Yonatan Esterkin nach Asher Kravitz
Inszenierung: Stefan Otteni

Shosha ist eine Hündin. Und sie ist jüdisch. Zumindest sagen das die Menschen, bei denen sie lebt: ihre Familie, die sie liebt. Sie gehört zu ihr, sie gibt Shosha Sicherheit; sie kennt ihre Stimmen, ihre Gerüche, ihren Alltag. Doch etwas verändert sich, im Deutschland der 1930er Jahre. Erst ist es nur ein Tonfall. Dann ein Gesetz. Dann ein Schild am Zaun. Nachbarn schweigen, Türen fallen ins Schloss. Shosha wird von ihrer Familie getrennt, wird weitergereicht, erlebt Fürsorge, Missbrauch, Nähe und Entfremdung. Und wird dabei zum Spiegel einer Welt, in der sich Menschlichkeit Stück für Stück auflöst: eine still erlebende Figur am Rand einer entfesselten Geschichte, die in den Abgrund der Shoah führt.

SHOSHA, nach dem Roman A Jewish Dog von Asher Kravitz, erzählt die Jahre des Nationalsozialismus aus der Perspektive eines Tieres und macht so auf ungewöhnliche Weise erfahrbar, was oft sprachlos macht. Es geht um Ausgrenzung und um Loyalität, um die Frage, wer wir sind und wer wir sein dürfen. Shoshas Hundeblick ist klar, offen, frei von Hass. Sie urteilt nicht. Und gerade deshalb zeigt ihre Perspektive mit erschütternder Deutlichkeit, was passiert, wenn Menschen beginnen, einander die Menschlichkeit abzusprechen. Wenn sie aufhören, sich als Gleiche zu sehen.

Unsere Inszenierung richtet sich an ein jugendliches und erwachsenes Publikum und erzählt eine Geschichte von Verlust, aber auch von Treue, von Mut und der Sehnsucht, irgendwann und irgendwo wieder Hoffnung und Heimat zu finden.

Orcutt Shelley Miller is an avant-rock trio comprised of three highly celebrated figures of experimental music: Bill Orcutt (Harry Pussy), Steve Shelley (Sonic Youth) and Ethan Miller (Howlin Rain, Comets On Fire).

Formed in the spring of 2024, their live shows quickly became known for high energy, propulsive group improvisation and a broad dynamic of architectural melody, complex harmonics and bombastic grooves.
Following in the footsteps of the high-firing free jazz and European outer-rock bands of the ‘60s and ‘70s and the Pacific Rim’s subterranean reimagining of "rock" form in the 90s, Orcutt Shelley Miller utilize explosive group chemistry, focused intention and chance to pursue the creation of song in its rawest, purest form.
"The landscape Orcutt Shelley Miller inhabits lies deep in the stoner American bedrock, fed by volcanic riffage and hypnotic phrasing with rhythmic nods to the SoCal ‘60s and atonal slash piled on a mid ‘80s SST punk-fusionoid substrate, ultimately blasting a "big rock statement" that treads the line between good times and blown minds."

Bill Orcutt is renowned for his incendiary guitar work with the seminal '90s noise-rock band Harry Pussy, Orcutt has since carved a niche in the experimental music scene with his raw, deconstructed guitar improvisations and recent quartet compositions. His solo work blends elements of blues, punk, and free improvisation, earning acclaim for its intensity and originality.

Steve Shelley is best known as the drummer for alternative rock pioneers Sonic Youth, Shelley has been a driving force in the indie and experimental music scenes since the early 1980s. His dynamic drumming style has contributed to numerous projects, showcasing his versatility and commitment to pushing musical boundaries.

Ethan Miller is a central figure in the psychedelic and noise rock movements, Miller has been at the bow of influential bands such as Comets on Fire and Howlin' Rain. His work is characterized by high-energy performances and a fusion of classic rock influences with experimental sounds, solidifying his reputation as a visionary guitarist and vocalist.

This trio’s electrifying live experience merges their distinct musical legacies into a cohesive and innovative performance. Orcutt Shelley Miller are touring in support of their debut album out Sept 5th on Silver Current Records.

Vasiliki Papapostolou (Tarantism): Panopticon

Ein Körper im Widerstand, gefangen zwischen Regel und Reflex, zwischen Sichtbarkeit und Kontrolle: In "Panopticon" verwandelt Vasiliki Papapostolou alias Tarantism das philosophische Konzept des Überwachungsraums in ein vibrierendes, physisches Experiment. Was Jeremy Bentham als Gefängnismodell entwarf und Michel Foucault als Struktur moderner Gesellschaft beschrieb, wird hier zum choreografischen Brennpunkt: Ein Körper, beobachtet von uns und sich selbst, ringt mit der Idee, frei zu sein.



Papapostolou beginnt im Rhythmus eines Metronoms - ein Taktgeber, der zum System wird. Der Körper folgt, präzise, mechanisch, bis der Impuls kippt: Bewegung wird Widerstand. Die Tänzerin wird zur Maschine, die Mensch zu sein versucht - oder umgekehrt. Ihre Hände, in rotes Licht getaucht, sind Symbol und Zwang zugleich: Kontrolle, Zählung, Macht. Doch unter der Oberfläche tobt ein anderes Drama - das Ringen zwischen Ego, Über-Ich und Unterbewusstsein, zwischen Ordnung und Chaos, Anpassung und Aufbegehren.



Die aus Griechenland stammende Choreografin und Performerin ist eine international agierende Künstlerin des experimentellen Tanzes. Ihre Bewegungssprache - ein Hybrid aus Physical Theatre, Ballroom Latin und Urban Street Styles - verbindet komplexe Körperlichkeit mit psychologischer Tiefe. In "Panopticon" entfaltet sie diese Sprache mit packender Klarheit: Jede Bewegung trägt Bedeutung, jede Stille ein Risiko. Die Musik von Christopher Nas und das präzise Lichtdesign von Emma Gasson schaffen einen Raum, in dem Wahrnehmung selbst zur Bühne wird. Die Kamera von Klaus Shehaj hält fest, was sich der Kontrolle entzieht.



Das vielfach preisgekrönte Solo - u. a. ausgezeichnet beim 29MASDANZA, beim Tanztheater Erfurt und beim Philly Fringe Festival - zeigt eine Künstlerin, die Mechanismen der Macht in Bewegung übersetzt. "Ein brillant-groteskes Solo", urteilte die britische Presse, und traf damit den Kern: ein Tanz über das Menschsein in einer Welt, die uns permanent beobachtet.



Choreography, Performance, Text: Vasiliki Papapostolou aka Tarantism

Music & Sound Design: Christopher Nas

Lighting designer: Emma Gasson

Videographer: Klaus Shehaj

John von Düffel / William Shakespeare
Schauspiel mit Sport und Ballett


Theater spielen, tanzen und Sport treiben – all das war möglich im Ballhaus. Seit 400 Jahren wird am Mirabellgarten Theater gespielt. Das erste Theatergebäude wurde 1625 gebaut und hieß Ballhaus. Tatsächlich hatte das eindrucksvolle Gebäude mit offenem Dachstuhl, drei Galerien und fast 50 Metern Länge mehrere Funktionen, nämlich als Theater, Tanzpalast und Sporthalle.

Anlässlich des 400-jährigen Jubiläums des heutigen Landestheaters schreibt John von Düffel ein Theaterstück, das die Vorgeschichte so aufleben lässt, wie sie gewesen sein könnte. Ein ambitionierter Architekt plant den Neubau als Ort der bürgerlichen Gemeinschaft, doch natürlich entsteht schon früh Streit über die Nutzung. Sport, Tanz und Schauspiel treten tagsüber in Widerstreit, doch nachts wird das Ballhaus ein Ort der Sehnsüchte und Träume. Plötzlich entsteht dort die Handlung von Shakespeares „Sommernachtstraum“ im Wechselspiel der Disziplinen. Liebende suchen und finden einen Ort, an dem Irrungen und Wirrungen passieren, begegnen Elfen, einem Theaterensemble und erleben mit fabelhaft tanzenden Schattenwesen eine verrückte Nacht. Am nächsten Morgen weiß niemand so recht, was real war und was nicht.

William Shakespeares Stücke erlebten ihre Blüte in London, als in Salzburg das Ballhaus gebaut wurde, und so kommen theatrale Gründerzeiten in diesem Stück, das den „Sommernachtstraum“ durch die hinzugedichtete Rahmenhandlung ergänzt, kreativ zusammen. Das Schauspielensemble wird um Tänzer*innen der Sparte Ballett erweitert, und Salzburger Sportvereine sind eingeladen, das Ballhaus als Showcase zu nutzen.

William Shakespeare (1564–1616) und John von Düffel (*1966) sind die Autoren des Brückenschlags von damals nach heute. Im Landestheater, an der Stelle des ehemaligen Ballhauses, das Fürsterzbischof Paris Lodron 1625 zum „Zwecke des Ballspiels“, zur Belustigung der Hofgesellschaft und um Theater zu erleben, errichten ließ, verbinden sich ihre Texte zu einem Spiel.

Carl Philip von Maldeghem und Reginaldo Oliveira feiern mit der Uraufführung des Auftragswerkes von John von Düffel das Spiel – das sportliche wie das theatrale – als spartenübergreifendes Fest von Schauspiel, Ballett und Sport. Dazu erschafft Bühnenbildner Thomas Mika eine bildliche Reminiszenz des Ballhauses von damals.

Nach dem überwältigenden Erfolg von ROCK ME AMADEUS – DAS FALCO MUSICAL präsentieren die Vereinigten Bühnen Wien, ein Unternehmen der Wien Holding, in der kommenden Saison ein weiteres Highlight: Musical-Intendant Christian Struppeck und sein kreatives Team bringen mit MARIA THERESIA – DAS MUSICAL im Oktober 2025 eine brandneue VBW-Eigenproduktion auf die Bühne des Ronacher. Dieses epische Werk erzählt die faszinierende Geschichte und das Vermächtnis einer der einflussreichsten Monarchinnen des 18. Jahrhunderts – ein lebendiges Porträt von Macht, Leidenschaft und historischem Wandel.

Epische Dramatik: kraftvolle Musik und spannende Story

Das opulente Musical vereint monumentale Dramatik mit modernem Sound, pulsierende Beats mit eindringlichen Lyrics. Zeitlose Geschichte trifft auf zeitgemäße Inszenierung und schafft ein mitreißendes Bühnenerlebnis voller Energie und Überraschungen. Die Vereinigten Bühnen Wien setzen mit dieser spektakulären Produktion ein kraftvolles Statement und der legendären Herrscherin ein Denkmal – jung, dynamisch und absolut unverwechselbar.

Intrige, Kriege, Machtspiele: die erste weibliche Herrscherin der Habsburgermonarchie

In einer von Männern dominierten Welt erhebt sich eine junge Frau, die nicht bereit ist, im Schatten zu bleiben. Maria Theresia, die sich von Kindesbeinen an brennend für das politische Geschehen interessiert und ihrer Zeit in vielem voraus ist, trotzt dem patriarchalen Kaiserhaus und entfaltet eine beeindruckende Stärke und große Visionen. Sie kämpft gegen alle Widerstände an und gelangt schließlich als erste Frau an die Spitze des Staates. Mit unerschütterlichem Mut führt sie das Land durch turbulente Zeiten.

Herrscherin, Strategin, Mutter

Als Mutter von sechzehn Kindern vereint Maria Theresia familiäre Fürsorge mit politischem Scharfsinn und strategischem Weitblick. Unbeugsam und mutig stellt sie sich den Herausforderungen ihrer Zeit, konfrontiert Friedrich den Großen von Preußen und trotzt den Intrigen am Hof. Während Kriege Europa erschüttern, modernisiert sie Verwaltung und Militär, revolutioniert Bildung und Sozialpolitik und bleibt selbst in Krisenzeiten unerschütterlich – eine wahre Wegbereiterin mit visionärem Geist.

Maria Theresias bewegendes Leben als Musical

Maria Theresia – eine politische Ikone und Reformerin, deren Einfluss Europa bis heute prägt. Ihre bahnbrechenden Errungenschaften reichen weit über Österreich hinaus und hinterlassen ein Erbe, das die Geschichte nachhaltig formte. Das faszinierende Leben einer Frau, die die Spielregeln neu definierte und die Welt veränderte – ab Herbst als packendes Musical auf der Bühne des Ronacher!

Erstklassiges, internationales Kreativ-Team

Für die Weltpremiere von MARIA THERESIA – DAS MUSICAL haben die VBW ein erstklassiges Kreativ-Team zusammengestellt: Die Musik schreibt der legendäre Komponist und Musikproduzent Dieter Falk (MOSES - DIE ZEHN GEBOTE, BETHLEHEM, LUTHER, u.a., mehrfacher ECHO-Preisträger, 50 Platin- und Goldene Schallplatten), der auch für Orchestrierung und Arrangements verantwortlich zeichnet, zusammen mit seinem Sohn, dem renommierten Musikproduzenten und Komponisten Paul Falk (schreibt u.a. für Helene Fischer, DJ Ötzi, Michelle, Howard Carpendale). Die Liedtexte stammen von Texter Jonathan Zelter (schreibt u.a. für Michelle, Tim Peters, Roland Kaiser, Peggy March - mehrfache Top-Ten-Platzierungen in den Album-Charts, Gold- und Platin-Auszeichnungen). Das Buch vom österreichischen Autor Thomas Kahry (SPATZ UND ENGEL (Burgtheater + international), HOUDINI, AUGUSTIN, HOLLYWOOD IN VIENNA, RAIMUND-THEATER-GALA, u.v.m.). Die Kreative Entwicklung übernimmt VBW-Musical-Intendant Christian Struppeck (ICH WAR NOCH NIEMALS IN NEW YORK, DER BESUCH DER ALTEN DAME, I AM FROM AUSTRIA, ROCK ME AMADEUS – DAS FALCO MUSICAL, u.a.).

Für die Regie verantwortlich zeichnet der bekannte Musical-Spezialist Alex Balga (JESUS CHRIST SUPERSTAR, MESSIAH ROCKS, RAIMUND-THEATER-GALA, MIAMI NIGHTS, WE WILL ROCK YOU, DIRTY DANCING, ROCK OF AGES, u.a.). Die Choreografie wird von einem der innovativsten Künstler seines Fachs gestaltet: Jonathan Huor (MAMMA MIA! (Mörbisch), KUDAMM ‘56, ROMEO & JULIA, RAIMUND-THEATER-GALA, THE VOICE, u.a.). Das Bühnenbild entwirft der mit zahlreichen Preisen ausgezeichnete West-End-Designer Morgan Large (DISNEY’S NEWSIES (London), SUNSET BOULEVARD (Sydney), SISTER ACT (UK-Tour), WICKED (Sao Paulo), u.a.), der auch das Videodesign entwickelt. Die Kostüme kreiert die renommierte Künstlerin Aleksandra Kica (Wiener Volksoper, Theater in der Josefstadt, Salzburger Landestheater, Seefestspiele Mörbisch, u.a.). Das Lichtdesign stammt vom Londoner Star-Designer Ben Cracknell (PRISCILLA, CHESS, THE ADDAMS FAMILY, JOSEPH, u.v.m.), der Sound vom deutschen Sounddesigner Carsten Kümmel (LUTHER, BETHLEHEM, No Angels, World of Hans Zimmer, Eurovision Song Contest, u.v.m.).

Es spielt das Orchester der Vereinigten Bühnen Wien in großer Besetzung, unter der musikalischen Leitung von Carsten Paap.

Ab Herbst 2025 ist Maria Theresias außergewöhnliches Leben erstmals als spektakuläres Musical im Ronacher zu erleben. Die Besetzung wird noch vor dem Sommer bekannt gegeben.

Deutsch mit englischen Untertiteln
Altersempfehlung: Ab 10 Jahren

Besetzung:
Maria Theresia - Nienke Latten
Franz Stephan von Lothringen - Fabio Diso
Friedrich II. von Preussen - Moritz Mausser
Madame Fuchs - Annemieke van Dam
Kaiserin Elisabeth Christine - Annemarie Lauretta
Kaiser Karl VI. / Michael Gabriel Fredersdorff - Dominik Hees
Kanzler Bartenstein - Andreas Wolfram
Joseph - Aeneas Hollweg
Marie Christine - Amelie Polak

In weiteren Rollen:
Sophie Aigner, Anna Bauer, Clemens Otto Bauer, Andrea Luca Cotti, Elies de Vries, Petra Ilse Dam, Klaudia Dodes, Dominik Doll, Briannajoy Ebunola, Florian Fetterle, Florian Heinke, Charles Kreische, Jessica Lapp, Jonathan Metu, Florian Minnerop, Stefan Mosonyi, Paula Niederhofer, Kevin O’Dwyer, Fabian Lukas Raup, Kevin Reichmann, Florine Schnitzel, Benedikt Solle, Janis van Dorsselaer, Aday Velasco, Livia Wrede und Anna Zagler.

(Limited Operations of Verbal Emotions)

Eine Produktion von toxic dreams

In Koproduktion mit Theater am Werk

Uraufführung

Inszenierung: Yosi Wanunu

Vier Spieler*innen versuchen in verschiedenen Paarkonstruktionen unter willkürlichen formalen Einschränkungen mehrere Liebesgeschichten zu konstruieren: Jede Zeile beginnt mit dem gleichen Buchstaben. Aus dieser Einschränkung entsteht ein fragiles und unbeständiges System, teils Spiel, teils Geständnis, teils emotionaler Zusammenbruch. Inspiriert von der Oulipo-Bewegung (L‘Ouvroir de Littérature Potentielle), die das kreative Potenzial von Einschränkungen beim Schreiben erforschte, werden deren Prinzipien für die Bühne neu interpretiert, wo Grammatik und Gefühl sich überschneiden, kollidieren und gegenseitig aufheben.

Durch Wiederholung, Bruch und Erschöpfung der Form zeigen die Beteiligten, wie Sprache Emotionen diszipliniert, wie Liebe, ähnlich wie Text, von Bearbeitung, Zögern und Löschen abhängt. Was als poetische Übung beginnt, entfaltet sich allmählich zu einer Anatomie der Kommunikation: zwei Körper, gefangen in der Syntax, die darum kämpfen, frei zu sprechen innerhalb eines Systems, das Bedeutung verspricht, aber nur Echo liefert. L.O.V.E. ist eine Reihe von Liebesgeschichten ohne Sentimentalität - mathematisch, tragisch und komisch zugleich. Teils Samuel Beckett, teils Gruppentherapie, teils gescheiterter Rechtschreibtest.

toxic dreams wurde 1997 von Kornelia Kilga (Produzentin) und Yosi Wanunu (Regisseur und Autor) gegründet. Seither hat die Gruppe mehr als 90 Eigenproduktionen realisiert. toxic dreams erarbeitet in kollaborativen Verfahren im Rahmen von mehrjährigen Arbeitszyklen ästhetisch und formal sehr variantenreiche Formate. Der aktuelle Rashomon-Zyklus widmet sich dem vielstimmigen und widersprüchlichen Prozess von Wahrheitsfindung anhand von Falldarlegungen. The Chosen One und Unwalling the Wall waren am Theater am Werk zu sehen.

„There’s an infectious radiance and joie de vivre about her music and presence on stage.“ (Simon Broughton, Songlines)

Cristina Clara ist Sängerin, Songwriterin und Reisende zwischen Musiktraditionen, die sich über die portugiesischsprachige Welt erstrecken. Ihre Songs entstehen aus Begegnungen, Geschichten und Klängen, die sie auf ihren Reisen sammelt – von Fadohäusern in Lissabon über Kapverden-Rhythmen bis zu brasilianischen Melodien. Alles fließt ineinander, alte Formen treffen auf neue Wege, Sprachen verschmelzen, Rhythmen öffnen Räume.

Auf der Bühne wird dieser Klang lebendig. Zusammen mit Musiker:innen, die zwischen Jazz und mündlicher Folkmusik zu Hause sind, entsteht ein offener, organischer Sound. Cristinas Stimme bewegt sich zwischen Intimität und Weite, ihre Shows sind improvisierte Dialoge zwischen Lyrik und Musik, zwischen Tradition und eigenen Kompositionen.

Das Repertoire reicht von portugiesischem Fado über kapverdische Morna bis zum brasilianischen Choro – immer mit modernen Arrangements, lebendigen Rhythmen und einer subtilen Leichtigkeit, die den Raum spürbar macht.

Zu ihren Auftritten zählen WOMEX in Manchester, das NOS Alive Festival, Teatro da Trindade in Lissabon, Atlantic Music Expo in Kap Verde, Casa de Portugal in São Paulo, Centre Culturel des Arts Pluriels in Luxemburg und das Azores International Festival.

Cristina Clara - Stimme, Pedro Loch - Gitarre

Free at Last

Born and raised in the USA, Reginald Bärris was told to believe that the path to Freedom was simple: Pursue the American Dream. But it wasn’t until he moved to Austria that he truly began to free his mind from the propaganda and learn to define "Freedom" for himself.
Through this exploration, Reginald hones his personal definition of Freedom and realizes that he’s closer to achieving that dream in Austria than he ever was in the so-called "Land of the Free".

Philosophen im Saustall
Der Arbeiter, der mit der Weisheit eines Philosophen spricht.
Worte umklammern dich und ratternd siehst du einen schwarz-weiss Film in deiner Seele flimmern. Und dann hörst du den Regenbogen!
Wir folgen in Vororte, längst geschlossene Cafes, Schrottplätze…
Francois Villon wankt mit Qualtiger in die nächste Bar und singt dabei Tom Waits. Charles Bukowski sitzt in der Ecke und findet Liebe, wo sie keiner vermutet.
Ein Sergio Leone Western mit authentischen Einzelgängern, wahrhaftiger als der Alltag. Schüsse fallen die doch nur Küsse sind. Keine Toten, nur das Leben. Da gibt‘s nix wehleidiges, weil das gar nichts zur Sache tut.

Bananz' Figuren scheinen wie aus einem Film zu springen. Durch die Beschreibung kleinster Details und Eigenschaften werden sie plastisch und greifbar. Nicht zuletzt die Ironie und die Aufdeckung so mancher Macken seiner Charaktere sorgt für den ein oder anderen Lacher. Der Abend schwingt in Leichtigkeit zwischen Wienerlied und Kabarett. Dabei begleitet sich der Sänger selbst an der Gitarre.

Pressestimmen:

...nach nicht einmal zwei Takten fragt man sich, mit und ohne hinschauen: Seit wann singt denn der Tom Waits auf Österreichisch?... Franz J. Sauer - Wiener

...räudiger Strizzisoul wie von Percy Sledge mit Restfett’n geheult, aber auch Balkan Country and Western...
Fritz Ostermayer - FM4

...seine bluesig-raue Stimme klingt nach Tom Waits aus dem Mühlviertel... Weinerliche Stimmung kommt nie auf, was auch an der feurigen Band liegt... Naturgenie oder hart abgerungene Kunst, egal, Philosophen im Saustall ist ein furioses Album...
Sebastian Fasthuber - Falter

...der Musiker und Liederschreiber mit einer Stimme, die zwischen Dreck und Dringlichkeit ein höchst feinfühliges Wesen erkennen lässt...ein echtes Original...
Reinhold Gruber - OÖ Nachrichten

...Bänkelgesang, Bob-Dylan Gitarre, stilistisch irgendwo zwischen Chanson, Soul und Rockballade irrlichternd, das ist diese Musik...kein Bass und drei Bläser, das klingt grossartig...
Samir Köck - die Presse

...(die) songs handeln von Verlierern, Versagern, Entwurzelten, Zweiflern, Trutscherln und Selbstüberschätzern. Damit irgendwie ein wenig von uns allen.... Ein erfrischend ungewöhnlich, philosophisch skurriles Projekt....
Dietmar Hoscher - Concerto

Lassen Sie sich von Mozarts Violinsonaten in einem traumhaften Ambiente verzaubern und träumen Sie sich zurück in die Hochzeit der klassischen Musik in Salzburg.
Dauer des Konzerts: 45 min

2026 steht in Mauthausen ein besonderes Jubiläum an: die fünfte Auflage der Danube Upper Austria Open powered by SKE. In nur wenigen Jahren hat sich das Turnier zu einem der lebendigsten und bestbesuchten ATP-100-Challenger im deutschsprachigen Raum entwickelt – ein Event, bei dem nicht nur erstklassiges Tennis im Mittelpunkt steht, sondern auch eine Atmosphäre, die Spieler wie Fans gleichermaßen begeistert.

Der Termin 26. April bis 3. Mai 2026 markiert erneut jenen Zeitpunkt, an dem das Tenniszentrum Mauthausen zum brodelnden Hotspot für internationale Profis wird. Zahlreiche namhafte Spieler aus der erweiterten Weltspitze haben in den vergangenen vier Jahren hier aufgeschlagen – und viele von ihnen rühmen die Bedingungen vor Ort: kurze Wege, perfekte Organisation, schnelle Plätze und ein Klima, das sportliche Höchstleistungen fördert. Ein „Top-Turnier für Spieler auf Challenger-Ebene“.

Hinzu kommt das, was Mauthausen wirklich besonders macht: das große Faninteresse. Jahr für Jahr füllen sich die Tribünen schon ab den frühen Runden, die Fans sind nah dran und schaffen eine Stimmung, die man sonst eher von größeren ATP-Turnieren kennt. Für viele Spieler ist genau das der entscheidende Grund, immer wieder zurückzukehren.

2026 soll nun der nächste Schritt werden: ein Turnier, das an die besten Momente der Vorjahre anschließt und zugleich den Weg in ein neues Kapitel ebnet. Ein Tennisfest, das die Region bewegt, Emotionen weckt und eine Woche lang die ganze Vielfalt des Tennissports zeigt – von der Next Generation bis zu erfahrenen Kämpfern, die um jeden Punkt ringen.

Also: Datum eintragen. Vormerken. Weitererzählen. Ticket sichern!

„ALTER NICER MANN“ – Gerald Fleischhacker ist zurück!

Der Großmeister des Pointenhagels bringt sein bereits 6. Soloprogramm auf die Kabarettbühnen des Landes – und es wird - wie schon in seinen bisherigen Stücken - ein Feuerwerk aus Witz und Wahrheit! - nur nicht so laut – er ist ja schon über 50” “Was passiert, wenn man sich noch wie 25 fühlt, aber die Realität und der Rücken die Sache anders sehen? Warum wird der Hund gelobt wenn er in den Garten macht und ich geschimpft?” Gerald Fleischhacker nimmt sich selbst nicht so ernst, das Leben mit Humor und sein Publikum mit auf eine irrwitzige Reise durch die Tücken des modernen Alltags. Ein Alltag, der ihn zunehmend fragend zurücklässt. Gerade war er noch der coole jugendliche “Dude”, mit dem alle gerne abhängen - auf einmal wird er sogar von der eigenen Frau als „typischer Cis Mann“ abgestempelt. Und fragt sich, warum er dabei an den Musikunterricht in der Schule denken muss.

Familienchaos, Technik-Wahn, der tägliche Irrsinn mit dem Internet und dem echten Leben, ganz zu schweigen von den ewigen Kommunikationsschwierigkeiten zwischen Mann und Frau - da kann nicht mal Duolingo helfen. Gerald Fleischhacker bringt alles auf den Punkt: scharfzüngig, gnadenlos lustig und verdammt nah am echten Leben!

Ein Abend mit Gerald Fleischhacker ist wie eine Flasche alter Rotwein: Reif, vielleicht mit einem Hauch von Kork, aber dafür mit ordentlich Wumms. Und vor allem LIVE viel besser als im Fernsehen :-), was auch die Presse bestätigt.

Alfred Dorfer schreibt sich im kabarettistischen Ein-Mann-Theater "GLEICH" mit Freude seine Welt und teilt wie gewohnt auf Augenhöhe in alle Richtungen aus. Mit sympathischer Souveränität und viel Selbstironie nimmt der Wiener Satiriker Alfred Dorfer als genauer Beobachter unseres Alltags gesellschaftliche Strömungen als rhetorischer Bruder Leichtfuß aufs Korn. Vergnüglich und gekonnt spielt er mit seinem Publikum. Nichts und niemand ist vor seinen unerwarteten Gedankengängen sicher.

"Wo waren wir? Bei den Sonnenblumen. In meiner ersten Pantomimestunde mussten wir Sonnenblumen spielen. Ich war eine gute Sonnenblume." Mit sympathischer Souveränität und viel Selbstironie nimmt der Wiener Satiriker Alfred Dorfer in seinem 8. Soloprogramm als genauer Beobachter unseres Alltags gesellschaftliche Strömungen als rhetorischer Bruder Leichtfuß aufs Korn. Vergnüglich und gekonnt spielt er mit seinem Publikum. Nichts und niemand ist vor seinen unerwarteten Gedankengängen sicher.

Dieser Platz atmet Geschichte!

Seit vermutlich unter Kaiser Barbarossa um 1180 auf diesem Hügel eine Burg errichtet wurde, lebten zahlreiche Besitzer*innen an diesem Ort. Genau wie seine jeweiligen Besitzer*innen änderte auch das Gebäude innen seine Funktionen und seine Ausstattung. Die zwei Brände taten ihr Übriges. Von außen jedoch war es immer das Schloss, das das Landschaftsbild von Wolfurt seit nun 800 Jahren prägt und zu einem Wahrzeichen für die Umgebung wurde.

Beim Rundgang von ca. 1h 30 min wird die Geschichte vom Schloss Wolfurt erzählt.

Bitte beachten Sie, dass Schloss Wolfurt als historisches Gebäude nicht barrierefrei ist. Aufgrund der baulichen Gegebenheiten (z.B. steile Turm-Treppen) sind Trittsicherheit und ein grundlegendes Maß körperlicher Fitness Voraussetzung für die Teilnahme an den Führungen.

Nicht geeignet für Kinder unter 8 Jahren.

Die Morgenarbeit bietet Ihnen einen Einblick in die Ausbildungsarbeit der Bereiter mit ihren Lipizzanern. Sie sehen sowohl das Training der oft noch grauen Junghengste, als auch der bereits ausgebildeten Schulhengste – unserer „weißen Stars“ – im kaiserlichen Ambiente der barocken
Winterreitschule, untermalt von klassischer Wiener Musik.



Das Gymnastizieren der Pferde beinhaltet Lockerungsübungen, die Verfeinerung und
Perfektionierung von Lektionen, sowie die gezielte Stärkung der
Muskulatur. Die berühmten Schulsprünge, die im Rahmen der Vorführungen präsentiert werden, sind nur manchmal während der Morgenarbeit zu sehen,
um die Tiere zu schonen. Jeder Hengst wird seinem individuellem Ausbildungsniveau
entsprechend bis hin zu Lektionen der Hohen Schule trainiert.

Die Morgenarbeit bietet Ihnen einen Einblick in die Ausbildungsarbeit der Bereiter mit ihren Lipizzanern. Sie sehen sowohl das Training der oft noch grauen Junghengste, als auch der bereits ausgebildeten Schulhengste – unserer „weißen Stars“ – im kaiserlichen Ambiente der barocken
Winterreitschule, untermalt von klassischer Wiener Musik.



Das Gymnastizieren der Pferde beinhaltet Lockerungsübungen, die Verfeinerung und
Perfektionierung von Lektionen, sowie die gezielte Stärkung der
Muskulatur. Die berühmten Schulsprünge, die im Rahmen der Vorführungen präsentiert werden, sind nur manchmal während der Morgenarbeit zu sehen,
um die Tiere zu schonen. Jeder Hengst wird seinem individuellem Ausbildungsniveau
entsprechend bis hin zu Lektionen der Hohen Schule trainiert.

Eine Anleitung für ein Leben voller Freude

Seinen Weg, seine Erfahrungen, seine guten und seine schlechten Zeiten und wie er zu einem erfüllten Leben gefunden hat erzählt Thomas Brezina in einer unterhaltsamen Geschichte, die Mut macht und so manche Anregung für das eigene Leben bringt. Keine Comedy, aber viel zu lachen. Kein Vortrag, aber viele Gedankenanstösse, die schon zahlreiche neue Türen geöffnet haben. Persönlich wie nie zuvor und mit überraschenden Wendungen erzählt Thomas Brezina unterstützt durch intime, berührende Fotografien aus seinem Leben.

Ein Programm, wie kein anderes.
Unverwechselbar.
Einfach Thomas Brezina.

Maschek XX - 28 Jahre Drüberreden:

Seit mittlerweile 28 Jahren wirft Maschek einen witzig-kritischen Blick auf die Tagespolitik. In unzähligen TV-Shows und Bühnenstücken haben Peter Hörmanseder und Robert Stachel ihr unvergleichliches Können bewiesen, Politikern und Prominenten neue Worte in den Mund zu legen. Für viele Karikierte ist es mittlerweile eine Ehre, bei Maschek vorzukommen, und nicht selten heißt es: "Das ist ja wie bei Maschek!" Maschek sind mit diesem Best-Of seit vielen Jahren erfolgreich auf Tournee: Ein Rückblick auf mehr als ein Vierteljahrhundert österreichische Politik, auf zwei Jahrzehnte Fernsehgeschichte, auf vergangene Sternstunden und vergessenen Irrsinn.

2 Mascheks
9 österreichische BundeskanzlerInnen
2 deutsche BundeskanzlerInnen
3 österreichische Bundespräsidenten
5 US-Präsidenten
7 ÖVP-Chefs
3 Päpste
10 ÖFB-Teamchefs
1 österreichische Song Contest GewinnerIn
3 ÖSV-Chefs

Die Maschek-Klassiker, im Original und im Remix - plus nie gezeigte Bonus-Tracks. Ein Vierteljahrhundert Drüber-Reden im Zeitraffer. MASCHEK XX!

Gery Seidl – „Eine Runde Seidl“
Das Best-Of Sommer Special!

Jetzt hat doch Gery Seidl gerade erst sein neues Bühnenprogramm „beziehungsWEISE“ präsentiert - und nun kommt ein „Best of“? Ganz einfach, es gibt ein Jubiläum zu feiern. Tatsächlich sind seit seinem erstem Soloprogramm „Wegen Renovierung offen“ bereits 15 Jahre vergangen!
Zeit zum Ausruhen? Mitnichten!
Gery Seidl, neuerdings auch Publikumsliebling als Filmschauspieler, holt aus mit großem Schwung und schickt seine liebsten, besten und lustigsten Geschichten noch einmal ins Rennen. Ein wahrhaft edles Potpourri, „Eine Runde Seidl“ vom Feinsten. Zu erleben nur im Sommer!

Die Gewinnerin des UK British Blues Awards und viermalige Nominierte der European Blues Awards, Bex Marshall, hat einen einzigartigen Gitarrenstil, der eine Kombination aus Slide, Blues Rock, Ragtime und Roots Pickin‘ ist.

Ihre Stimme ist ein kraftvoller Schmelztiegel aus dem Herzschmerz einer alten schwarzen Frau und der Seele einer Rock-Diva. Bex ist eine herausragende und bemerkenswerte Songwriterin, die die Grenzen des Blues erweitert. Ihre Songs wurden als zeitlos und genial bezeichnet. Sie tourt international solo oder mit einer 3-köpfigen Band, die ihren einzigartigen virtuosen Stil ergänzt. Bex‘ neueste Veröffentlichung ‚Fortuna‘ wurde von Blues Blast Magazine (USA) für das prestigeträchtige ‚Rock Blues Album of the Year‘ für 2024 nominiert. Dies ist eine äußerst angesehene Nominierung und zeigt ihr Talent.