FAB FOX: Publikums-Ansturm auf Österreichs größte Zaubershow!

Magic is back! Er war der Überraschungserfolg des Jahres. Der erst 24-jährige Magier FAB FOX sorgte mit seiner ersten Show FABULOUS für ausverkaufte Hallen in ganz Österreich. Für seine neue Bundesländertour hat der Niederösterreicher noch größere Pläne: Mit fünf Sattelschleppern, einer 30-köpfigen Crew und neuen Nummern plant er Österreichs größte Zaubershow für die ganze Familie. FABULOUS ist vollgepackt mit hierzulande noch nie gezeigten Illusionen wie einer Zeitmaschine, der Teleportation von Zusehern live auf der Bühne, dem Durchschreiten von Wänden und einem haarsträubendem Entfesselungsstunt.

Auf der Bühne zeigt er Illusionen, doch seine Zahlen sind real. Mehr als 10.000 Besucher verfolgten im Frühjahr 2023 das Debüt von Fabian Blochberger, alias FAB FOX, in ganz Österreich. Dabei stellte der 24-jährige Niederösterreicher gleich zwei Rekorde auf. So war FABULOUS nicht nur die größte Zaubershow des Landes, Fab Fox ist auch der jüngste Künstler, der das legendäre Gasometer ausverkaufen konnte.

Zuseher werden auf die Bühne „gebeamt“

Für seine neue Tournee hat FAB FOX noch größere Pläne: Mit fünf großen Trucks und einer 30-köpfigen Crew plant er die perfekte Familienshow für alle von 5 bis 99 Jahren. Tourstart ist der 19. Jänner in der Arena-Nova in Wiener Neustadt. „Die Zuschauer können sich auf noch nie gezeigte Illusionen freuen, die sie garantiert zum Staunen bringen werden. Bei einer besonders beeindruckenden Illusion werden Zuseher in Sekundenschnelle auf der Bühne teleportiert. Einzigartig ist auch ein von David Copperfield inspirierter Stunt. „David ging 1986 scheinbar durch die Chinesische Mauer. Diese Illusion hat Copperfield allerdings nie live auf Tournee gezeigt. Ich habe mich davon inspirieren lassen und werde live auf der Bühne, umringt von Zuschauern, durch eine Stahlplatte gehen.“

Magischer Höhepunkt ist ein lebensgefährlicher Feuer-Stunt, der für Nervenkitzel sorgt und wohl auch den legendären Harry Houdini an seine Grenzen gebracht hätte. Dabei befreit sich FAB FOX innerhalb von nur 60 Sekunden aus einer brennenden Kiste. Das Kunststück ist so riskant, dass immer die Feuerwehr und ein Pyrotechniker vor Ort sein müssen. Fab: „Ich will weg vom Klischee des Zauberers, der ein Kaninchen aus dem schwarzen Zylinder zaubert. Mein Ziel ist es zu zeigen, dass Zauberei jung, modern, laut und dynamisch sein kann!

Die immergrünen lyrischen Themen der Natur und der Liebe liefern die Farbpalette für den Beitrag von Johannes Maria Staud zum 40-jährigen Jubiläum des Klangforum Wien. Den Komponierpinsel taucht er tief ins Glas von Franz Schubert und holt dessen Schöne Müllerin behutsam in die Gegenwart. In der Instrumentation für 19-köpfiges Ensemble leuchten „die vibrierende Melodik und Erfindungsgabe“ Schuberts auf, ohne den fahlen Abglanz einer falsch verstandenen Historizität. Doch dazwischen schimmern noch ganz andere Klangfarben, in sieben Staud-Vertonungen von Gedichten Emily Dickinsons. Sie lebte und schrieb nur wenige Jahrzehnte nach Schubert und „seinem“ Dichter Wilhelm Müller, auch sie verfasste Verse über Natur und Liebe – doch scheint Dickinson nicht nur einen realen Ozean sondern auch gedanklich meilenweit entfernt. Bei Schubert/Müller bleibt die Frau Projektionsfläche für männliches Begehren, während Dickinson ihre Stimme für weibliche Selbstbestimmung erhebt. Nur zehn ihrer 1.789 Gedichte veröffentlichte sie zu Lebzeiten, und das anonym – eine Frau habe nicht zu dichten, so ihr Vater. Emily Dickinson kritisierte religiöse Dogmatik und formulierte freie Gedanken über Lebens- und Liebesfragen. Sie war belesen und gut informiert über politische Debatten. Zugleich faszinierten sie Terminologie und Sprachduktus der Naturwissenschaften. Daraus entstand ein experimentierfreudiger Stil, der erst nach ihren Lebzeiten wirklich geschätzt wurde. Trotz aller Unterschiede findet Johannes Maria Staud in seinem Zyklus Bezüge zwischen der Welt der Schönen Müllerin und den Gedanken von Emily Dickinson – die sich übrigens wünschte, dass ihre Lyrik „tenderly“, also zärtlich gelesen werden sollte.

Neue Musik auf der Couch ist der doppeldeutige Titel von Thomas Wallys Sendereihe auf Ö1. Das Sofa ist natürlich ein geeigneter Hörort für Musik aus dem Radio. Doch die Couch gibt es auch beim Psychoanalytiker, und da geht es ans Eingemachte. Genau wie in Wallys Sendung, in der er seit 2021 ausgewählte Stücke aus dem 20. und 21. Jahrhundert zur Analyse heranzieht – scharf, erkenntnisbringend und unterhaltsam. Von Bartók und Webern über Boulez und Ligeti bis zu Haas und Saunders haben schon viele große Namen in ihre kompositorischen Tiefen blicken lassen. Nun bringt Wally das Konzept auf die Bühne – diesmal aber mit einer Musik, die es so nicht gibt. Sie existiert nur in auskomponierter Co-Existenz mit der Analyse. Die wird zum eigentlichen Werk. In sezierten Ausschnitten nimmt sich Thomas Wally als Sprecher dem Stück mit dem zwölfköpfigen Wiener Ensemble Studio Dan an. Inspiriert ist das fiktive Werk von literarischen Musik-Beschreibungen: Virginia Woolfs The String Quartet, in der sie den Bewusstseinsstrom einer Person im Konzertpublikum beschreibt; Charlie Parker plays Bossa Nova von Haruki Murakami; und dem Dr. Faustus von Thomas Mann, inklusive einiger erfundener Kompositionen des Protagonisten, dem Komponisten Adrian Leverkühn. Es soll einst musikwissenschaftliche Seminare gegeben haben, in denen nur analysiert und gar keine Musik gehört wurde. Bei Thomas Wally geht beides wunderbar zusammen. Und so wie auf der freudschen Couch können diese Einblicke in tiefere Schichten zu einem besseren Verständnis und mehr Freude an der Musik führen – das ist Wallys Ziel.

Die ständige Überreizung durch Social Media schickt uns auf die Dopamin-Achterbahn, ständig brauchen wir Nachschub. Der Vergleich mit Drogenmissbrauch liegt nahe. Das ultradigitalisierte Leben mit seiner permanenten Flut an Bildern und Informationen führt uns weg von der Erfahrung der Realität. Pierre Jodlowsky, französischer Komponist, thematisiert diesen Zustand, bleibt jedoch nicht beim bloßen Appell zu mehr Achtsamkeit. Die Halluzination nämlich sei noch realer als die gewöhnliche Realität, so empfand es der Dichter und Maler Henri Michaux (1899-1984). Seine Experimente mit psychotropen Substanzen zeigten ihm Alternativen auf, die er, einmal erfahren, nicht mehr vergessen konnte. Halluzination, so Michaux, korrespondiere fehlerfrei mit dem „inneren“ Bild – sie sei „synergetisch, synthetisch und ganz“. Was also bleibt übrig von dem, was wir für die Realität halten, wenn man in digitalen Welten verloren geht – oder sein Gehirn mit Substanzen stimuliert? Daraus hat Jodlowsky ein rasantes Multimedia-Stück mit dem Schweizer HYPER DUO entwickelt: Limbus. Ein großer Screen hinter der Bühne dient als Portal in eine andere Welt. In dieser erleben Gilles Grimaitre (Klavier, Synthesizer) und Julien Mégroz (Percussion, Elektronik) einen surrealen Roadtrip mit Autorennen, Jagdszenen im Wald, einer gefährlichen Tattookünstlerin und furchteinflößenden Kreaturen. Dabei transformieren sich auch ihre Identitäten. Bald bricht die Trennung der Welten auf, Bühne und Screen kontaminieren sich gegenseitig und auch das Publikum ist eingeladen, Schlafmasken aufzusetzen, um kollektive auditive Halluzinationen zu erleben. Wer hat Angst vor dieser technoinduzierten Realität?

Menschliche Kreativität und technologische Entwicklungen gehören qua natura eng zusammen. Das Ensemble Chromoson zeigt in seinem Programm σύν/syn die vielfältigen transdisziplinären Ausdrucksformen, die möglich sind, wenn Musik, Kunst und Technologie in einen symbiotischen Dialog treten. Von tüftlerischem DIY-Geist geprägt ist die Arbeit von Fabio Machiavelli. In seinem geräuschhaften Stück Aluminium Bridges präpariert er die Instrumente mit Klettverschlüssen. Für Klangspuren hat er es nochmal in die Werkstatt genommen und präsentiert eine neue Fassung. 13 Jahre nach seiner Entstehung gilt Point Ones von Alexander Schubert längst als postdigitaler Musik-Klassiker. Hier steuert der Dirigent mit Bewegungssensoren den Ensembleklang in Echtzeit. Katarina Gryvul spürt in ihrem gleichnamigen Stück für elektronisch erweitertes Ensemble dem Gefühl der Solastalgia nach. Der Begriff beschreibt das Bedauern über den Verlust eines Lebensraumes, mit dem man sich identifiziert hat – oder mit der Melancholie des bevorstehenden Verlustes. Einen konkret bedrohten Lebensraum zeigt Tine Surel Lange in Arctic Creatures: Repparfjord. Dieser Fjord in Nord-Norwegen ist von der Umweltzerstörung durch Mineralienabbau gefährdet. Ein poetisches Video wirft die Frage auf, ob der Mensch die Erde eines Tages neuen Kreaturen überlassen muss. Kelley Sheehan verklanglicht und visualisiert das Phänomen der „Brainzaps“: kurze elektrische Schläge im Gehirn, die mit Derealisation einhergehen können. Hinzu kommen neue Kompositionen von Hannes Hölzl und einem der Mitgründer von Chromoson, Hannes Kerschbaumer – beides Werke für Ensemble, Elektronik und Video.

„Mega Gaga“ kommentiert ludwig_w_mueller auf youtube unter dem Musikvideo zu „Pickedem“, dem Titelstück des Debütalbums von Synesthetic4. Der User TheTherapert gesteht wiederum: „Ich bin verwirrt … irgendwie saugut“. Der Vibe des Wiener Quartetts um Klarinettist Vincent Pongrácz wäre damit ganz gut eingefangen – schräg, humorvoll und unerwartet ist der Sound, der neben Jazz auch Einflüsse aus Rap, Elektronik und zeitgenössischer Musik in sich aufnimmt. Wenn Pongrácz die Klarinette zur Seite legt, rappt er in dadaistischer Nonsense-Sprache, die genauso nach Reggae-Slang wie nach einem seltenen niederländischen Dialekt klingen kann. Mit seinen Mitstreitern Peter Rom (Gitarre), Manu Mayr (E-Bass) und Andreas Lettner (Drums) hat er dafür ganz seriöse Auszeichnungen von der Deutschen Schallplattenkritik und dem Österreichischen Jazzpreis eingeheimst. Im Mai 2025 erschien das dritte Studioalbum Bread, das Synesthetic4 bei Klangspuren im Innsbrucker p.m.k. präsentieren. Auch wenn der Sound seinen schrägen Vorgängeralben in nichts nachsteht, klingen in der Kommentarspalte diesmal auch andere Töne an. So schwärmt iambossa: „Dieses Musikvideo fühlt sich an wie ein Traum, in den ich immer wieder eintauchen möchte.“

Katarina Gryvul lebt in verschiedenen Welten - oberflächlich gesehen. Sie studierte Violine und Komposition in Polen, produzierte nebenbei pop-infizierte elektronische Musik und arbeitete auch als Komponistin in der Game-Industrie. Doch auf ihrem neuesten Album SPOMYN, das sie bei Klangspuren präsentiert, wird mehr denn je deutlich, wie die unterschiedlichen Ästhetiken ineinanderfließen und etwas Drittes jenseits aller Grenzen entstehen lassen können. Unverblümte Emotionen durchbrechen teils brachial die strukturelle Finesse der Kompositionen, engelsgleiche Stimmen schichten sich auf und schieben sich hinein in hochaufgelöste Digitalklänge. SPOMYN, auf Deutsch: Erinnerung, spiegelt musikalisch wider, was Katarina Gryvul auch konzeptuell behandelt: Den Kern des Individuums, die Einzigartigkeit unseres Wesens, beides nicht nur durch unsere Erfahrungen, sondern auch durch die unserer Vorfahren geformt. In jedem Track flimmert etwas Verlorenes, Verzerrtes, fast Vergessenes auf, das aber subkutan die Persönlichkeit im Jetzt beeinflusst. Auch wenn Gryvul den Krieg in ihrer Heimat künstlerisch nicht direkt behandeln will, lebt sie seit drei Jahren doch auch in einer neuen Welt. In der ist etwas zerbrochen, die Erinnerung an ein Vorher ist verschwommen.

Der Spiegel ist das Grundmotiv dieses Konzerts – inspiriert von der „Tabula Smaragdina“, ein Grundlagentext der Alchemie, der bis heute fasziniert und Hermes Trismegistos zugschrieben wird. Gewissermaßen spiegeln sich das italienische Quartetto Maurice und die SoloVoices aus der Schweiz – nicht nur in der Anzahl ihrer Mitglieder, auch in der Kohärenz der Klangfarben, hier das Streichquartett, dort die vier Stimmen. Bernhard Lang und Justė Janulytė begeben sich in das Spiegelkabinett und spielen mit den Reflektionen und Dopplungen, die sich ergeben, wenn man beide Ensembles zusammenbringt. Lang bezieht sich in Mirror Games auf die „Tabula Smaragdina“. Symmetrie in Klang und Struktur, gekrümmte Spiegelungen durch nicht ganz deckungsgleiche Loops, Verdopplungen und Vervierfachungen, aber auch Reduktionen auf die Duo-Besetzung verleihen diesem Stück Struktur. Die litauische Komponistin Justė Janulytė lässt die acht Musiker:innen in einem Kreis sitzen. Ihr Werk Nodo Infinito ist inspiriert vom buddhistischen Symbol des endlosen Knotens, der den ewigen Zyklus von Leben, Tod und Wiedergeburt repräsentiert. Ursache und Effekt sind hier letztlich Spiegelbilder ein und desselben Prinzips. In ihrem „monochromen“ Stil komponiert Janulytė langsame Wellen, ein Auf und Ab der Intensität, in der Streich- und Vokalquartett nie ganz im selben Tempo navigieren. Über (oder unter) allem steht die Frage: Sind wir wirklich die, die wir im Spiegel sehen?

Der Spiegel ist das Grundmotiv dieses Konzerts – inspiriert von der „Tabula Smaragdina“, ein Grundlagentext der Alchemie, der bis heute fasziniert und Hermes Trismegistos zugschrieben wird. Gewissermaßen spiegeln sich das italienische Quartetto Maurice und die SoloVoices aus der Schweiz – nicht nur in der Anzahl ihrer Mitglieder, auch in der Kohärenz der Klangfarben, hier das Streichquartett, dort die vier Stimmen. Bernhard Lang und Justė Janulytė begeben sich in das Spiegelkabinett und spielen mit den Reflektionen und Dopplungen, die sich ergeben, wenn man beide Ensembles zusammenbringt. Lang bezieht sich in Mirror Games auf die „Tabula Smaragdina“. Symmetrie in Klang und Struktur, gekrümmte Spiegelungen durch nicht ganz deckungsgleiche Loops, Verdopplungen und Vervierfachungen, aber auch Reduktionen auf die Duo-Besetzung verleihen diesem Stück Struktur. Die litauische Komponistin Justė Janulytė lässt die acht Musiker:innen in einem Kreis sitzen. Ihr Werk Nodo Infinito ist inspiriert vom buddhistischen Symbol des endlosen Knotens, der den ewigen Zyklus von Leben, Tod und Wiedergeburt repräsentiert. Ursache und Effekt sind hier letztlich Spiegelbilder ein und desselben Prinzips. In ihrem „monochromen“ Stil komponiert Janulytė langsame Wellen, ein Auf und Ab der Intensität, in der Streich- und Vokalquartett nie ganz im selben Tempo navigieren. Über (oder unter) allem steht die Frage: Sind wir wirklich die, die wir im Spiegel sehen?

Schon klar: Offiziell war es kein Comeback, als Tagtraeumer sich im Juli 2023 mit der ersten neuen Musik seit viereinhalb Jahren zurückmeldeten - schließlich hatten sie sich nie offiziell getrennt. Nah dran waren sie trotzdem, was ihr Nicht-Comeback umso besonderer machte. Denn sie hätten nicht weitermachen müssen – sie wollten es. Tom, Kevin und Tobias mussten alles ablegen, was mit dem Stempel "Eine der erfolgreichsten Bands Österreichs" einherging - und sich auf das besinnen, was sie ursprünglich verband: ihre Freundschaft.

Womöglich liegt darin der Grund, dass ihr Songwriting nun fokussierter wirkt als je zuvor. Die Bilder? Noch stärker. Die Melodien? Noch eingängiger. Und die Emotionen? Noch intensiver gefühlt.

Berge, wohin das Auge schaut. Für eine europäische Großstadt weist Innsbruck eine ganz besondere Kulisse auf. Die Lage, eingebettet zwischen Nordkette und Patscherkofel, hat nicht nur ihren optischen Reiz. Die hohen Gebirgszüge wirken auch auf die Akustik der Stadt ein. Sie verstärken und verstetigen die Klänge aus dem Tal, allen voran das beständige Röhren der Inntalautobahn. 28 Millionen Fahrzeuge fuhren 2024 über die A12 und sorgen für ein beständiges Grundrauschen an dieser urbanisierten Passage des Inns. Ein Fall für Hannes Strobl: Der Bassist ist nicht nur gebürtiger Innsbrucker, sondern auch akustischer Stadtforscher. Seit Jahrzehnten erkundet er urbane Umgebungen mit Ohren, Mikrofon, E-Bass und Elektronik. Städtische Architektur versteht er als eine „Sound Box“, die die Klänge unserer Umwelt reflektiert und resonieren lässt. Die Klangumgebung wird in Strobls Arbeiten zum Instrument und umgekehrt. Ganz entscheidend ist dabei auch der Raum, der in den Köpfen der Hörer:innen aufgetan wird: Sie sind es, die mit ihrer individuellen Wahrnehmung die auditiven Zwischenräume auffüllen. Für „Resonance IBK“ hat sich Hannes Strobl mit zwei weiteren Tirolern zusammengetan. Der Wahlberliner Elektronik-Geek Mike Daliot – mit dem erfolgreichen Software-Synthesizer „Native Instruments MASSIVE“ hat er neue digitale Klangräume in der Musikproduktion eröffnet – reichert die Komposition um Live-Elektronik an. Klangspuren-Leiter Christof Dienz steuert eine Komposition für vier Posaunen bei. Basis von „Resonance IBK“ sind Fieldrecordings, die simultan auf beiden Talseiten des Inntals entstanden sind. Die vorproduzierten und live gespielten Elemente treffen in der ehemaligen Fabrikhalle St. Bartlmä auf die akustische Präsenz der Innsbrucker Live-Soundscapes.

"Martina Schwarzmann macht was Sie will" so heißt ihr neues Programm und jetzt zieht sie´s durch! Was Sie an dem Abend machen wird, überlegt sie sich noch.

Woher will man auch wissen, was man in einem halben Jahr möchte oder am nächsten Tag…
Vielleicht spielt sie was Neues, vielleicht aber auch ein paar Klassiker, die so alt sind, dass sich keiner mehr dran erinnern kann… Ist das wahr? Wer weiß?
Gut und zeitlos sind nur zwei "Wiewörter", die man in einem Aufsatz über sie benutzen könnte.

Manchmal wenn Martina Schwarzmann unleidig wird, dann schicken die Kinder sie raus zum Spielen.
Das macht sie dann, sie spielt für Euch!
Aus Liebe mit Leidenschaft, um die Freude, den Frieden und den Eierkuchen in Euer Leben zu bringen. Sie spielt für alle und es geht um Alles!

THE MAGIC OF ABBA ist so nah am einzigartigen ABBA Sound wie keine andere vergleichbare Show! Seit über 25 Jahren begeistern und begeisterten sie das Publikum in mehr als 30 Ländern weltweit. Europas NO1 ABBA Concert Show - jetzt noch größer und spektakulärer als je zuvor.

Deshalb ist es an der Zeit, den Glitzer-Anzug aus dem Schrank zu holen und die Plateauschuhe anzuziehen. Machen Sie sich bereit für eine unvergessliche Zeitreise in die 70er (und Anfang 80er)! Tauchen Sie ein in die Magie der schwedischen Kult-Band - mit dieser mitreissenden ABBA Concert Show. Singen Sie mit zu den großen Hits, tanzen Sie im Takt der unverwechselbaren Melodien und lassen Sie sich von der Energie und dem Glamour dieser unvergesslichen Musik verzaubern. Werden Sie ein Teil dieser einzigartigen Show und erleben Sie die Faszination, die ABBA Fans jeden Alters verbindet. Beamen wir uns gemeinsam für zwei Stunden zurück in die 70er und Anfang 80er - eine Zeit, in der Musik Herzen eroberte und Träume wahr werden ließ.

20 Jahre STAHLZEIT - Die Jubiläumstour

RAMMSTEIN hat mit brachialem Sound, rauer Attitüde und dem Spiel mit dem Feuer ein weltweit einzigartiges Genre geschaffen. Die Shows sind explosive Inszenierungen und fulminante Gesamterlebnisse. RAMMSTEIN hat mit den aktuellen Stadion-Shows alle Rekorde gebrochen und ist aktueller denn je.

Nun darf man sich durchaus die Frage stellen, ob sich solch ein gigantisches Konzept auch jenseits der Stadien umsetzen lässt, ohne dass es zu einem RAMMSTEIN-Abklatsch auf kleiner Flamme verkommt. Die Antwort ist: STAHLZEIT kann das!

STAHLZEIT zollt mit einer gigantischen neuen Show den Originalen Tribut und verneigt sich vor dem Kunstwerk RAMMSTEIN. STAHLZEIT wird zu Recht als die Nummer 1 unter den Tribute Shows gehandelt.

Mit enorm großem Aufwand kreiert STAHLZEIT seit fast 20 Jahren Shows der Superlative. Ein Team aus rund 30 Personen reist mit 2 Nightlinern und mehreren Trucks durch Europa.

STAHLZEIT lebt und atmet im Takt des musikalischen Brachial-Herzschlags. Durch die Adern fließt der unstillbare Drang auf der Bühne neue Dimensionen zu kreieren, die mit den Grenzen des Vorstellbaren kokettieren.

Die Pyroshow wird so kompromisslos und spektakulär umgesetzt, dass man bei STAHLZEIT die Hitze bis zu den entferntesten Plätzen spüren kann. Schweiß, Feuer und diese einzigartige Energie fährt den Besuchern während der rund zweieinhalbstündigen Show durch Mark und Bein.

Nirgendwo anders lässt sich der Spirit von RAMMSTEIN so hautnah erleben.

"ZEITLOS 20" heißt die Tour 2025. STAHLZEIT feiert mit einer großen Jubiläumstour das 20-jährige Bestehen. Es ist eine Reise durch alle Schaffensphasen des Originals. STAHLZEIT bleibt ZEITLOS und erfindet sich dennoch neu. Langjährige Fans dürfen sich auf eine konsequente Weiterentwicklung der Show freuen und neue Zuschauer werden mitgerissen sein von einem gewaltigen Konzerterlebnis. ZEITLOS 20 muss man sehen. Spüren, riechen und hören.

Die spektakulärste RAMMSTEIN Tribute Show füllt die großen Hallen. Die Jahrhunderthalle Frankfurt, Filharmonie Stuttgart, Circus Krone München, Wunderino Arena Kiel, Columbiahalle Berlin und viele weitere Locations werden im Beifall untergehen.

STAHLZEIT. Wenn Hitze, Sound und Emotionen zu einer gewaltigen Einheit verschmelzen.