – was ihre Situation noch zuspitzt. Dr. Bozic wiederum ringt mit den Grundsätzen der medizinischen Ethik, während ihn zugleich die ersehnte Schwangerschaft seiner Frau und die Affäre mit seiner Kollegin Dr. Majewski umtreiben. Alle durchleben sie heftige Konflikte und moralische Dilemmata, mit denen medizinisches Personal in Extremsituationen konfrontiert wird: Vor dem Hintergrund einer weitreichenden Brandkatastrophe und der daraus resultierenden Überlastung der Klinik wird eine hoch angespannte Atmosphäre geschaffen, die die Ärzt*innen zu schnellen, oft kaum erträglichen Entscheidungen über Leben und Tod zwingt.

„Triage“ beleuchtet eindringlich die rohe Realität derjenigen, die mit den Schattenseiten ihrer Berufung konfrontiert werden, wo jedes Für oder Wider das Potenzial hat, sowohl zu retten, als auch zu zerstören.

Maya Arad Yasur, geboren 1976 in Israel, studierte Dramaturgie an der Universität Amsterdam und arbeitete als Produktionsdramaturgin u.a. in den Niederlanden und in Israel. Ihre Stücke wurden u.a. mit dem ersten Preis beim Dramatikerwettbewerb des ITI (International Theatre Institute) und der UNESCO, dem Stückemarktpreis des Berliner Theatertreffens und 2019 vom deutschsprachigen und französischen Komitee von EURODRAM ausgezeichnet.

Ebru Tartıcı Borchers wurde in Hatay/Türkei geboren. Nach einem Schauspielstudium in Ankara und Engagements in der Türkei arbeitet sie seit 2015 auch in Deutschland. An der Universität Mozarteum Salzburg absolvierte sie 2022 ihr Regiestudium. Als Regisseurin arbeitete sie u.a. am Badischen Staatstheater Karlsruhe, am Theater Osnabrück, dem Staatstheater Mainz und am Stadttheater Gießen. Seit der Spielzeit 2024/2025 ist sie Hausregisseurin am Oldenburgischen Staatstheater.

John von Düffel / William Shakespeare
Schauspiel mit Sport und Ballett


Theater spielen, tanzen und Sport treiben – all das war möglich im Ballhaus. Seit 400 Jahren wird am Mirabellgarten Theater gespielt. Das erste Theatergebäude wurde 1625 gebaut und hieß Ballhaus. Tatsächlich hatte das eindrucksvolle Gebäude mit offenem Dachstuhl, drei Galerien und fast 50 Metern Länge mehrere Funktionen, nämlich als Theater, Tanzpalast und Sporthalle.

Anlässlich des 400-jährigen Jubiläums des heutigen Landestheaters schreibt John von Düffel ein Theaterstück, das die Vorgeschichte so aufleben lässt, wie sie gewesen sein könnte. Ein ambitionierter Architekt plant den Neubau als Ort der bürgerlichen Gemeinschaft, doch natürlich entsteht schon früh Streit über die Nutzung. Sport, Tanz und Schauspiel treten tagsüber in Widerstreit, doch nachts wird das Ballhaus ein Ort der Sehnsüchte und Träume. Plötzlich entsteht dort die Handlung von Shakespeares „Sommernachtstraum“ im Wechselspiel der Disziplinen. Liebende suchen und finden einen Ort, an dem Irrungen und Wirrungen passieren, begegnen Elfen, einem Theaterensemble und erleben mit fabelhaft tanzenden Schattenwesen eine verrückte Nacht. Am nächsten Morgen weiß niemand so recht, was real war und was nicht.

William Shakespeares Stücke erlebten ihre Blüte in London, als in Salzburg das Ballhaus gebaut wurde, und so kommen theatrale Gründerzeiten in diesem Stück, das den „Sommernachtstraum“ durch die hinzugedichtete Rahmenhandlung ergänzt, kreativ zusammen. Das Schauspielensemble wird um Tänzer*innen der Sparte Ballett erweitert, und Salzburger Sportvereine sind eingeladen, das Ballhaus als Showcase zu nutzen.

William Shakespeare (1564–1616) und John von Düffel (*1966) sind die Autoren des Brückenschlags von damals nach heute. Im Landestheater, an der Stelle des ehemaligen Ballhauses, das Fürsterzbischof Paris Lodron 1625 zum „Zwecke des Ballspiels“, zur Belustigung der Hofgesellschaft und um Theater zu erleben, errichten ließ, verbinden sich ihre Texte zu einem Spiel.

Carl Philip von Maldeghem und Reginaldo Oliveira feiern mit der Uraufführung des Auftragswerkes von John von Düffel das Spiel – das sportliche wie das theatrale – als spartenübergreifendes Fest von Schauspiel, Ballett und Sport. Dazu erschafft Bühnenbildner Thomas Mika eine bildliche Reminiszenz des Ballhauses von damals.

Mit ihrem hochgelobten, in 2021 veröffentlichten Debüt Album „STRESS“ (Noisolution) haben 24/7 DIVA HEAVEN eines unmissverständlich klargemacht: Sie sind gekommen, um zu bleiben. Oder um es mit den Worten des „Classic Rock“ Magazins zu sagen: "Auf Krawall gebürstet. Relevant. Großartig. Punkt." Bereits kurz nach Erscheinen ihres Debüts ist ist das Berliner Trio in aller Munde und füllt die Seiten der hiesigen Musikpresse. Mit ihrem musikalischen Hybrid aus Punk, Grunge und Noise erschaffen 24/7 Diva Heaven eine Welt, in der man schreien, kratzen, beißen darf – und sich am Ende in den Arm nimmt. Fuzzy Riffs treffen auf eingängige Hooklines, politische Botschaften auf Selbstironie. 24/7 DIVA HEAVEN sagen, was sie denken, und treffen damit einen Nerv: Sie liefern einen Soundtrack, der genau in diese ungewisse Zeit passt, sich nicht mit Plattitüden abfindet, sondern Platz für das Dazwischen lässt. Dass die Band vor allem für ihren massiven Sound und starke Live-Auftritte bekannt ist, beweist ihre rasant wachsende Fanbase und unzählige Shows, unter anderem beim WDR Rockpalast, Pop-Kultur Festival, als Support von DREAM WIFE und BEATSTEAKS sowie eine Co-Headliner-Tour mit TEAM SCHEISSE. „Das Beste, was ich seit NIRVANA live gesehen habe“, so die Worte eines Fans. Katharina Ott-Alavi (voc, guitar) Karoline Paschedag (bass) und Marie Westphal (drums) sind nicht nur fernab der Bühne eine Einheit, sondern auch im Rampenlicht geballte Energie, die darauf wartet, losgelassen zu werden.

Die Band ist nicht nur im Proberaum und auf der Bühne aktiv, sondern zeigt politisches Engagement, u.a. als Gründerinnen des Berliner Kollektivs GRRRL-NOISY, das Jam-Sessions und Festivals organisiert und einen Ort der Vernetzung für FLINTA Musiker:innen und Musikfans bietet.

Am 11.10.2024 erscheint ihr lang ersehntes zweites Album „GIFT“ auf Noisolution, das sich nahtlos in die Tradition des Debüts „STRESS“ einreiht und im Herbst 2024 im Rahmen einer Album-Release-Tour durch ausgewählte Städte erstmals live präsentiert wird. 24/7 DIVA HEAVENs zweiter Longplayer kommt mit differenzierterem Songwriting daher, ohne auch nur im Ansatz weniger wütend zu klingen. Das Album ist zornig, politisch und nie um große Melodien verlegen. Auf „GIFT“ verdichtet sich, was sich auf „STRESS“ bereits angebahnt hat, und es ist ein eklektisches Album entstanden, irgendwo zwischen IDLES, PIXIES, PABST und MELVINS, das auf kühne Art und Weise den Sound alter Idole dekonstruiert und in zeitgemäßem Gewand wieder zusammensetzt.

John von Düffel / William Shakespeare
Schauspiel mit Sport und Ballett


Theater spielen, tanzen und Sport treiben – all das war möglich im Ballhaus. Seit 400 Jahren wird am Mirabellgarten Theater gespielt. Das erste Theatergebäude wurde 1625 gebaut und hieß Ballhaus. Tatsächlich hatte das eindrucksvolle Gebäude mit offenem Dachstuhl, drei Galerien und fast 50 Metern Länge mehrere Funktionen, nämlich als Theater, Tanzpalast und Sporthalle.

Anlässlich des 400-jährigen Jubiläums des heutigen Landestheaters schreibt John von Düffel ein Theaterstück, das die Vorgeschichte so aufleben lässt, wie sie gewesen sein könnte. Ein ambitionierter Architekt plant den Neubau als Ort der bürgerlichen Gemeinschaft, doch natürlich entsteht schon früh Streit über die Nutzung. Sport, Tanz und Schauspiel treten tagsüber in Widerstreit, doch nachts wird das Ballhaus ein Ort der Sehnsüchte und Träume. Plötzlich entsteht dort die Handlung von Shakespeares „Sommernachtstraum“ im Wechselspiel der Disziplinen. Liebende suchen und finden einen Ort, an dem Irrungen und Wirrungen passieren, begegnen Elfen, einem Theaterensemble und erleben mit fabelhaft tanzenden Schattenwesen eine verrückte Nacht. Am nächsten Morgen weiß niemand so recht, was real war und was nicht.

William Shakespeares Stücke erlebten ihre Blüte in London, als in Salzburg das Ballhaus gebaut wurde, und so kommen theatrale Gründerzeiten in diesem Stück, das den „Sommernachtstraum“ durch die hinzugedichtete Rahmenhandlung ergänzt, kreativ zusammen. Das Schauspielensemble wird um Tänzer*innen der Sparte Ballett erweitert, und Salzburger Sportvereine sind eingeladen, das Ballhaus als Showcase zu nutzen.

William Shakespeare (1564–1616) und John von Düffel (*1966) sind die Autoren des Brückenschlags von damals nach heute. Im Landestheater, an der Stelle des ehemaligen Ballhauses, das Fürsterzbischof Paris Lodron 1625 zum „Zwecke des Ballspiels“, zur Belustigung der Hofgesellschaft und um Theater zu erleben, errichten ließ, verbinden sich ihre Texte zu einem Spiel.

Carl Philip von Maldeghem und Reginaldo Oliveira feiern mit der Uraufführung des Auftragswerkes von John von Düffel das Spiel – das sportliche wie das theatrale – als spartenübergreifendes Fest von Schauspiel, Ballett und Sport. Dazu erschafft Bühnenbildner Thomas Mika eine bildliche Reminiszenz des Ballhauses von damals.

Mozart Dinner Concert

Konzert & historisches Dinner im Barocksaal des Stiftskulinarium St. Peter Salzburg



Erleben Sie einen Abend, wie er anno 1790 hätte gewesen sein können: mit dem in Kerzenlicht getauchten Barocksaal, einem auf historischen Rezepten basierenden Menü, Künstlern in der Kleidung der Mozartzeit und mit den Kompositionen von Wolfgang Amadeus Mozart, dargeboten in höchster musikalischer Qualität. Dinner und Konzert finden in der hervorragenden Akustik des historischen Barocksaals von St. Peter statt. Dieser liegt gut erreichbar im Herzen von Salzburg im Stiftskulinarium St. Peter welches auf 1200 Jahre Tradition zurückblickt und erstmals im Jahr 803 urkundlich erwähnt wurde. Auch die Familie Mozart kehrte hier ein, was ein Eintrag von Nannerl Mozart in ihr Tagebuch im Jahr 1783 belegt.

Heute musizieren hier für Sie die zwei Opernsänger und fünf Instrumentalisten des seit 1996 bestehenden AMADEUS CONSORT Arien und Duette aus den großen Mozart Opern "Die Zauberflöte", "Don Giovanni" und "Figaros Hochzeit". Der berühmte erste Satz aus der Serenade "Eine kleine Nachtmusik" rundet das Programm ab. Das Dinner wird auf Basis von historischen Rezepten der Mozart-Zeit modern interpretiert und besteht aus drei Gängen. Konzertiert wird in drei Teilen jeweils nach den Gängen des Dinners, die Musik soll ja nicht durchs Schlemmen gestört werden...

Jeder Kunstform ihre Zeit.

Clara Luzia ließ im Frühjahr 2025 einen Testballon steigen. Er hieß „The Quiet Version“ und war eine neue Live-Band, die sie zusammengestellt hatte, um wieder etwas ruhigere Töne anzuschlagen - back to the roots sozusagen. Dieser Testballon fuhr so erfolgreich, dass Clara sich gleich nach der Tour an die Arbeit machte und eine Platte aufnahm. Sie heißt „Horelia“ und besteht ebenso wie das Live-Set aus einem englischsprachigen und einem deutschsprachigen Teil. Das Album erscheint im Februar 2026 auf Asinella Records und wird gemeinsam mit The Quiet Version auf einer Tour im März 2026 live präsentiert.

Clara Luzia: Gesang, Gitarre
Catharina Priemer-Humpel: Schlagzeug, Gesang
Claudia Kottal: Gesang, Keys
Judith Ferstl: Kontrabass, Gesang
Kaya Meller: Trompete

Pjotr Iljitsch Tschaikowski

In russischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln

Ein skeptischer, gelangweilter und unentschlossener junger Mann und eine idealistische, empfindsame und leidenschaftliche junge Frau, die immer zur falschen Zeit am falschen Ort aufeinandertreffen – davon erzählt Pjotr Iljitsch Tschaikowskis Oper „Eugen Onegin“. Die junge Tatjana ist in Eugen verliebt, der jedoch die Liebe als unerheblich empfindet und Tatjana abweist. Auf einem Ball beleidigt er auch noch ihren Bruder Lenski, der ihn daraufhin zu einem Duell herausfordert, welches für Lenski tödlich endet. Jahre später kehrt Onegin, inzwischen vom Leben enttäuscht, in die ländliche Gegend zurück, wo er auf die mittlerweile verheiratete Tatjana trifft, die in ihrer Rolle als Dame der Gesellschaft erblüht ist. Onegin erkennt nun seine Liebe zu ihr, doch es ist zu spät. Tatjana weist Onegin entschieden zurück und bleibt ihrem Mann treu.

Tief emotional und reich an melodischer Schönheit verbindet Tschaikowski in dieser Oper russische Volksmelodien mit klassischen europäischen Traditionen und bringt so eine einzigartige musikalische Sprache hervor. Die Kontraste zwischen den inneren Konflikten der Figuren und den äußeren gesellschaftlichen Erwartungen machen „Eugen Onegin“ zu einem tiefgründigen Werk, das sowohl persönliche als auch universelle Themen wie Liebe, Reue und menschliche Fehlbarkeit behandelt.

Pjotr Iljitsch Tschaikowski (1840–1893) begann mit der Arbeit an „Eugen Onegin“ (basierend auf dem gleichnamigen Versroman von Alexander Puschkin) im Jahr 1877. Nach den Erfolgen seiner Ballette „Der Nussknacker“ und „Schwanensee“ wollte er sich nun auch als Opernkomponist profilieren und stand unter dem Druck, den Erwartungen gerecht zu werden. Die erste Aufführung vor großem Publikum fand am 23. Jänner 1881 im Bolschoi-Theater statt und wurde zu einem großen Erfolg.

Regisseurin Alexandra Liedtke widmet sich mit ihrem eingespielten Team, dem Bühnenbildner Philip Rubner und der Kostümbildnerin Su Bühler, diesem großen Werk der russischen Opernwelt. Ihre Erfahrungen aus dem In- und Ausland bündeln sie bereits zum wiederholten Mal am Salzburger Landestheater. Die Inszenierung erforscht die komplexen psychologischen Vorgänge in Tschaikowskis Werk.

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"Ich habe ungefähr 4.000 Shows rezensiert, doch keine ist vergleichbar mit dem, was ich heute Abend gesehen habe."
— Richard Connema, Theaterkritiker

"Ein Muss!" -Broadway World

"Ich habe in meinem ganzen Leben noch nie eine so wunderschöne Choreographie gesehen".
-Shirley Ballas, Tänzerin und Hauptschiedsrichterin bei Strictly Come Dancing (UK)

"Großartig... sehr erhellend!" -Tony Robbins, Motivanions-Sprecher

"Ich war erbaut, ich war voller Hoffnung... Die Welt ist wegen Shen Yun ein besserer Ort."
-Richard Swett, ehemaliger U.S. Kongressabgeordneter

"Die Kraft der Sinnbilder und die Geschichten sind überragend. Eine außergewöhnliche Erfahrung." -Cate Blanchett, oscarprämierte Schauspielerin

"Ich ermutige jeden, es zu sehen, und uns alle, daraus zu lernen. -Donna Karan, Gründerin von DKNY