„Dornröschen“ gilt als das Meisterwerk des Komponisten Pjotr Iljitsch Tschaikowski. Chefchoreograph Reginaldo Oliveira interessieren neben der bezwingend schönen Ballett- musik und den zauberhaften Märchenmotiven auch die archaischen Fragen nach Gut und Böse, nach Zurückweisung und daraus folgender Rache, die dieses Märchen aufwirft.

„Besonders für diese zentralen Szenen hat Oliveira eine von klassischem Spitzentanz grundierte, originell-moderne Ballett-Sprache entwickelt, die zu Tschaikowskis Takten ausdrucksstarke Bewegungs-Phrasen entfaltet. Übereinander gleitende Soli, Duette und Gruppensequenzen sind minutiös ausgearbeitet und ideal auf die drei Solisten ausgerichtet.“ Die Deutsche Bühne

Dieser Ballettabend führt uns thematisch auf die iberische Halbinsel. Erstmals im großen Haus werden gleich drei verschiedene choreographische Handschriften an einem Abend präsentiert und unser Ballettensemble hat die Möglichkeit, seine ganze tänzerische Vielfalt und interpretatorische Bandbreite unter Beweis zu stellen.

Mit den eingängigen Melodien von Georges Bizets Oper „Carmen“ hat der Komponist Rodion Schtschedrin der Primaballerina Maya Plissetskaja ein Ballett für Streichorchester und Schlagwerk auf den Leib geschrieben, das – wie er meinte – „immer einige Grade heißer klingen soll als die Oper.“ In Valentina Turcus Choreographie stehen die seelischen Widersprüche der Protagonistin im Fokus.

Im Mittelpunkt des Ballettabends steht Reginaldo Oliveiras Ballett „Rosa“ als Annäherung an den spanischen Pop in Verbindung mit modernem Flamenco. Er begibt sich auf die Spur der Poplegende Rosalía und ihrer ungewöhnlichen Interpretation dieser leidenschaftlichen Musik. Nachdem der Chefchoreograph überaus erfolgreich mit „Fridas Welt“ dem lateinamerikanischen Esprit huldigte, wird er dieses Mal eine mitreißende, von spanischen Rhythmen und Popmusik inspirierte Choreographie erarbeiten.

„Boléro“ gab 1928 die russische Tänzerin Ida Rubinstein bei Maurice Ravel in Auftrag. Bronislawa Nijinska, die Schwester des legendären Tänzers Vaslav Nijinsky, sorgte für die Choreographie, und gemeinsam brachten sie das Werk an der Pariser Oper zur Uraufführung. Rubinstein tanzte dabei auf einem Tisch, umkreist von 20 Männern, die sich in lasziv anmutenden Bewegungen mit dem Crescendo der Musik immer weiter steigerten, bis sich die Spannung im Schlussakkord orgiastisch entlud – damals ein Skandal!

Die preisgekrönte kroatische Choreographin und Regisseurin Valentina Turcu zählt zu den international angesehensten Spezialistinnen für narrative Handlungsstücke und erhielt ihre künstlerische Prägung bei Maurice Béjart. Yonggeol Kim hat am Ballett der Pariser Oper getanzt und feiert heute in seiner koreanischen Heimat große Erfolge als Choreograph.

Reginaldo Oliveira hat in seiner Arbeit als Chefchoreograph für das Salzburger Landestheater bereits vielfältige Facetten seines choreographischen Schaffens gezeigt. Mit „Rosa“ folgt auf „Tanto…Tango!“ und „Fridas Welt“ eine Hommage an die temperamentvolle Rhythmik der iberischen Halbinsel vereint mit der modernen Interpretation der spanischen Künstlerin Rosalía.

Mike Massé - Epic Acoustic Classic Rock in Concert

Mike Massé ist ein international gefeierter Akustikkünstler, der für seine epischen Auftritte von Classic-Rock-Covern bekannt ist. Bekannt wurde er zunächst durch sein Repertoire an Covers auf seinem YouTube-Kanal, der mittlerweile über 400.000 Abonnenten und über 160 Millionen Aufrufe hat.

Massé ist ein leidenschaftlicher Musikliebhaber und ein hochgeschätzter Akustik-Performer. Seine akustischen Arrangements von Rockklassikern werden für ihre Originalität, Kreativität, Genauigkeit und Einfachheit gelobt. Er achtet darauf, den Originalaufnahmen treu zu bleiben, bringt aber gleichzeitig sein eigenes meisterhaftes musikalisches Flair in jede Wiedergabe ein. Er ist live als Sänger mit Barry Goudreau und Sib Hashian aufgetreten, den ehemaligen und ursprünglichen Mitgliedern der Band Boston, und hat ein Set aller klassischen Boston-Songs gesungen, einige der anspruchsvollsten Rocksongs, die je aufgenommen wurden. Kommen Sie und feiern Sie einige der besten Musikstücke, die jemals geschrieben wurden, bei einem intimen Abend mit epischen, akustischen Classic-Rock-Covern.

Intrigante Männer, politische Machtspiele und selbstbewusste Frauen gibt es nicht erst in Zeiten von Hollywood-Blockbustern! Georg Friedrich Händel wusste mit dem antiken Stoff über Julius Cäsar bereits 1724 gekonnt umzugehen: Giulio Cesare kommt nach Ägypten, um den jungen König Ptolemäus zu besiegen und die politische Lage zu stabilisieren. Doch der ägyptische Thron ist umkämpft, da Ptolemäus’ Schwester Cleopatra ihre Macht zurückerobern will. Sie verbündet sich mit Cesare, den ihre Intelligenz und Schönheit faszinieren und er verhilft ihr zum Sturz ihres Bruders.



Die Intrigen nehmen ihren Lauf: Cesare wird von seinen eigenen Verbündeten verraten, doch durch Cleopatras kluge List und Cesares militärische Überlegenheit gelingt es, Ptolemäus zu besiegen. Cleopatra wird die neue Herrscherin Ägyptens, Cesare geht als Sieger hervor. Die Oper endet mit einer Vereinigung von politischer Macht und persönlicher Leidenschaft; Cesare und Cleopatra bauen zusammen eine neue Zukunft auf.



Die komplexen politischen Machenschaften von Julius Cäsar waren bereits zu Händels Lebzeiten sagenumwoben und wurden ausgeschmückt: Der Komponist erschuf gemeinsam mit Nicola Francesco Haym mit „Giulio Cesare in Egitto“ ein Werk zwischen Fakten und Fiktion und dramatisierte diesen Lebensabschnitt des römischen Kaisers auf meisterhafte Weise.



Georg Friedrich Händel (1685–1759) gilt bis heute als einer der zentralsten Komponisten seiner Zeit. Seine Musik fesselt das Publikum mit kraftvollen Melodien und dramatischen Klängen, die noch heute in Konzertsälen und Opernhäusern begeistern. Bereits mit 19 Jahren eroberte er die Opernwelt: Er wirkte in Deutschland, Italien und später in London. Hier komponierte er auch „Giulio Cesare“ und profitierte bereits von seiner erfolgreichen Karriere als Opernkomponist.



Extravaganz, Entertainment und Prunk: Das Regieteam Carlo Massari und Chiara Osella beweist, dass Oper zeitlos sein kann. Mit ihren Erfahrungen in den Bereichen Choreographie und Gesang ergänzen sich die beiden Regisseur*innen bereits seit Jahren ideal bei internationalen Projekten. Gemeinsam mit Bühnenbildnerin Eleonora De Leo und Kostümbildnerin Emilia Zagnoli feiert das Team mit der Inszenierung von „Giulio Cesare“ sein Debüt am Salzburger Landestheater.

Das Wort „Triage“ ist noch nicht so lange in unserem aktiven Wortschatz verankert. Doch wir haben es kennengelernt als Beschreibung des komplexen Themas der medizinischen Prioritätensetzung unter den Bedingungen knapper Ressourcen in einem Katastrophenfall.

Prof. Blankenburg, die Leiterin einer Intensivstation, steht vor der schwierigen Aufgabe, die Verteilung lebenswichtiger Ressourcen, insbesondere von Beatmungsgeräten, zu koordinieren. Dabei werden ihre professionellen Entscheidungen durch persönliche Krisen beeinträchtigt. Vor allem der Kampf ihres Mannes mit Parkinson fordert ihre ganze Aufmerksamkeit und emotionale Kraft – was ihre Situation noch zuspitzt. Dr. Bozic wiederum ringt mit den Grundsätzen der medizinischen Ethik, während ihn zugleich die ersehnte Schwangerschaft seiner Frau und die Affäre mit seiner Kollegin Dr. Majewski umtreiben. Alle durchleben sie heftige Konflikte und moralische Dilemmata, mit denen medizinisches Personal in Extremsituationen konfrontiert wird: Vor dem Hintergrund einer weitreichenden Brandkatastrophe und der daraus resultierenden Überlastung der Klinik wird eine hoch angespannte Atmosphäre geschaffen, die die Ärzt*innen zu schnellen, oft kaum erträglichen Entscheidungen über Leben und Tod zwingt.

„Triage“ beleuchtet eindringlich die rohe Realität derjenigen, die mit den Schattenseiten ihrer Berufung konfrontiert werden, wo jedes Für oder Wider das Potenzial hat, sowohl zu retten, als auch zu zerstören.

Maya Arad Yasur, geboren 1976 in Israel, studierte Dramaturgie an der Universität Amsterdam und arbeitete als Produktionsdramaturgin u.a. in den Niederlanden und in Israel. Ihre Stücke wurden u.a. mit dem ersten Preis beim Dramatikerwettbewerb des ITI (International Theatre Institute) und der UNESCO, dem Stückemarktpreis des Berliner Theatertreffens und 2019 vom deutschsprachigen und französischen Komitee von EURODRAM ausgezeichnet.

Ebru Tartıcı Borchers wurde in Hatay/Türkei geboren. Nach einem Schauspielstudium in Ankara und Engagements in der Türkei arbeitet sie seit 2015 auch in Deutschland. An der Universität Mozarteum Salzburg absolvierte sie 2022 ihr Regiestudium. Als Regisseurin arbeitete sie u.a. am Badischen Staatstheater Karlsruhe, am Theater Osnabrück, dem Staatstheater Mainz und am Stadttheater Gießen. Seit der Spielzeit 2024/2025 ist sie Hausregisseurin am Oldenburgischen Staatstheater.

PIPPO POLLINA mit kammarmusikalischem Quartett
La vita è bella così com’è / Das Leben ist schön so wie es ist

Pippo Pollina, der vielseitige sizilianische Musiker, ist einer der kreativsten Künstler in der europäischen Singer-Songwriter-Szene und seit mehr als dreißig Jahren unterwegs. Unzählige Plattenproduktionen, internationale Tourneen, prestigeträchtige Kollaborationen verleihen ihm einen besonderen Status, den er sich durch Kontinuität und Engagement sowohl im Studio als auch live auf der Bühne erarbeitet hat.
Begleitet von der Cellistin Cecile Grüebler, der Pianistin Elisa Sandrini und dem Klarinettisten Roberto Petroli wird er das neue Projekt mit kammermusikalischem Charakter in der SZENE Salzburg auf die Bühne bringen.

Auf ihrer großen Jubiläumstournee haben sie nicht nur jahrzehntelange Musikgeschichte im Gepäck - sondern ebenfalls einen neuen musikalischen Leiter. Alexander Wurz führt die Egerländer Tradition mit frischem Klang und eigener Handschrift in die Zukunft. Und auch, wenn die "Original Egerländer Musikanten” sich immer wieder neu erfinden - das Orchester steht wie kaum ein anderes für gelebte musikalische Kontinuität, handwerkliche Präzision und Blasmusik auf allerhöchstem Niveau.

Seit der Gründung durch Ernst Mosch im Jahr 1956 haben sich die "Original Egerländer Musikanten" weltweit einen Namen gemacht. Mosch prägte den typischen, emotionalen und zugleich swingenden Klang. Ernst Hutter führte das Orchester während der letzten 25 Jahre mit eigenen Arrangements und einer neuen Generation an Solisten ins 21. Jahrhundert und ebnete mit "seinen Egerländern”, seiner Beharrlichkeit und seinen Visionen den Weg für die heute überall spürbare Blasmusik-Begeisterung in allen Generationen. Nun folgt mit Alexander Wurz der nächste Schritt: Der 39-jährige Tenorhornist und Dirigent, selbst seit 15 Jahren Teil des Orchesters, wurde von Ernst Hutter als Nachfolger ausgewählt. Mit ihm bleibt das Ensemble seiner Linie treu – und ist gleichzeitig voll im Hier und Jetzt angekommen.

Wurz macht das, was Mosch und Hutter vor ihm getan haben: Das Orchester mit Gefühl für die Tradition weiterentwickeln, neue Impulse setzen - und die Musik mit Leidenschaft in die Zukunft tragen.

Das Wort „Triage“ ist noch nicht so lange in unserem aktiven Wortschatz verankert. Doch wir haben es kennengelernt als Beschreibung des komplexen Themas der medizinischen Prioritätensetzung unter den Bedingungen knapper Ressourcen in einem Katastrophenfall.

Prof. Blankenburg, die Leiterin einer Intensivstation, steht vor der schwierigen Aufgabe, die Verteilung lebenswichtiger Ressourcen, insbesondere von Beatmungsgeräten, zu koordinieren. Dabei werden ihre professionellen Entscheidungen durch persönliche Krisen beeinträchtigt. Vor allem der Kampf ihres Mannes mit Parkinson fordert ihre ganze Aufmerksamkeit und emotionale Kraft – was ihre Situation noch zuspitzt. Dr. Bozic wiederum ringt mit den Grundsätzen der medizinischen Ethik, während ihn zugleich die ersehnte Schwangerschaft seiner Frau und die Affäre mit seiner Kollegin Dr. Majewski umtreiben. Alle durchleben sie heftige Konflikte und moralische Dilemmata, mit denen medizinisches Personal in Extremsituationen konfrontiert wird: Vor dem Hintergrund einer weitreichenden Brandkatastrophe und der daraus resultierenden Überlastung der Klinik wird eine hoch angespannte Atmosphäre geschaffen, die die Ärzt*innen zu schnellen, oft kaum erträglichen Entscheidungen über Leben und Tod zwingt.

„Triage“ beleuchtet eindringlich die rohe Realität derjenigen, die mit den Schattenseiten ihrer Berufung konfrontiert werden, wo jedes Für oder Wider das Potenzial hat, sowohl zu retten, als auch zu zerstören.

Maya Arad Yasur, geboren 1976 in Israel, studierte Dramaturgie an der Universität Amsterdam und arbeitete als Produktionsdramaturgin u.a. in den Niederlanden und in Israel. Ihre Stücke wurden u.a. mit dem ersten Preis beim Dramatikerwettbewerb des ITI (International Theatre Institute) und der UNESCO, dem Stückemarktpreis des Berliner Theatertreffens und 2019 vom deutschsprachigen und französischen Komitee von EURODRAM ausgezeichnet.

Ebru Tartıcı Borchers wurde in Hatay/Türkei geboren. Nach einem Schauspielstudium in Ankara und Engagements in der Türkei arbeitet sie seit 2015 auch in Deutschland. An der Universität Mozarteum Salzburg absolvierte sie 2022 ihr Regiestudium. Als Regisseurin arbeitete sie u.a. am Badischen Staatstheater Karlsruhe, am Theater Osnabrück, dem Staatstheater Mainz und am Stadttheater Gießen. Seit der Spielzeit 2024/2025 ist sie Hausregisseurin am Oldenburgischen Staatstheater.

Koch- und Buntwäsche 90° - das Debüt-Programm von Schleudergang geht auf große Tournee. Die aus dem musikalischen "Bermudadreieck" (Alkofen-Lalling-Freyung) stammenden Niederbayern und Musik-Kabarettisten werden Sie nicht nur in eine Zeit "zurückschleudern", wo das Bier noch braun war und die Madl sittsam - kurz um, in die "guade oide Zeit", sondern auch auf die Tücken des heutigen Alltags offenlegen.
Verpackt in Couplets, Gedichten und Geschichten lernen Sie z.B. "Pavel", den etwas anderen Autospezialisten aus Tschechien kennen. Verfolgen Sie eine Deutschstunde mit dem Oberlehrer Raimund und seinen ganz und gar nicht interessierten Schülern oder bedauern Sie "Flori" beim Sturz vom Baugerüst.
Es erwartet Sie etwas völlig Unerwartetes! Und auf eines sei vorneweg schon hingewiesen: Für eventuelle Risiken und Nebenwirkungen übernimmt Schleudergang keine Haftung, denn für Lachmuskelkater fragen Sie bitte Ihren Arzt oder Apotheker!

Die Welt, die große und die kleine, die nahe und die ein wenig weiter weg gelegene, braucht Umarmung, braucht Umarmungen. Vielleicht dieser Tage tatsächlich mehr noch als je zuvor.

Und die neue, vielleicht etwas unerwartete, gar un-verhoffte Single von 'Naked Lunch', ihre erste Veröffentlichung seit sieben Jahren, zehn Jahre nach dem Soundtrack zum Film JACK, zwölf Jahre nach ALL IS FEVER, ihrem bislang letzten Album, ist ein Song wie eine Umarmung. Eine kräftige, eine herzliche, eine, dare we say, wahrhafte. Also dann - und nur dann! - noch schöner und wirksamer, wenn sie erwidert wird, zurückgegeben, weitergetragen …

Oliver Welter, seit 1991 Stimme, Herz und Hirn der damals Klagenfurter Band, zelebriert von Wien aus mit den Mitmusikern Boris Hauf und Alex Jezdinsky, sowie Produzent Wolfgang Lehmann, nichts weniger als das Leben, die mit so vielen Brüchen ungebrochene Liebe zum Leben mit all seinen Freuden, Ekstasen und Möglichkeiten, verfallenen und gehaltenen Versprechen, (aufgelösten) Widersprüchen, (überwundenen) Widrigkeiten und Widerständen - "to the fall of every fascist".

Pop im allerbesten Sinne, schöpft der Song seine Minuten transzendierende Dauer und Gültigkeit aus den in ihm nachgezeichneten und gestreiften intensiven und so kostbar wahrgenommenen Momenten, spezifisch und universell zugleich: "to places where we drink - when we laugh and cry / to those faces we need - when we’re high and dry / to stories I’ve been told - to the truth and to the lie / to all and everyone I love". Und: "to those kids out on the streets taking care of human needs / to Billy Wilder movies and to holidays in Greece / to wind in my hair and snow on my tongue / to all and everyone I love."

So singt sich TO ALL AND EVERYONE I LOVE wie von selbst mit, ein Instant-Chor potentiell vieler (!) Stimmen der Selbstermächtigung und Selbsterkenntnisse, eine Hymne der hemmungslosen Empathie, die offen auf sich als Prinzip besteht. Womöglich pathetisch, aber ein menschliches, nicht überhöhendes, nie ausschließendes Pathos, das nicht zuletzt ganz klar davon erzählt, dass das Projekt Mensch (noch!) nicht zwingend gescheitert ist oder scheitern muss.

Und genau so geht TO ALL AND EVERYONE I LOVE, die Single, dem neuen Naked-Lunch-Album LIGHTS AND A SLIGHT TASTE OF DEATH voran. Jeder Takt, jeder gesungene Satz, jedes Sound-Detail macht zugleich schon für sich klar, warum wir Naked Lunch gerade heute brauchen und es unendlich schön ist, dass sie zurück sind: Jetzt und so!

EMMVEE ist back und verschiebt spielerisch die Grenzen des Humors! In seinem neusten Programm lädt er das Publikum ein, gemeinsam mit ihm herauszufinden: Was darf Comedy eigentlich? Der Gedanke, dass alle gleich sind, steht dabei an erster Stelle. EMMVEE macht Witze über alles und jeden und teilt Erfahrungen aus seinem eigenen Leben. Dabei setzt er seinen unwiderstehlichen Charme ein und zieht das Publikum mit seinem typischen humorvollen Augenzwinkern in seinen Bann. Durch eine gelungene Mischung aus Interaktionen mit dem Publikum und messerscharfen Pointen wird EMMVEEs Show zu einem einzigartigen Erlebnis. Danach darf sich das Publikum selbst die Frage stellen: War das zu hart?

Zuerst erklärt uns der Hesse, warum wir uns meistens den „Wörscht Käs“ ausdenken anstelle des „Best Käs“. Und warum so viele Gedanken der Kategorie „Ich-hab-einen-an-der-Waffel“ durch unseren Kopf sausen.
Die Fallbeispiele, die Maddin hier liefert sind schreiend komisch: Was zum Beispiel, wenn ein Vögelchen durch das offenstehende Fenster fliegt und sich auf das Hebelchen des Toasters setzt?
Auf hessisch-bodenständige Art gibt er Tips für den Umgang mit negativen Gedankenmustern. So unterrichtet er das Publikum in der sogenannten „Scheiß-druff-Programmierung“ - übrigens schon von seiner Oma erfolgreich angewandt. Auch das Thema Resonanz wird anhand einfacher Fragestellungen beleuchtet: Warum ziehe ich immer nur rothaarige Frauen mit Fleischwurst-Intoleranz in mein Leben? Warum leiden alle meine Partner am Schnarch-Knirsch-Syndrom?
Der Komiker Maddin Schneider gewährt dem Publikum in seinem neuen Programm einen freien Blick ins Oberstübchen. Dort tummeln sich die aberwitzigsten Gedanken.
Bis zu 80 000 pro Tag! Schon verrückt, was einem den lieben langen Tag bis in die Nacht hinein durch den Kopf geht. Vom hessischen Säbelzahntiger bis zum gelben Sonntagssack - von außen betrachtet sind die absurden Gedankengänge des Mr. Aschebeschär brüllend komisch. Von Innen fühlt es sich oft eher an wie Self-Mobbing.
Was tun, um dem Wahnsinn zu entfliehen? Wenn man in "babbische Gedanke" festklebt? Maddin gibt Tips, wie man zum Beispiel negative Gedanken einfach wegföhnen kann.

Intrigante Männer, politische Machtspiele und selbstbewusste Frauen gibt es nicht erst in Zeiten von Hollywood-Blockbustern! Georg Friedrich Händel wusste mit dem antiken Stoff über Julius Cäsar bereits 1724 gekonnt umzugehen: Giulio Cesare kommt nach Ägypten, um den jungen König Ptolemäus zu besiegen und die politische Lage zu stabilisieren. Doch der ägyptische Thron ist umkämpft, da Ptolemäus’ Schwester Cleopatra ihre Macht zurückerobern will. Sie verbündet sich mit Cesare, den ihre Intelligenz und Schönheit faszinieren und er verhilft ihr zum Sturz ihres Bruders.



Die Intrigen nehmen ihren Lauf: Cesare wird von seinen eigenen Verbündeten verraten, doch durch Cleopatras kluge List und Cesares militärische Überlegenheit gelingt es, Ptolemäus zu besiegen. Cleopatra wird die neue Herrscherin Ägyptens, Cesare geht als Sieger hervor. Die Oper endet mit einer Vereinigung von politischer Macht und persönlicher Leidenschaft; Cesare und Cleopatra bauen zusammen eine neue Zukunft auf.



Die komplexen politischen Machenschaften von Julius Cäsar waren bereits zu Händels Lebzeiten sagenumwoben und wurden ausgeschmückt: Der Komponist erschuf gemeinsam mit Nicola Francesco Haym mit „Giulio Cesare in Egitto“ ein Werk zwischen Fakten und Fiktion und dramatisierte diesen Lebensabschnitt des römischen Kaisers auf meisterhafte Weise.



Georg Friedrich Händel (1685–1759) gilt bis heute als einer der zentralsten Komponisten seiner Zeit. Seine Musik fesselt das Publikum mit kraftvollen Melodien und dramatischen Klängen, die noch heute in Konzertsälen und Opernhäusern begeistern. Bereits mit 19 Jahren eroberte er die Opernwelt: Er wirkte in Deutschland, Italien und später in London. Hier komponierte er auch „Giulio Cesare“ und profitierte bereits von seiner erfolgreichen Karriere als Opernkomponist.



Extravaganz, Entertainment und Prunk: Das Regieteam Carlo Massari und Chiara Osella beweist, dass Oper zeitlos sein kann. Mit ihren Erfahrungen in den Bereichen Choreographie und Gesang ergänzen sich die beiden Regisseur*innen bereits seit Jahren ideal bei internationalen Projekten. Gemeinsam mit Bühnenbildnerin Eleonora De Leo und Kostümbildnerin Emilia Zagnoli feiert das Team mit der Inszenierung von „Giulio Cesare“ sein Debüt am Salzburger Landestheater.

Der Ingenieur Walter Faber alias „Homo faber“ (schaffender Mensch) ist ein analytisch denkender Mathematiker, der sich die Welt durch Fakten und klare Strukturen erklärt und nicht an Zufälle glaubt. Ausgerechnet dieser nüchterne Faber gerät in einen Strudel schicksalhafter Ereignisse. Auf einer Schiffspassage von New York nach Europa verliebt er sich in die weitaus jüngere Sabeth. Die heitere Reisegefährtin erinnert ihn an Hanna, seine Jugendliebe. Auch für Sabeth wird die gemeinsame Reise eine schicksalhafte Begegnung mit ihrer eigenen Identität.



Max Frisch verarbeitet in seinem 1957 erschienenen Roman, der zum Bestseller wurde, neben autobiographischen Elementen zentrale Kernthemen seines Werks: den Konflikt zwischen persönlicher Identität und sozialer Rolle, die Bestimmung des Daseins durch Zufall oder Schicksal, die misslungene Beziehung zwischen den Geschlechtern und das verfehlte Leben. Im Fokus steht der Gegensatz von Technik zu Natur und Mythos.




Max Frischs Werk gehört zu den Grundpfeilern des Salzburger Spielplans. Für die Neu-Inszenierung auf der Bühne des Landestheaters entsteht eine Bühnenfassung der Regisseurin Susanne Frieling, die den großen Text Frischs aus der weiblichen Perspektive und im Hinblick auf unseren Glauben an die Macht des Rationalen überprüft.




Max Frisch (1911–1991) erreichte mit seinen Theaterstücken wie „Biedermann und die Brandstifter“ oder „Andorra“ sowie mit seinen drei großen Romanen „Stiller“, „Homo faber“ und „Mein Name sei Gantenbein“ ein breites Publikum und fand Eingang in den Schulkanon. Im Zentrum seines Schaffens steht die Auseinandersetzung mit sich selbst, wobei viele der dabei aufgeworfenen Probleme als typisch für den postmodernen Menschen gelten, insbesondere in der Konstruktion der eigenen Biografie.